Violent Cop (1989) - Takeshi Kitano

Han pasado casi 13 meses desde la última publicación que realicé en el blog, la razón de la para ha sido principalmente un cambio que Facebook hizo en su interfaz a la hora de compartir contenido en páginas y grupos, lo cuál me impedía compartir mis artículos con facilidad, eventualmente perdí el interés en seguir escribiendo, pero tras toparme con la filmografía al completo de Takeshi Kitano, he decidido comentar todas y cada una de sus películas, omitiendo claro está Brother (2000), la cuál ya se encuentra publicada en el blog.

Yendo a lo que nos interesa, he vuelto a ver esta película por segunda vez, luego de unos 3 o 4 años, llevaba ya tiempo con ganas de volver a verla. A veces uno cambia su opinión respecto a algún film según pasa el tiempo, para bien o para mal, y en este caso tenía ganas de darle un segundo visionado a este el debut de Takeshi Kitano.

Lo primero que quería comentar son las circunstancias en las que nace esta película, y con ella la carrera de Takeshi Kitano. Conocido originalmente como Beat Takeshi, Kitano tenía muchísimos años de carrera artística en japón, conocido principalmente por ser un comediante que alcanzó la fama junto a Kaneko Niro, mejor conocido como Beat Kiyoshi, y por ser una personalidad del mundo televisivo japonés, dentro del cuál es probablemente la celebridad más importante a día de hoy.

Kitano que había recibido buenos comentarios por su participación como el desquiciado Sargento Hara en Merry Christmas Mr. Lawrence (1983), y a pesar de haber actuado ya en varias películas, no tenía aun una reputación cimentada como actor de cine, en este contexto acepta el protagónico de Violent Cop, que originalmente iba a dirigir por Kinji Fukasaku (Tora Tora Tora!, Battle Royale), pero debido a conflictos con la agenda de Kitano y sus participaciones en televisión decidió abandonar el proyecto, el cuál los productores decidieron ofrecerle a Kitano, ocasionando así su inesperado debut como realizador.

Hay que tener en cuenta que la película original, como no podía ser de otra manera iba a ser una comedia, Kitano viendo que en ese momento tenía poder de decisión y en un intento de apostar por un papel más serio y quitarse el estigma de comediante, reescribió el guion casi en su totalidad para quitarle la comedia, transformando la historia en un drama policíaco con un tono más oscuro y hasta melancólico.

La historia de la película se centra en Azuma, un policía solitario que no tiene reparos en aplicar la violencia y cualquier método más que cuestionable para lograr sus objetivos, muy al estilo de Harry el Sucio. Básicamente Azuma se encuentra investigando junto a sus compañeros un asesinato relacionado al narcotráfico, debido a la personalidad del protagonista vamos viendo como el caso se va tornando más personal para él.

Lo primero a resaltar es el tono y estilo de la película, desde el inicio vemos un trato lúdico de la violencia, el protagonista muestra un rostro imperturbable en todo momento, salvo contados momentos en los que pierde los papeles, en todo momento se encuentra sosegado, pero todas las escenas donde hay intercambio de golpes o discusiones fuertes, tienen ese toque de humor seco, que es prácticamente un sello de Kitano.

Es curioso que siendo este su primera experiencia como director se ven casi todas las señas identificables de su cine; el uso y representación de la violencia como conducta natural del ser humano, el humor seco, los tiempos muertos, la propuesta minimalista de sus escenas, casi todas planteadas a uno o dos planos como máximo, y por supuesto la presencia del mar, el cuál casi siempre encuentra donde meter en todas sus películas.

Creo yo, que si bien esta película se puede hacer mas o menos entretenida, no da el nivel del mejor Takeshi Kitano, es más sencillo apreciarla si vienes ya de ver sus mejores películas como Hana-Bi, Sonatine o Brother, pero si ves esta película por primera vez sin saber quien es Takeshi Kitano ni nada, te podría resultar un tanto sosa, aunque se hace muy interesante los momentos en que aparece el protagonista por su comportamiento, cuando no está se le extraña mucho y eso habla en contra del guion, que no desarrolla tan bien la historia de narcotráfico alrededor de nuestro protagonista, Azuma.

Cómo comentario final, y aquí voy a hacer un SPOILER inmenso, así que si no la han visto y desean hacerlo, pueden detenerse aquí e ir a verla si no desean que les joda la película.

Quería referirme en especial al final de la película, que opta por una solución realmente sorprendente, aunque bastante lógica en cierto sentido y es que al final de la película Azuma va a rescatar a su hermana de la manos del asesino Kiyohiro, pero al verla convertida en una yonqui, directamente decide dispararle y matarla, pero ahí no queda la cosa, si no que al dejar la escena del crimen, caminando, es acribillado por el segundo al mando del Jefe mafioso que momentos antes había sido asesinado por Azuma.

Es decir, al final opta por un final bastante nihilista, en el que el protagonista ve como su vida realmente ya no tiene sentido, porque en un inicio el poco sentido que tenía era cuidar de su hermana, esto se evidencia en una escena en la que va a visitar a la hermana y ve que ha pasado la noche con uno que conoció en la discoteca la noche anterior, y Azuma le dice que debe comprometerse, es decir desea que asegurarle su futuro, pero al ver que han convertido a su hermana en un deshecho humano, decide dispararle a sangre fría, luego de haber sido baleado por el asesino, para segundos después terminar muerto, un final que se puede comparar un poco con el de Scarface (1983).

Solo eso por ahora, muy buena película, interesante ver el primer trabajo de este gran director y la recomiendo sobre todo si te interesa el cine japonés, o ya has visto algunas otras películas de Kitano, no te puedes perder esta.

Sleeping with the enemy (1991) - Joseph Ruben

Hace unos días me animé a ver esta película con cuyo afiche promocional me topé en internet y que me causó curiosidad al tratarse de una película bastante antigua. No tengo mucha idea, pero me parece que en su tiempo fue una película bastante comentada y taquillera, de hecho recaudó 174 millones de dólares (equivalente a 324 millones actuales) con un presupuesto de 19 US$ y que claramente viene a cuento hoy en día, pues la premisa básica es la de una mujer que sufre el maltrato de su esposo.

La  película está dirigida por Joseph Ruben, realizador que gozó de cierto caché durante los noventa, que entre otras cosas dirigió aquel thriller psicológico con Macaulay Culkin y Elijah Wood, El ángel malvado (1993), la cuál tuve oportunidad de ver siendo niño, y que sospecho no debe ser muy buena, al igual que en este caso, Durmiendo con el enemigo me ha parecido una película muy mecánica y obvia.

La historia, como ya adelanté, nos pone en la piel de Laura Burney (Julia Roberts) una mujer que al inicio parece estar disfrutando de un idílico descanso en la playa, de pronto aparece su esposo Martin (Patrick Bergin) con un ramo de rosas, pidiendo perdón por 'algo', que no sabemos qué es, pero por el título uno intuye de que se trata, además de que Manolito tuvo la 'cortesía' de adelantarme el tema de la violencia intrafamilar.

La verdad es que la película, si bien fue estrenada en 1991, cae en varios clichés del thriller moderno, el personaje que es loco porque si, los cambios de identidad, los planes super elaborados de un protagonista que parece ser ex agente de la CIA, en fin, mecanismo del guionista para hacer progresar la historia que hacen que uno no se la tome tan en serio, similar al caso de Pacific Heights (1991), película de John Schlesinger.

Laura que en un principio parece confiar en Martin, realmente tiene un plan para escapar, pues la película nos muestra que el marido es un tipo con trastorno obsesivo compulsivo (TOC) que reacciona con una violencia incontrolable cuando algo no se hace con la perfección que el requiere, como la forma de colocar las toallas en el baño, además de otras cosas que Laura no está dispuesta a seguir soportando, por lo cuál ha hecho creer varias mentiras a su esposo.

Realmente la película no es nada del otro mundo, para un espectador poco exigente si que puede resultar entretenida y emocionante, de hecho creo que los mejores momentos son aquellos que retratan la condición mental de Martin y el maltrato que sufre Laura por parte de este, pero poco más puede ofrecer, Laura se escapa, su esposo va detrás gracias a una desafortunada llamada, y luego lo que tenemos es el típico argumento del stalker moderno, la verdad no la recomiendo, a menos que tengas curiosidad, como digo en su día causo sensación en parte gracias a Julia Roberts que luego de Pretty Woman (1990) se había convertido en una sensación.

Lords of Chaos (2018) - Jonas Akerlund

Hace ya varios días pude ver esta película que 'cuenta' el caso de Mayhem. La infame banda noruega de Black Metal que apareció a mediados de los ochenta en el país escandinavo, como respuesta inmediata al Death Metal que en aquel entonces se encontraba en asenso. Al rededor de Mayhem se construyó una escena en la cuál empezaron a germinar otros proyectos musicales de similares características, los más conocidos tal vez Darkthrone y Burzum.

Precisamente Burzum, proyecto personal de Kristian Vikernes (más tarde conocido como Varg), jugaría un papel determinante en esta historia, que a día de hoy sigue teniendo cierto halo de misterio pues si bien los hechos son claros, hay detalles que siguen en la oscuridad (nunca mejor dicho) y probablemente así se mantenga la cuestión, pues la escena noruega de black metal no solo se trataba de música 'aparentemente', debido a que en aquellos años, 'misteriosamente' empezaron a quemarse diversas iglesias tradicionales que tenían siglos de existencia.

Para resumir la historia y pasar a hablar de la película: El segundo cantante de Mayhem, Per Ohlin alias Dead se suicidó en la granja que la banda usaba para ensayar disparándose a la cabeza con una escopeta. Oystein Aarseth 'Euronymous', guitarrita y fundador de Mayhem encontró el cuerpo y le sacó unas fotografías que luego aparecieron en un disco compilatorio. Más tarde Eurnoymous incorporó a Varg Vikernes como bajista de la banda, pero tras una serie de disputas entre ambos e inconvenientes personales su relación termino con el asesinato de Euronymous a manos de Vikernes, tras lo cuál fue condenado a 21 años de prisión en 1994, siendo liberado en 2009.

La película cuenta de manera muy 'fresca' (si cabe el termino) los orígenes de Mayhem, un poco al 'estilo Scorsese' con la voz en off de Rory Culkin, (hermano menor de Macaulay) quien interpreta a Euronymous. En el elenco aparecen una serie de actores jóvenes como Jack Kilmer (hijo de Val) que hace de Dead y Emory Cohen, quién interpreta a Varg Vikernes, cuyo papel más reconocido probablemente sea el de Homer en The OA (serie que recomiendo por cierto).

El detalle más curioso de la película es su director, Jonas Akerlund, conocido por trabajar en videoclips de un montón de bandas, como Roxette, Metallica o Prodigy por ejemplo. Pero lo más interesante es que da la casualidad que Akerlund fue el primer baterista de Bathory, la legandaria banda sueca liderada por Quorthon (Thomas Forsberg), pionera del Viking Metal y que junto a Venom inspiraron los primeros actos de Black Metal.

Entonces tenemos varios elementos que cojungados deberían darnos una gran película, pero entonces ¿es realmente buena Lords of chaos? Para responder esta pregunta tendría que confesar que tras ver la película tuve sentimientos encontrados. Por una parte, la película está realmente bien hecha, salvando la paleta de colores que me pareció "muy viva" para la historia que se contaba. La historia está 'bien' contada y se hace entretenida salvo por un pequeño detalle.

Los hechos que se cuentan en la película si bien son reales, hubieron muertes, homicidios e iglesias quemadas, las motivaciones y caracteres de los personajes no son reales, y aquí se podría hablar de bastantes cosas, pero para muestra el propio Varg Vikernes a raíz de la película publicó una serie de videos en su canal de Youtube, Thulean Perspective, refutando un montón de detalles sobre como que lo ponen como el principal iniciador de la quema de iglesias, cuando el siempre ha sostenido que jamás quemó una iglesia, pues no es satanista, simplemente defiende su herencia pagana como escandinavo. Incluso se refirió a Emory Cohen como un "actor gordo judío".

Por otro lado la propia película dice al inicio estar "Basada en Mentiras y Verdades", por tanto esta especie de disclaimer debería ser suficiente para estar sobre aviso y luego no andarse quejando de la exactitud de los hechos mostrados en la película, sin embargo a pesar de eso, creo que siempre que se hace una película por más que se avise que es ficción basada en realidad, porque a la larga la gente termina recordando las cosas como se muestran en pantalla y no los hechos reales, generando desinformación.

En términos de entretenimiento la película está bastante bien, de hecho si me gustó pero no es bueno verla si uno es fanático de la gente de la que en ella se habla, porque la forma en que se cuenta la historia es un insulto al legado de aquellas bandas, da la impresión de que la película intenta redimir de alguna manera a Euronymous, al que mucha gente que lo conoció define como un ser despreciable, sin embargo en la película dan a entender sobre el final, que el tipo quería 'hacer las cosas bien' y cambiar el rumbo de su vida, lamentablemente el 'malvado' Varg acabó con sus sueños y esperanzas renovadas. Ridículo.

The Night Stalker (2016) - Megan Griffiths

Ya le tocaba el turno a Richard Ramirez, quien estuvo en las portadas de diarios y noticiarios durante 1985 cuando sembró el terror en California, con una serie de invasiones, violaciones y asesinatos brutales cometidos contra mujeres y niñas, inmediatamente los medios lo bautizaron como 'Night Stalker' (Acosador Nocturno) curiosamente por la similitud de su caso con los sucesos de una película de inicio de los setenta The Night Stalker (1972).

Ramirez era un chicano que vivía en California, un primo que estuvo en Vietnam influyó mucho en su conducta cuando niño contándole historias de guerra, de la violencia que se vivía ahí, mostrándole fotografías de mujeres prisioneras, en algunos casos muertas o incluso hasta decapitadas, a todo esto se suma el hecho de que este familiar asesinó a su esposa enfrente del pequeño Richard. Presuntamente Ramirez inicio su legado de terror en 1978 al asesinar a una madre de origen japonés y su hijo, más tarde destacaría por los crímenes que lo convirtieron en el asesino mas famoso después de Ted Bundy, fue condenado a muerte en 1989, pero nunca fue ejecutado, murió en 2013 a causa de un cáncer a la sangre, mientras se encontraba esperando su ejecución en 'el pasillo de la muerte'.

La película nos sitúa precisamente en ese año 2013, en el que una abogada, llamada Katherine, decide visitar a un Richard ya enfermo para que confiese un crimen por el cuál otro hombre, aparentemente inocente, se encuentra esperando ser ejecutado. Al mismo tiempo la película nos muestra pasajes de la vida del pequeño Richie conviviendo con su primo, incluido el incidente del asesinato, además de momentos del año 1985 en el que una Katherine en la adolescencia seguía con mucho interés los crímenes de Ramirez por televisión, fantaseando con que un día el invadiera su casa y la violara.

Lou Diamond Phillips encarna a Ramirez a sus 52 años, en un papel bastante bueno, logra captar la esencia del personaje real y hasta matices de su voz, el resto del casting realmente cumple, pero no es nada del otro mundo, además tenemos a Bellamy Young como Kit, la abogada que visita a Richard en la carcel para intentar sacarle la confesión, que a su vez es interpretada en la adolescencia por Chelle Sherrill, una jovencita que va viviendo la ola de terror que desató Richard a mediados de los 80.

La verdad es que la película, sin ser gran cosa no está mal, aunque realmente no aborda mucho la historia de los asesinatos y de como Ramirez sembró el terror en 1985. Más da la impresión de ser un telefilm que una producción para salas comerciales, y de hecho el tener nada más que un actor medianamente conocido con LDP, que además no está en su mayor momento mediático, y el resto actores de segunda, evidencia el poco presupuesto que se destinó a la cinta. Cómo digo se puede ver una vez por el morbo de la historia del Night Stalker, pero realmente no es para tanto la película. Para ver una vez se le puede dar oportunidad.

Ted Bundy (2002) - Matthew Bright

Por fin he podido volver a ver una película, luego de unos días jodidos. Esta película estaba en mi lista sobre asesinos en serie, y no podía faltar pues Ted Bundy (1946-1989) fue el primer criminal en ser denominado "asesino en serie", algo que en los años setenta era toda una novedad para la policía y departamentos de justicia de los Estados Unidos.


Bundy ganó notoriedad por "desaparecer" a decenas de mujeres en diversos estados del país norteamericano. Fue condenado por violación, asesinato, secuestro y robo, en especial el secuestro y asesinato de Kimberly Leach una niña de 12 años a la que raptó a plena luz del día y mientras se encontraba prófugo, luego de haber escapado por segunda vez de la justicia, en esta ocasión estando encarcelado.

La película es muy similar en propuesta a Dahmer (2002), apostando por un desarrollo psicológico del persona, con la diferencia de que la historia es un poco más coherente, aquí no hay intentos narrativos inusuales, se sigue una sola línea temporal progresiva que comienza en 1974, con un Ted Bundy asistiendo a clases de derecho en la universidad y culmina con la ejecución del mismo en 1989.

Ted Bundy (Michael Reilly Burke) es un estudiante de derecho que está fracasando en la universidad y se dedica a robar esporadicamente, además de salir de noche a acosar y perseguir mujeres. Tiene una novia, llamada Lee, que vive en otro estado con su hija, a la que visita cada cierto tiempo y por la que aparentemente siente una gran afección, de hecho la película y la historia real nos dicen que Bundy veía en ella su camino hacia una vida normal, la cuál nunca pudo tener.

La historia que se cuenta en la película no es exactamente fiel a los hechos de la realidad, pero esto no es necesario, porque muestran perfectamente el contexto y conductas del personaje en cuestión, por tanto las modificaciones, como el color amarillo utilizado en lugar arena de su Volkswagen, o los nombres de sus parejas y víctimas no influyen ni en el desarrollo de la historia, ni en la coherencia.

Estamos ante una cinta realmente pequeña, pero que en mi opinión logra transmitir las sensaciones del caso real. En cierto momento se hace un poco pesada porque la historia no desarrolla un conflicto a la manera tradicional, su interés radica en el protagonista y en los sucesos que va viviendo.

Es una película que si recomendaría a aquellos interesados en el caso de Ted Bundy, pero solo para ver una o dos veces, no es un film tan entretenido y ciertamente puede resultar desagradable en estos tiempos, debido a la cantidad de violencia que sufren mujeres durante el film.

The Iceman (2012) - Ariel Vromen

 Kuklinski no fue un asesino en serie, pero lo he considerado aquí por la notoriedad que alcanzó al revelarse que asesinó a más 100 personas (según él) trabajando como asesino a sueldo para diversas organizaciones criminales, sobre todo de la mafia italiana.

Conocí a este personaje gracias a un documental, en el que es entrevistado por el Dr. Park Dietz, quien busca establecer los orígenes y razones de la carrera criminal que hizo conocido a Kuklinski como 'El hombre de hielo' porque congelaba los cadáveres de sus víctimas para disfrazar la hora de fallecimiento de sus víctimas.

La principal característica de Kuklinski era que padecía el Trastorno de Personalidad Antisocial, lo cuál le favoreció mucho a la hora de cometer los crímenes brutales que se le encargaban, gracias a una capacidad poco común de no experimentar miedo o nerviosismo a la hora de enfrentar situaciones incómodas o de peligro extremo.

Hace unos años vi por ahí en una estantería una caratula de DVD que decía "The Iceman", me llamó la atención el título y luego de averiguar al respecto, se trataba de una película con Michael Shannon en el protagónico, interesante elección de casting por cierto, y bueno dí con que se trataba sobre Richard Kuklinski y su historia como sicario.

Lo primero digno de mencionar es que se trata de una producción bastante estimable, empezando por los actores, en el elenco tenemos a Winona Ryder. James Franco, Chris Evans y Ray Liotta todos muy bien en sus papeles, de hecho tenemos a un excelente Michael Shannon (como casi siempre) logrando perfectamente el acento y voz de Kuklisnki e interpretando muy bien su personaje.

A diferencia de Dahmer (2002), esta es una película más "hollywoodense" y con un lenguaje más convencional y menos intención de generar atmósfera y un clima extraño, por el contrario aquí lo que se quiere es contar objetivamente la historia de Kuklinski con cierto olor a cine de mafias, de hecho ahí es dónde entra en juego Ray Liotta.

La historia empieza con un "Ritchie" intentando conquistar a su esposa en un restaurante, luego se muestra como trabajaba en un laboratorio de revelado de películas porno, estando ya casado y con una hija producto de su matrimonio. Un día Roy DeMeo (Soldato que trabajaba para la familia Gambino) se presenta en el laboratorio y tras notar que el tipo es capaz de manejar situaciones de tensión con tranquilidad decide forzarlo a trabajar para él como asesino a sueldo, cada que sea necesario lo manda a eliminar a algún elemento contrario a sus intereses.

La verdad es que la película es bastante entretenida, como dije antes se disfraza de película de mafias para contar la historia de Richard Kuklinski, que si bien está bastante ligada a aquello, y aquí es dónde falla la película, poco se aborda el pasado de este personaje, y menos se explica muy bien o se intenta abordar la mente criminal, pero bueno, dentro de su propuesta la película funciona, aunque sea más como película de acción que de terror.

Hay momentos que recrean a un Kuklinski ya en prisión, arrepentido de haber hecho daño a su familia, un poco como sucedió en la vida real, que el tipo comentaba lamentar mucho haber perdido a su familia, este temido asesino falleció en 2006 a la edad de 70 años, luego de haber sufrido un paro cardiorespiratorio, tras el cuál no fue revivido debido a que su esposa había firmado una orden DNR (Do Not Resuscitate - No resucitar) evitando de ese modo que vuelva a la vida tras el ataque.

Dahmer (2002) - David Jacobson

Hace unos meses se me ocurrió la idea de revisar ciertas películas basadas en casos reales de asesinos en serie americanos, en específico porque quería ver esta película basada en el caso de Jeffrey Dahmer, conocido como 'El caníbal de Milwaukee', misma que tiene la curiosidad de estar protagonizada por Jeremy Renner, conocido especialmente por interpretar a Hawkeye en las películas de Marvel.

Habría que comentar un poco quién fue Jeffrey Dahmer para el que no lo sepa. Este personaje se hizo conocido en 1994 gracias a una serie de entrevistas y documentales que se hicieron a propósito de su condena a dieciséis cadenas perpetuas por el asesinato de 17 victimas. Adicionalmente se le imputaron los cargos de abuso infantil, exhibicionismo y desorden público.

Lo llamativo y la razón por la que 'saltó a la fama' es la forma en que fue descubierto, sus vecinos reportaron 'olores desagradables' provenientes del 'apartamento 213' (del cuál Slayer hizo una canción en su album Divine Intervention, de 1994), al llegar la policía descubrió restos de cadáveres y cabezas conservadas al interior del dormitorio de Jeffrey Dahmer, además de miembros humanos congelados, comida preparada a partir de estos restos, ollas en las que los cocinaba, en fin, un escenario más brutal que cualquier película gore.

La película incluye varios detalles e incidentes conocidos de la vida de Jeffrey Dahmer (Jeremy Renner), estructurando la historia que vemos en pantalla en dos lineas de tiempo, la primera que nos sitúa al interior de su vida cotidiana a los veintitantos años que trabaja y por las noches sale a bares gay a buscar hombres, esta va progresando. La segunda línea de tiempo cuenta eventos puntuales de su vida pasada que van en retroceso, entre ellos están la relación con su abuela y su padre, el 'evento del maniquí' y su primer asesinato siendo adolescente.

Esta es una estructura curiosa, que por una parte intenta someternos a la observación de la conducta de Jeffrey, y por otro lado intenta darnos luces de los origines y posibles razones de su accionar, pero en mi opinión no esta idea no funciona muy bien, se hace pesada y no está tan bien conectada una linea de tiempo con la otra, termina siendo un recuento lento y aburrido de eventos en la vida del mentado asesino.

Uno de los puntos fuertes de la película es la atmósfera que llega a crear, tanto por montaje y estilo como por la buena actuación de Jeremy Renner, el cuál es otro punto positivo, y que logra meter al espectador dentro de la vida de Jeffrey Dahmer, el problema es que la historia no plantea una estructura narrativa clara que genere el interés en el espectador de seguir viendo la película, me da la impresión que se hace más o menos disfrutable si conoces bien la historia que te están contando, como fue mi caso, pero tal vez si la vez de frente sin saber de que trata no llega a hacerse entretenida, a pesar de lo que sigue estando por encima del promedio.

Realmente no hay mucho más que comentar sobre la película, por un momento pensé que me iba a decepcionar y realmente no ha sido así, pero tampoco es para tanto. La película si que te muestra de manera fehaciente los hechos, pero creo que sobre todo se ve mejor conociendo la historia de antemano, de lo contrario resultaría muy confusa. Creo que si puedo recomendarla, para verla una vez aunque sea.

Green Book (2018) - Peter Farrelly

Ayer domingo 24 de febrero, Green Book ganó el Óscar a la mejor película del 2018. Lamentablemente no pude ver todas las películas antes de la ceremonia, y además de la flamante ganadora, tampoco pude ver Vice (2018) de Adam McKay. El punto es que ahora acabo de ver la película de Peter Farrelly, conocido por El tonto y el más tonto (1994) y Loco por Mary (1998).

La pregunta cae por su propio peso, ¿Ha merecido Green Book el Óscar a mejor película? Lo pienso rápidamente y la respuesta es no. Más allá de la que la terna de esta gala ha sido de las más lamentables que se hayan visto en los últimos años, metiendo a la fuerza a una película de superhéroes que ni de broma ha sido la mejor del año pasado (en su género), y que no da la talla para luchar por la estatuilla, creo que solo BlacKKKlansman, La Favorita y tal vez Vice (porque no la vi) eran películas de nivel Óscar.

Tenemos en los protagónicos al ya dos veces laureado Mahershala Ali y al nominado Viggo Mortensen, empezando desde ahí ya hay un tema de controversia, porque innegablemente Ali se ha merecido el galardón en esta ocasión, porque en mi opinión la primera fue un regalo bastante extraño porque Michael Shannon y Jeff Bridges estaban bastante mejor, mientras que el personaje de Ali tenía una aparición breve, pero además desaparecía de forma desconcertante de la película sin ningún tipo de explicación, razón por la que además considero que le regalaron el Óscar a Mejor Guion y Mejor Película.

Y entonces tenemos que Mahershala Ali ya tiene dos nominaciones y dos premios y Viggo Mortensen con la carrera que lleva en Hollywood e innumerables papelazos que ha dado no tiene ningún premio, eso para mi es como mínimo sospechoso. De cualquier modo ambos actores están soberbios, Viggo Mortensen clavando el acento italoamericano de Nueva York además de interpretando en italiano en varios momentos, y Mahershala Ali ni que decir, habla además del inglés, ruso e italiano, y aunque aparece en cámara tocando el piano bien podría ser esto un truco de CGI como aquel que en el que vimos a Carrie Fisher rejuvenecida en Rogue One (2016).

Realmente la película está bastante bien, cuenta la historia de Tony Lip (Mortensen) un segurata del Copacabana, legendario cabaret neoyorquino operado por Joe Gallo (miembro de la familia Colombo) en su día, y que era habitualmente concurrido por múltiples miembros de distintas familias de la mafia, de hecho la película hace una ligera alusión a este hecho mostrado a líderes del crimen organizado asistiendo a este local. El hecho es que Tony se queda sin trabajo y se ve forzado (ya que es claramente racista) a aceptar un trabajo como chofer de un pianista negro llamado Don Shirley (Ali).

La historia a priori es la típica en la que alguien (generalmente blanco) racista se ve forzado por las circunstancias a interactuar con un afrodescendiente, y mediante esa experiencia logra superar su conducta racista y discriminadora, aceptando la diferencia y convirtiéndose en alguien distinto, historias de este tipo hemos visto millones, sin ir muy lejos tenemos las películas de 2016 Hidden Figures y Hell or High Water que estuvieron nominadas al Óscar hace un par de años, ya tenían este concepto en ellas, y muchas veces antes, otro ejemplo sería Al calor de la noche (1967) en la que Rod Steiger (el blanco sureño racista) termina aceptando a Sidney Poitier (el afroamericano) como excelente policía, ser humano e incluso amigo, dicha película por cierto ganó el Óscar a mejor película en 1968, entre otros premios.

Entonces la historia de la película no cuenta nada nuevo, las mismas que ya en tiempos de la  segregación (y ahí si que representaban una necesidad de ser contadas) habían sido introducidas y que a lo largo de las décadas posteriores se han ido representando una y otra vez en pantalla. Hoy en día han resurgido este tipo de historias en Hollywood con el tema de la 'inclusión' y tenemos cineastas como Barry Jenkins, Jordan Peele, el propio Spike Lee que sigue dando lata con más de 30 años de carrera, todos ellos grandes realizadores pero que utilizan el cine como tribuna para refregar el tema del racismo y discriminación.

Digo todo esto, porque la película, si bien está muy bien realizada y tiene grandes interpretaciones realmente no es nada del otro mundo, es una película correcta, entretenida, bonita si queremos, deja enseñanzas, aunque un tanto cansinas, pero están. Pero si vamos a otras películas de la terna de este año, es que van mucho más allá artísticamente, por ejemplo La Favorita de Yorgos Lanthimos, solo en el acabado visual ya le da tres mil vueltas a Green Book, incluso en temática da luces sobre la forma de relacionarse de estas mujeres a inicios de 1700 y como "sobreviven" a la realidad que les toca vivir.

Green Book es una película predecible, que incluso en determinado momento y esto es un pequeño spoiler nos muestran que el personaje del Doc Shirley es un homosexual reprimido, pero la película no desarrolla este aspecto, lo dejan ahí, sin abordar el tema, se presenta como película reivindicadora pero luego se tira para atrás a la hora de reafirmar su posición.

Honestamente, la película está bien, pero no mata. Si la recomiendo, se pasa un buen rato, está entretenida, graciosa, ambos actores tienen mucha química, y deja el buen mensaje de aceptar a los demás por encima de diferencias sociales, sean raciales, políticas o religiosas por mencionar algunos aspectos, como dije antes este mensaje ya está más que quemado tenemos años luchando contra la discriminación, así que en ese sentido la película es redundante, pero no deja de valer la pena verla aunque sea una vez.

The Favourite (2018) - Yorgos Lanthimos

Hace poco más de una semana decidí retomar el cine de Yorgos Lanthimos, el cineasta griego que apareció en el panorama cinematográfico mundial con Dogtooth (2009). Tras ver La Langosta (2015) y The Killing of a Sacred Deer (2017) a manera de preámbulo, finalmente ha tocado el turno de ver La Favorita, su más reciente trabajo.

Lo primero digno de mencionar es que se trata de su película más grande, en cuanto a producción y a premios obtenidos. El acabado técnico y artístico es apabullante, tanto en el diseño de producción, los ambientes, decorados, atuendos, todo desarrollado al más mínimo detalle, la dirección de fotografía es IMPRESIONANTE, me ha dado la sensación de que han utilizado técnicas similares a las de Stanley Kubrick en Barry Lyndon (1975), además de una diversidad de lentes super angulares, ojos de pez, etc.

Las tres actrices principales, Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone, ofrecen sendos PAPELONES, llama la atención el salto de calidad que ha dado Emma Stone en su calidad interpretativa, escogiendo mejores proyectos para su carrera. Rachel Weisz es una actriz de amplia trayectoria cuya valía ya he demostrado múltiples veces en todo tipo de películas, y Olivia Colman, a quien había visto en La Langosta, pues hace un señor papel como la Reina Anne de Gran Bretaña.

Esta historia toma detalles de la realidad y de cierta época del siglo XVIII en Inglaterra, pero condimentándolo con ficción pura y dura, es decir los personajes de la película se basan en personajes históricos que existieron, pero las situaciones que vemos en la cinta son totalmente ficcionadas.

El guion data del año 1998, que fue cuando Deborah Davis hizo el primer borrador de La Favorita, pero fue incapaz de conseguir financiación en aquellos años, habría que mencionar aquí que la película tiene contenido lésbico en cierta medida y es comprensible que a finales de los 90, una película de este tipo no llegara a realizarse, primero porque el tema era controversial en aquel momento y solo podría llegar a hacerse en una producción de bajo presupuesto, algo que se contrapone totalmente con la ambientación que requiere el contexto histórico de la película.

Para hablar ya de la historia, pues tenemos a la Reina Anne de Gran Bretaña, que a inicios del siglo XVIII se encuentra en guerra contra el Imperio Francés, y junto con su 'ayudante' Lady Marlborough (Rachel Weisz) van tomando decisiones concernientes a la guerra, en ese contexto llega Abigail Hill (Emma Stone) al palacio a buscar trabajo de lo que sea, ya que es prima de Lady Marlborough, en un inicio Abigail empieza fregando pisos en la cocina, pero luego se atreve a buscar unas hierbas para curar la pierna herida de la Reina Anne, en un inicio Lady Marlborough la castiga por atrevida, pero rápidamente se ve obligada a perdonarla y tenerla cerca de ella y de la Reina.

La historia nos cuenta como estas tres mujeres buscan por todos los medios sobrevivir en el mundo que les toca vivir, de hecho la película nos dice que Abigail Hill, en algún momento tuvo una posición digna como Lady, pero ahora ha perdido sus privilegios, por lo que busca 'ascender' a través de la lealtad que intenta demostrarle a la Reina Anne, algo muy similar a lo que ha hecho Lady Marlborough, que ha conseguido luego de muchos años ser cercana a la Reina a quien conoce desde que eran jóvenes, e influir en ella a tal punto que incluso se da atribuciones que no le corresponden tomando decisiones de estado.

No quiero revelar mucho más, pero la película si bien en un inicio (y esto si que se lo recrimino), se hace un poco pesada porque como es obvio el lenguaje del siglo XVIII era muy distinto al actual, por tanto cuesta un poquito seguir el hilo, sobre todo si no tienes costumbre de leer novelas de aquella época o ver películas ambientadas en contextos históricos similares, y no solo eso, si no que además los personajes están atiborrados de parlamentos en el inicio de la película que realmente puede abrumar al espectador, pero conforme avanza la película, esto disminuye ligeramente y se puede llevar el ritmo perfectamente bien, una película que recomiendo totalmente, de una exquisitez y valor cinematográficos altísimos.

The Old Man & the Gun (2018) - David Lowery

El último domingo me senté con mi padre a ver una película, "la última de Robert Redford" me dijo, inmediatamente intuí de qué película se trataba y efectivamente era The Old Man & the Gun. Había leído el título por ahí, y su póster de carácter retro, que me recordaba ligeramente al de The Sting (1973), precisamente también con Robert Redford.

Al ver la película lo primero que me llamó la atención es que está filmada en celuloide, al igual que First Man (2018) de Damien Chazelle, y no solo eso, si no que utiliza una paleta de colores muy de los años setenta, cada que veo esto pienso en por qué diablos la industria ha estandarizado el formato digital cuando nada supera a la película y la fotografía química.

La historia que aquí nos cuentan es la de Forrest Tucker, un asaltante de bancos con un prontuariado extenso que data desde los años 30, por cierto, la película está ambientada en 1981, es decir tenemos aquí otro producto de la nostalgia, pero aquí se justifica con el hecho de que está inspirada en una historia real, sobre una asaltante de nombre Tucker que se llegó a escapar 18 veces de prisión.

En el elenco tenemos por supuesto a Robert Redford como Forrest Tucker, además de Sissy Spacek, Danny Glover, Tom Waits, Elizabeth Moss y Casey Affleck. Todo los actores cumplen muy bien, ninguno destaca especialmente, Redford mantiene el carisma que lo ha caracterizado toda su carrera y que en este caso especial le va perfecto al personaje, al que definen en la película como "un caballero".

La película cuenta una historia bastante sencilla, pero con mucho estilo. Forrest Tucker está dando una serie de 'golpes' junto a dos compinches, uno es Danny Glover, el otro Tom Waits, sin embargo estos dos parecen estar cansados o aburridos y buscan 'retirarse', para lo cuál deciden hacer un atraco más grande, pues todos los robos habían sido pequeños hasta ese momento, sin embargo el atraco sale mal y Redford se va por su cuenta para evitar ser capturado por la policía.

La historia de la película que se basa en un romance entre Tucker y Jewel (Sissy Spacek) no termina de ser convincente, hay momentos en que se siente un poco pesada y descompensada, por momentos gana más interés pero luego lo pierde, realmente la historia no es nada del otro mundo, pero tiene cierto encanto en los personajes, en los planos que se utilizan, los colores, la edición, técnicamente está muy bien.

Hay un bonito homenaje sobre el final, cuando Jewel visita a Tucker a la cárcel, este le comenta sobre sus distintos escapes en el pasado, mientras la película incluye una secuencia que recopila escenas de distintas películas carcelarias, entre ellas Escape de Alcatraz (1979) o Un condenado a muerte ha escapado (1956).

En general es una película simpática, con estilo, atractiva, por momentos un tanto pesada, pero termina satisfaciendo al espectador, si que la recomiendo para ver una domingo. Los actores cumplen, tiene un buen aspecto y la historia cumple su cometido, entretener.

The killing of a sacred deer (2017) - Yorgos Lanthimos

Hace unos días decidí retomar después de varios años, el trabajo del director griego Yorgos Lanthimos, a quién conocí gracias a Dogtooth (2009) como ya había adelantado en la entrada anterior. Dado que está nominado al Óscar este año por La Favorita (2018), me pareció propicio abordar sus trabajos en habla inglesa, a manera de poder hacerme perspectiva de su trabajo más reciente y ver la película con un poco más de luz. 

He empezado con The Lobster (2015) que ya está comentada en el blog, y por consiguiente tocaba hablar de The killing of a sacred deer (2017), su segunda película filmada en inglés, que tiene una vez más a Colin Farrell como protagonista, acompañado ahora por Nicole Kidman. En algún futuro hablaré de sus tres primeras películas filmadas en Grecia.

Luego de la reseña anterior algunas personas me comentaron que habían disfrutado más de este film que de La Langosta, y ya en ese momento me quedé con la mosca en la oreja, así que me predispuso a ver la película con sumo interés y atención.

Esta historia toma ideas de la tragedia de Eurípides, Ifigenia en Áulide (409 AC) en la que Agamenón decide sacrificar a su hija Ifigenia debido a su que un oráculo le ha dicho que solo de esa manera vendrán tiempos mejores. En la película tenemos al Dr. Murphy (Colin Farrell) cuya extraña relación con un jovencito llamado Martin, sirve como hilo conductor de esta historia tan desconcertante.

Tenemos que El Dr. Steven Murphy vive con su esposa y sus hijos en una lujosa mansión en las afueras de la ciudad, el es cardiólogo y su esposa oftalmóloga. Al inicio de la película vemos como el doctor Murphy se reune de forma secreta con Martin, dando a entender (al menos a mi), que se trata de un hijo fuera del matrimonio, esa es sensación que da el arranque de la película un hombre maduro que recibe visitas secretas y muy bien coordinadas de un muchacho, al que lleva a almorzar y da regalos como si de un padre ausente se tratara, pero rápidamente la película nos muestra que no es así, que hay algo más.

La historia sigue avanzando, pausadamente pero sin perder interés, este tipo de ritmos en el cine suele ser recibidos por el público masivo de forma de negativa, que requiere estímulos rápidamente, pero en esta cinta el director nos va jalando a través de la curiosidad y el querer saber que hay más allá de esta relación, y efectivamente hay algo, pero para esto tendría que entrar en spoilers.

La película está muy bien filmada, tiene un aspecto bastante grisáceo, urbano, de hospital, etc. Una paleta de colores opaca que funciona muy bien con el clima enrarecido que construye la película, aquí ya no tenemos el tono deadpan de La Langosta, esta es una película que se toma en serio y que busca meter al espectador en un estado de tensión respecto de lo que va viendo en la historia.

Yorgos Lanthimos evidencia una gran admiración hacia Stanley Kubrick al que referencia de múltiples maneras, por ejemplo en aquellos trackings en reversa que solía ejecutar Kubrick por medio de dollys y steadicam, o también la aplicación del zoom in/zoom out en diversas tomas para enfatizar la observación de diversas conductas de los personajes, otro claro ejemplo es el tempo pausado de los diálogos, en el que además ningún personaje interrumpe las lineas del otro, detalle que Kubrick utiliza en gran parte de su filmografía imprimiendo una atmósfera de bastante incomodidad, que luego por ejemplo Lynch ha utilizado en su cine más maduro.

Para retomar la historia, solo si ya han visto la película, cabe mencionar que, y ahora si entro a spoilers, que las cartas empiezan a revelarse cuando el Dr. Murphy decide llevar a Martin a su casa, algo que me recordó a aquel concepto que introdujo Pier Paolo Pasolini en Teorema (1968), con el extraño que llega a una casa ajena y reconfigura el funcionamiento de aquella familia, algo que también usó Takashi Miike en Visitor Q (2001).

Luego de visitar la casa del doctor, Martin lo invita a su casa a cenar junto con su madre, ahí la madre intenta sin éxito acostarse con el doctor, pero este se retira aparentemente ofendido o incómodo. Luego de eso Martin empieza a frecuentar a Kim, la hija del doctor, enseñándole a fumar y demás, estos desarrollan una extraña relación amorosa, luego de lo cuál Bob, el hijo menor del doctor, despierta un día sin poder caminar.

La principal jugada de la película es que de alguna manera Martin tiene la capacidad de afectar a la familia del doctor Murphy ya que le responsabiliza de la muerte de su padre, razón por la cuál Murphy se portaba tan bien con Martin, pero con cierta sequedad y rechazo. Martin exige al Doctor que mate a uno de los miembros de su familia para pagar sus culpas y de ese modo su deuda estará saneada, de lo contrario uno a uno irán muriendo sus hijos, su esposa y luego él.

Curioso planteamiento de Lanthimos, que luego de haber cocinado lentamente su historia, presentando a los personajes y su situación nos revela la carta final construyendo momentos de mucha tensión y un final no menos brutal. La película nunca da explicaciones lógicas de como es que Martin tiene estos poderes, lo cuál puede ser tomado como una debilidad, pero por una parte está bien, porque es entrar en terreno pantanoso y en algo que no cuadre la película se cae. Por el contrario hay cierto momento que sugiere que Martin es un ser sobrenatural.

La película está muy bien realmente, una gran opción para salir de la parafernalia 'hollywoodense' a la que estamos sometidos. Con pocos medios, aunque grandes actores eso sí, Yorgos Lanthimos consigue un producto de altísimo valor narrativo, que deja mucha tela que cortar a la hora de analizar la historia y los conceptos que deja luego del final en el que la familia se reencuentra nuevamente en el restaurant al que iban a comer Martin y el Dr. Steven Murphy, para ver que Bob no se encuentra con ellos, por lo que siendo el menor ha sido sacrificado.

¡Totalmente recomendable!

The Lobster (2015) - Yorgos Lanthimos

Conocí a Yorgos Lanthimos hace varios años a través de su película Dogtooth (2009), la cual estuvo nominada al Óscar a la mejor película extranjera en 2011, compartiendo terna nada menos que con Incendies de Denis Villeneuve, Biutiful de Alejandro Gonzalez Iñárritu y con In a better world de Sussane Bier que finalmente se terminó llevando el premio de la academia.

Al ver aquella película inmediatamente uno nota que se trata de algo especial, más allá de ser una producción de presupuesto corto y de apenas 5 actores principales, claramente la historia se distancia totalmente de cualquier película minimalista de similares características por la historia que plantea, la de una familia cuyos hijos no conocen el mundo fuera del muro que rodea su casa.

Dicha película filmada en Grecia supuso la puerta de entrada de Lanthimos al mundo occidental del cine, debutando con una producción de habla inglesa en 2015 titulada en español La Langosta, título tan misterioso como poco atractivo (para mi), que por alguna razón nunca me llevó a ver la película protagonizada por Colin Farrell.

Lamentablemente no puedo seguir profundizando en la película y sobre todo explicar la naturaleza del título sin revelar detalles importantísimos que es mejor recibir directamente viendo la película, así que si no la has visto, ándate a verla ya mismo y luego regresas por aquí si así lo deseas, si no pues prosigo con la idea.

La película empieza con una desconcertante escena en la que una mujer conduce por una carretera hasta que se detiene para bajar del automóvil y matar a balazos a una animal que está pastando fuera de la autopista, ese comienzo no dice mucho pero luego toma cierto sentido cuando es revelado el concepto de la película.

Colin Farrell es un sujeto que se marcha de su casa luego de, aparentemente, haber sido victima de la infdelidad de su esposa, y se instala en un hotel situado en medio de un bosque. Resulta que dicho hotel acoge a personas solitarias que van a buscar el amor, pero ahí no queda la cosa, tienen 45 días para enamorarse sinceramente de alguien, de lo contrario serán convertidos en cualquier animal que ellos escojan (el protagonista elige una langosta, de ahí el título). ¿Original no? Además cada huésped puede 'ganar' días adicionales durante una especie de cacería en la que capturan a fugitivos solitarios que viven en el bosque mediante dardos sedantes.

La película está filmada de forma muy minimalista, algo que ya se había visto en el trabajo anterior de Lanthimos, en Dogtooth por ejemplo, pero que además y aquí en mi opinión se nota mejor, potencia muy bien la comedia que plantea la película, un humor muy seco, por momentos un poco más obvio, pero siempre elegante que impone La Langosta. El bigotito de Farrell y su expresión (muy en deuda con Buster Keaton) es impagable.

Tenemos una fotografía fría que utiliza un poco tonos azulados y pasteles, pero que contrapone con algunos matices rojos que resaltan la ligera violencia que tiene la película, los colores de la película funcionan muy bien, ayudan a mantener la atmósfera absurda y de falsa seriedad que tiene la película, algo que funciona en conjunto con la banda sonora cuyo leitmotiv parece sacado de alguna partitura de suspenso pero que funciona para redundar en la ridiculés de algunas escenas.

No voy a mentir, esta película no es para todo mundo, tanto por la historia, la premisa, el humor y el ritmo, pero si se le da una oportunidad y esto ya depende de cada uno, sentarse a verla detenidamente, creo yo que no deja insatisfecho al espectador. Es una película hecha con talento que ofrece un concepto bastante alejado de lo común, si estás habituado al cine menos convencional esta película no te va a decepcionar.

La recomiendo con total seguridad, cine de calidad, cine atípico que busca refrescar el panorama actual entre tanto bodrio y repetición cansina de ideas del pasado, vale la pena descansar un rato de la maquinaria y darse un aire fresco. Por cierto el final de la película es bastante interesante, va a dejar pensando a más de uno.

A Star Is Born (2018) - Bradley Cooper

En un inicio, no me llamaba la atención para nada ver a Lady Gaga cantando en una película, lo único que tal vez me hubiera podido motivar a verla era que se trata de debut de Bradley Cooper dirigiendo, por otro lado sospechaba que probablemente estuviera nominada al Óscar por todo el barullo que hubo al respecto, razón por la que de todos modos iba a tener que verla para tenerla comentada aquí.

Cómo a priori no estaba muy animado para ver la película decidí hacer un ejercicio interesante y ver primero las 3 versiones predecesoras producidas en Estados Unidos (pues existe también una especie de adaptación india, pero que no es propiamente parte de esta 'saga' pues se trata de una secuela de otra película que toma elementos de la historia) y hacer una comparativa a través de los años y guardando las distancias de cada época, para hacerme una idea más justa de la película de Bradley Cooper.

Entonces llegamos a 2018 y tenemos que después de 42 años un nuevo remake de esta película, ya casi quemada, ha visto la luz. ¿Cómo se podía ofrecer algo nuevo y no visto antes? No lo sé y me quedaré sin saberlo tal vez, porque esta película está directamente relacionada con la versión del 76 y poco a nada tiene que ver ya con las dos primeras, pero sobre todo no ofrece mucho más que su antecesora, salvo algunos detalles que me han parecido acertadísimos.

Esta producción llevaba muchísimos años retrasándose una y otra vez en cierto momento se tenía como director nada menos que a Clint Eastwood, con Beyoncé de protagonista y barajándose varios nombres para el otro personaje como Christian Bale o Will Smith, pero nunca llegó a concretarse la producción, finalmente se contactó a Bradley Cooper para papel masculino, además de para dirigir el proyecto, algo sorprendente considerando que es un novato.

Algo que le reclamaba a las tres películas anteriores, sobre todo a la de 1976 era que no profundizaban en el personaje de Norman Maine/John Norman, y los origines y razones de su conducta autodestructiva que le han llevado a hacer añicos su carrera a través del alcohol. Aquí Bradley Cooper interpreta a Jackson Maine (ya no es Norman), un músico de Country Rock cuyo medio hermano, interpretado por Sam Elliott, lleva su carrera, y bueno lo mismo de siempre, luego de un concierto va a un bar de drag queens en el que se presenta Ally (Lady Gaga), quien trabaja como camarera en un restaurant.

No voy a ahondar en el resto de la historia pues ya se sabe como termina, pero lo más importante aquí es que Jack Maine tiene un conflicto muy interesante, pues el tipo tiene una enfermedad degenerativa que le está dejando sordo, sumado a eso tenemos que su relación con Bobby, su hermano y manager, no es la mejor, pues este vive con la herida de no haber sido cantante el mismo, a pesar de lo cuál es fiel a su hermano.

La narración de la película además está mejor equilibrada en esta versión, cada escena encaja en perfecta armonía unas con otras, no sentimos que la película se quede demasiado en un lugar, la historia es dinámica, incluso las secuencias musicales están muy bien colocadas y la película casi no se siente como un musical, si bien hay suficientes números como para considerarla un musical, las canciones están bien balanceadas con el progreso de la historia y están implicadas con determinados sucesos de la película.

A nivel de actuaciones debo decir que Bradley Cooper hace un señor papel, como ese cantante sureño imitando un poco ese acento que tiene por ejemplo Jeff Bridges, engrosando más la voz, la forma de caminar, la manera de interpretar los temas en el escenario, muy buena actuación. Lady Gaga cumple con su rol perfectamente, no voy a decir que es la mejor actriz del momento, pero está más que bien, sobre todo si consideramos que realmente ella no es actriz, aunque haya participado en algunas producciones. Cómo cereza en el pastel tenemos a un muy buen Sam Elliott, que interpreta con el corazón y los pocos minutos que aparece es muy conmovedor.

La banda sonora de la película es otro punto bastante positivo, las canciones no son muy de mi gusto pero van muy bien con la película, y tanto Cooper como Gaga potencian muy bien los temas, en especial me gustó el tema inicial, una especie de country rock estilo texas muy potente y como arranque está muy bueno. Un aspecto que no destaca especialmente pero es para tener en cuenta es la dirección de Bradley Cooper, ofrece un tratamiento muy moderno con diversos recursos, dolly, grúas, cámara al hombro, lo cuál facilita un montaje muy dinámico.

Luego de haber visto todas las películas debo decir que esta es la que más me ha convencido, y por supuesto que la recomiendo, no hagan caso a la gente que dice que si aburre, que si no vale, que si Lady Gaga esto o lo otro, la película está muy bien, el que no la valore será por otras cuestiones más subjetivas. Si tuviera que ordenar todas las películas de esta historia, esta la pondría como la mejor, definitivamente, luego colocaría a la versión de 1976, en tercer lugar al original y en cuarto lugar a la versión de 1954 dirigida por George Cukor.

La película, con un presupuesto de 36 millones de dólares ha recaudado un total aproximado de unos 400 millones de dólares en todo el mundo, por lo cuál no descartaría que volviéramos a ver en un futuro no muy lejano a Lady Gaga protagonizando otro musical o con algún otro papel importante en Hollywood, desde luego Bradley Cooper tiene una carrera asegurada como director, y como actor para mi ya ha demostrado que es un tipo que vale y puede hacer mucho más que comedias y payasadas.

A Star Is Born (1976) - Frank Pierson

Ya estoy aquí para comentar el segundo remake, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en los . Esta tercera versión se distancia de las dos primeras buscando modernizar la historia y adaptarla a los tiempos del hipismo y de la contracultura, ya en decadencia en los años 70 enclaustrando la historia en el negocio de la música. La película fue producida por Jon Peters y Barbra Streisand.

Aquí ya nos olvidamos de Norman Maine y en su lugar tenemos a ¡John Norman Howard Speedway! (tremendo nombre ¿no?), una estrella de rock interpretada con gran acierto por Kris Kristofferson el famoso cantante de folk de aquellos años, leyenda de la música y el cine. La historia nos cuenta como esta estrella de rock perdida en el alcohol y las drogas llega por casualidad a un pequeño bar dónde ve interpretar a una joven cantante llamada Esther Hoffman (Streisand), más o menos lo mismo que las anteriores.

Esta producción es impecable, filmada muy al estilo documentario de los setentas, todas las escenas de conciertos recuerdan un poco a momentos de Woodstock. Los temas musicales son impecables y muy enérgicos, se siente la vibra de la película, que es mucho mayor que en las otras dos anteriores, por más que Judy Garland se haya dejado la vida en su momento.

Esta película en mi opinión tenía todo para ser muy superior a sus antecesoras, pero no termina de profundizar en el conflicto de Norman y el origen de sus problemas con el alcohol, el cuál terminan destruyendo su relación Esther. Hay varios detalles distintos en esta historia que responden a la necesidad de adaptar la historia a un contexto musical, lo cuál está bien pues le da personalidad propia a esta producción.

Los actores están bastante bien, tanto Kris Kristofferson y Barbra Streisand brillan en pantalla, lucen sus voces, y muestran mucha química y carisma. Como curiosidad habría que mencionar que al inicio aparece Robert Englund en un pequeño papel, el actor que interpretó a Freddy Krueger en las primeras películas de Pesadilla en la calle Elm.

Hay que destacar que esta película que Barbra Streisand fue la primera mujer nominada y ganadora de un Óscar como compositora, por el tema Evergreen, junto a Paul Williams, famoso compositor de los años setenta que trabajó con los Carpenters por ejemplo. También cabe mencionar que la película con un presupuesto de 6 millones de dólares recaudó 80 millones de dólares en cines de Estados Unidos, sobrepasando probablemente los 100 millones a nivel mundial.

Un gran éxito de taquilla, que la crítica no valoró de forma tan positiva más allá de reconocer el innegable talento de la señora Streisand. No está mal está película, si les gusta Barbra Streisand, Kris Kristofferson y el rock de los setenta, pues se lo van a pasar bien.

The Mule (2018) - Clint Eastwood

Vengo al cine luego de un buen tiempo. La última vez fui a ver A Quiet Place (2018). Debo reconocer que me lo he pasado bien a pesar de las circunstancias (estaba sentado en la segunda fila, hacia un costado). El plan original era ir a ver Glass (2019), la cuál pensaba comentar, y seguramente haré en un futuro cercano, pero las cosas no salen como uno las planea y no habían entradas, entonces de rebote hemos caído a ver la más reciente película de Clint Eastwood.

Creo que había visto algún momento de el trailer, pero no tenía ni idea del argumento de la película, así que he ido descubriendo la historia estando ahí en la sala. Algo que me llamó la atención es que Clint Eastwood no solo dirige si no que protagoniza la historia, recuerdo que hace unos años escuché que luego de Gran Torino (2008) se retiraba de la actuación, pero luego lo fui viendo una y otra vez en película tras película y hemos llegado al 2019 y el señor a puertas de los 89 años no para.

La película más o menos cuenta un hecho real. Leo Sharp fue un veterano de guerra que trabajó para el Cartel de Sinaloa como 'mula' durante 10 años, llegando a transportar más de 300 kilos de cocaína en un solo viaje a bordo de su camioneta Lincoln. A los 87 años, Sharp fue arrestado por la DEA y procesado por transportar droga para el Cartel, saliendo en libertad en 2015 por complicaciones en su salud y habiendo cumplido un año de sus sentencia.

Pero volviendo a la película, ¿es recomendable? Honestamente, la recomiendo para ir a ver con la familia o pasar un domingo por la tarde en casa, y poco más. No es de las mejores películas de Clint Eastwood, no cuenta la historia con profundidad, se limita a ofrecer una visión entretenida y amable de los hechos apoyándose únicamente en el mensaje de que la familia debe prevalecer por encima de cualquier actividad que realicemos en nuestra vida.

Llama la atención algunos nombres en el casting, como Laurence Fishburn, Dianne Wiest, Bradley Cooper, Michael Peña y Andy García. Ninguna actuación realmente convence, salvándose por mero carisma tanto Eastwood como el propio Andy García, quien en los pocos minutos que aparece convence y genera sonrisas por su despliegue tan escalofriante como simpático.

A nivel visual la película no ofrece nada impresionante, bonitos paisajes del sur de Estados Unidos, que vemos a bordo de la pickup de Earl Stone (Clint Eastwood), pero poco más, el trabajo de fotografía está bien, pero no mata. La banda sonora de la película cumple un rol muy pobre, intentando remarcar a la fuerza la intención emocional de ciertas escenas, que no funciona con la naturalidad que debería producto de un buen guion.

La película se hace larga por momentos y poco interesante, es más como un paseo con tu abuelito, pero realmente no está aburrida, como digo se hace entrañable el personaje de Earl, que apoyado en múltiples golpes de comedia logra generar sonrisas. La historia además nos ofrece un conflicto muy interesante, pues el señor Stone ha sido un padre y esposo ausente que ha dedicado más su tiempo al trabajo, esta idea es muy interesante, pero está muy desaprovechada en la película, pues empieza con esto, luego saltamos a los viajes, y al final se retoma de una manera muy pobre y apresurada. Hay cierto momento crucial de la historia, que podría haberse aprovechado temprano en la película como elemento para generar suspenso e interés y al mismo tiempo trabajar el conflicto principal de los personajes, pero llega muy tarde y de manera apresurada.

Realmente se trata de una película más que no recordaremos especialmente, no está al nivel del mejor Clint Eastwood, ni como actor y muchos menos como director, pero se puede tomar como una oportunidad para pasar un momento agradable en familia si dejamos a un lado las pretensiones y exigencia por el acabado de calidad y la profundidad narrativa, si así lo deciden vayan a verla.

A Star Is Born (1954) - George Cukor

Luego de haber comentado la versión original de A Star Is Born, estrenada en 1937 y producida por el legendario David O. Selznick, tuve que tomarme un descanso por mi cumpleaños, y ahora luego de una semana, regreso para comentar la segunda versión de esta clásica historia.

Básicamente, en 1952 se le propuso al experimentado George Cukor dirigir un remake (Si, ya existían en esos tiempos) de A Star Is Born (1937) protagonizado por la también legendaria Judy Garland (El mago de Oz), Cukor no estaba muy animado de trabajar con Garland quién en ese tiempo ya tenía fama de inestable y problemática, pero dado que el productor, Sidney Luft, entonces esposo de ella no iba a ceder, Cukor vio en esta película una oportunidad para dirigir su primer musical, además en color.

La película se estrenó en 1954, con Judy Garland y James Mason en los protagónicos. Lo primero que tengo que que nada más empezar es que el acabado visual de la película es infinitamente superior, pero no solo a nivel tecnológico, si no que más allá de compararla con el original, lo cuál sería injusto, la película a nivel de producción y de enfoque visual, se siente muy adelantada a su tiempo para haber sido filmada en 1953.

Las primeras diferencias en la historia, parten del punto de vista que esta película es un musical, por tanto Esther Blodgett/Vicki Lester (Judy Garland) en esta película va a ser una actriz de musicales. Esther trabaja como cantante de una orquesta que se dedica a viajar por el país, presentándose en cuanto lugar encuentran, en esta película dicha orquesta participan en un evento de Hollywood dónde Esther protagoniza un número musical interrumpido por un ebrio Norman Maine, es de este modo que se conocen nuestro personajes.

El primer acto acaba con la propuesta de Norman Maine a Esther para hacer un casting. De hecho los momentos esenciales del original están en este primer remake, las únicas diferencias recaen en el hecho de que al ser un musical y Esther un personaje que actúa en musicales, pues hay ciertos detalles que se tienen que adaptar para este tipo de historia, y lógicamente añadir los números musicales.

Hay un tema muy curioso con esta película y es que su metraje original fue de 196 minutos, luego reducido a 182 minutos para su estreno, llegando finalmente a un corte final de poco más de 150 minutos para distribución genera. Precisamente, tal vez la cosa más negativa que tenga esta película sea su versión "restaurada". En 1983 hubo cierta demanda para que se restaurara la película incluyendo varios números musicales, un poco a modo de recuerdo pues Judy Garland ya llevaba casi 15 años de fallecida.

Se recurrió a fotografías del rodaje para incluir secuencias cuyo metraje no apareció, pero del que sí se tenía registro de sonido. El resultado es, a mi modo de verlo, un completo desastre, en ese punto la película se me hizo confusa, además de estéticamente ser horrible el resultado, pues las fotografías no son muchas y son en blanco y negro, un verdadero despropósito que me dejó con la curiosidad de ver la versión de 154 minutos.

Los números musicales demuestra la destreza, energía y habilidad de Judy Garland y porque tiene el lugar que tiene en a historia del cine americano, hay un momento en concreto de una secuencia muy poco ortodoxa filmada en una especie de sala, dónde la mujer se da mil vueltas, mientras que va de un lado a otro y manteniendo siempre el personaje, realmente fue el momento musical que más me llamó la atención.

En general, esta película esta tan bien como la primera, evidentemente sin considerar las distancias del tiempo, lo único negativo es el detallito que comenté de la restauración, pero en general se mantiene el mismo esquema del original, funcionando como drama, como musical y como tragedia.

A Star Is Born (1937) - William A. Wellman

Estos meses de verano voy a estar comentando películas de la temporada de premios, más allá de mis intereses personales, siempre me doy el trabajo de ver las películas que se premian en Estados Unidos durante enero y febrero. A pesar que se le critica con más o menos razón, Hollywood es una de las referencias históricas y personalmente siempre me interesa ver que se hace y por dónde van los tiros.

Una de las películas que más ha resonado durante estas semanas ha sido la nueva versión de A Star Is Born (2018), por múltiples razones. Se trata del debut como director de Bradley Cooper, un actor con una carrera muy estimable, además la amada y odiada Lady Gaga estelariza la cinta. Este proyecto ha generado muchos premios y buenos comentarios.

Aunque la película no me llamaba la atención especialmente, tenía que verla de todos modos, por esto se me ocurrió hacer una excepción y comentar las 4 versiones americanas (existe una versión india de 2013) aquí para hacer una comparativa interesante y ver cuáles son mejores o peores en sus diversos aspectos y de acuerdo a los estándares de cada época.

Entonces tenemos que en 1937 se estrenó esta primera versión dirigida por William A. Wellman con Janet Gaynor como actriz principal, esta mujer fue la primera actriz de la historia en hacerse con el Oscar a la mejor interpretación femenina en 1929 por tres películas. Fredric March su co-protagonista también había ganado un Óscar a mejor actor principal en 1932 por su doble papel Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1931) y repetiría el plato por The Best Years Of Our Lives (1946).

La película nos cuenta la historia de Esther Blodgett, una jovencita que vive en las afueras y sueña con ser una actriz de éxito en Hollywood. Al llegar conoce a Norman Maine, un reconocido actor cuyo problema con la bebida lo va llevando cuesta abajo, pero que ve en ella condiciones para la actuación y la ayuda a conseguir su primer contrato.

Hay que ver la película "con ojos de la época", evidentemente le han pasado los años y narrativamente es bastante básica, Luego del primer acto la película decae un poquito en interés profundizando en el romance, pero luego lo retoma cuando la historia da un giro y la novel actriz se ve en cierta encrucijada. De las pocas películas de los años 30 que he visto esta es quizá la más sólida.

Es interesante que aunque la película se llama 'Ha nacido una estrella' en referencia a la protagonista, a la par que ella va ascendiendo en su carrera, su marido va en picado hacia la nada, ahí es dónde entra en conflicto Esther y debe decidir entre cuidar de su esposo o consagrarse como estrella de cine, ella en un acto de gran compasión se decide por lo primero.

Esta historia me ha dejado con muchas ganas de ver las demás versiones, qué variaciones se han empleado, como se han trabajado los conflictos o que conflictos nuevos se han trabajado o cómo se ha modificado la historia, en especial la versión de 1954 me llama la atención pues la dirige George Cukor, un director muy de la era del Hollywood clásico.

Recomiendo A Star Is Born con seguridad, es una película bonita, con sus conflictos, no tan profundos como el cine posterior, pero para la época está muy bien, hay que tener en cuenta que en su día la crítica se rindió ante la película, cosechó 8 nominaciones al Óscar de 1938 incluyendo mejor director, mejor actriz, mejor actor y mejor guion, pero solo se llevó el galardón a mejor argumento, premio que ya no existe hoy en día.

BlacKkKlansman (2018) - Spike Lee

La verdad es que no tenía ni media gana de ver esta película, Spike Lee es un tío al que le tengo manía, y un poco de prejuicio también, lo acepto. El tipo siempre anda polemizando sobre el racismo, usando el cine como cruzada, hace un par de años estuvo haciendo campaña para boicotear los Óscar por ser muy 'blancos', en fin, cosas que nada tienen que ver con cine.

Sumado a esto tenemos el antecedente de que este señor firmara el remake de la afamada película coreana Old Boy (2003). Sin comentarios. En general nada me ha motivado nunca a abordar la filmografia de este realizador a pesar de que tiene una larga carrera y títulos muy en consideración por la crítica como Do The Right Thing (1988).

El punto es que su última cinta, BlacKkKlansman, ha consechado muchos elogios, estuvo en las ternas a mejor película del Globo de Oro y de los Critics Choice Awards y de los SAG Awards, así como menciones para Adam Driver y John David Washington, sus protagonistas, pero sobre todo la película se llevó nada menos que el Grand Prix en el Festival de Cannes de 2018.

En tal sentido la crítica ha apoyado la película, algo que da cierta confianza para verla, pero aun así sus posters y material promocional me la vendían como una especie de comedia negra, y las comedias nunca me antojan de primera, siempre me lo pienso bastante antes de ver una.

Finalmente ayer por fin me decidí a darle una oportunidad justa a Spike Lee y esta su película, dado que muy probablemente consiga una nominación a los Premios de la Academia, pues voy a tener que verla si o si, como cada año, hago mi balance de las nominadas y me gusta a modo de juego hacer mis predicciones, las cuáles estarán aquí en el blog cuando la ceremonia se encuentre más cerca.

Mis primeras impresiones de la película son muy obvias, la película está muy bien filmada, tiene un aspecto muy bonito, con tonos ocres, rojizos, de alguna manera a mi me transmiten que Lee es un tipo muy orgulloso de ser negro, porque aunque esto suene ridículo, resalta bastante los tonos de piel de los actores afroamericanos, hay toda una paleta de colores que refuerza esto.

La película está contada con mucho estilo, el tempo de la película es muy bueno, como va fluyendo la historia, los actores están muy bien, carismáticos todos, incluso hasta los 'tipos malos' son divertidos. No se trata exactamente de una comedia, pero si tiene ciertos matices cómicos, sobre todo en la forma que se presenta la historia, y en la historia misma.

Aquí se nos cuenta un suceso real. A finales de los años setenta un policía afroamericano (novato y primer afroamericano en ser policía en la historia de esa ciudad) del departamento de Colorado Springs, de nombre Ron Stallworth contactó por teléfono con una sede local del KKK, logrando infiltrarse en aquella organización con la ayuda de un compañero del área de Narcóticos, quién fue el que asistía personalmente a las reuniones, además de nunca haber salido del anonimato por temor a represalias de los grupos extremistas pro blancos.

Que un oficial negro se infiltre en una división del KKK desde ya resulta risible e imposible, pero esto sucedió y así lo cuenta la novela Black Klansman del propio Stallworth, ya retirado. Sin embargo la película funciona muy bien como testimonio de un hecho histórico, como entretenimiento y sobre todo lo que le interesa a Spike Lee, funciona como sátira y conscientización de que los grupos extremistas aun existen y que a su juicio pues hay que erradicar esto definitivamente.

La película puede parecer un poco lenta, pero cuando parece que empieza a flojear y aburrir, da un salto y pasamos a otra cosa, dando equilibrio al conjunto, ningún personaje sobra o aparece poco. Tal vez hay algunas cosas que  puedan parecer un poco inverosímiles, pero dado que la película está narrada en clave de sátira pues se tolera.

Personalmente, la película me gustó, me entretuvo, y sí que la recomendaría, la única parte de la película a la que le pongo peros, y esta es mi opinión personal, es el politiqueo que se le quiere imprimir a la fuerza, sobre todo con esas escenas finales de sucesos finales acaecidos en 2017, dónde en unas protestas y marchas falleció una mujer a consecuencia de actos de violencia de grupos extremistas, yo soy de la idea de que el cine y la política no deberían mezclarse en lo posible.

La historia termina con una especie de "final feliz" con Stallworth logrando poner en evidencia frente a todo el departamento a un oficial racista que además cometía abusos de autoridad, de este modo expulsándolo del departamento, además de estrechar su relación con una jovencita presidente del sindicato de estudiantes negros. Pero el señor Lee no conforme mete a la mala imágenes muy condenables y lamentables sobre protestas violentas y todo un rollo que a pesar de estar relacionado con la película no encaja con el tono, pues la película no es un drama histórico o un documental, es una muy ficcionada historia en clave de comedia, para tal caso haz un documental con seriedad y no vendas tu película como una experiencia divertida, pero bueno, esa es mi opinión

Si no la han visto, denle una oportunidad, se pasa un buen rato y está muy bien esta película.

Possession (1981) - Andrzej Zulawski

Cuando empecé a 'ver cine' en algún punto recordé que en el recordado programa mexicano Chespirito en algún episodio mencionaban la película El bebé de Rosemary (Rosemary's Baby, 1968), y en cierto momento de mi incursión en el cine, recordé el mencionado título y con él me introduje a la filmografía del gran director franco-polaco.

Posteriormente di con The Tenant (1976), película dirigida y protagonizada por Roman Polanski, incluía como secundaria a una actriz desconocida para mi hasta ese momento, Isabelle Adjani. Me llamó mucho su apariencia y su interpretación como la impredecible Stella, desde aquel momento quedé prendado del talento y belleza de la actriz que en aquella película tenía apenas 20 años y una nominación al Óscar a cuestas.

Luego de averiguar un poco sobre su carrera, me enteré de que era la actriz con más Césares de la historia (equivalente al Óscar en Francia), cinco en total, además de que en 1981 se había llevado el premio a mejor actriz protagónica en el Festival de Cannes, ¡por dos películas! Una era Quartet un drama de época dirigido por James Ivory, la otra se llamaba simplemente Possession.

Es aquí dónde entramos en la película que nos compete hoy. Muchas veces ha pasado que uno cree haberlo visto todo, respecto a distintos aspectos de la vida, al actuar de las personas, fenómenos de la naturaleza, las artes, etc. Y algo así me pasó cuando vi por primera vez esta película cuya historia además no deja de ser interesante.

Estrenada en 1981, es la cuarta película de Andrzej Zulawski, cineasta polaco fallecido en 2016, cuya carrera fue un tanto accidentada y polémica. Sus películas durante los años 70 fueron censuradas por el gobierno comunista por ser tachadas de ir contra el régimen o querer implantar ideas en el público. El caso más extremo sucedió precísamente con su cuarto proyecto On The Silver Globe, el cuál se trataba de una adaptación de una novela de su abuelo, una película de ciencia ficción que fue entendida como una crítica hacia el gobierno.

En resumen el Ministerio de Cultura, que entonces controlaba todas las producciones polacas, mandó a quemar los negativos de aquel film, quedando parcialmente destruido, pues lo que quedó fue reestrenado con un montaje especial en el Festival de Cannes de 1988, diez años después de aquel atentado contra la cultura, lamentablemente la película quedó mutilada.

Mientras sucedía todo esto la esposa de Zulawski, la actriz Malgorzata Braunek que además había trabajo con él en sus primeros trabajos, lo abandonó llevándose a su hijo. Desecho por las circunstancias el realizador aceptó una invitación de unos amigos para trabajar Estados Unidos, lo cuál se trató nada más que de mentiras para distraerlo de semejante malestar.

Es en este contexto que empieza a germinar en la cabeza de este creador la película en cuestión, entre el ataque del gobierno comunista y su divorcio se mezclaron ideas que fueron dando forma a lo que se convertiría en el guion de la película, mismo que co-escribió con el escritor americano Frederic Tuten.

La película es una amalgama inclasificable que parte como drama centrado en la historia de un triangulo amoroso. La historia sucede en Berlín, donde Mark (Sam Neill) regresa de una "misión fuera del país" luego de un año aproximadamente, y a su regreso su mujer Anna (Isabelle Adjani) no se muestra muy entusiasmada, rápidamente nos cuentan que Anna ha estado teniendo una aventura con Heinrich (Heinz Bennent) un hombre adepto a consumir hongos y drogas alucinógenas para enriquecer sus experiencias sexuales.

Para muchos los primeros 40 minutos de la película retratan con bastante fidelidad la ruptura amorosa, y ciertamente cuando vi aquello yo me quedé abrumado, puede resultar una experiencia bastante fuerte para el que haya vivido una experiencia similar, pero lo interesante de la película viene cuando se introduce la idea de que Anna no ha estado viendo a Heinrich, pues este ha estado de viaje en Hamburgo, si no a "alguien más".

A partir de aquí la historia toma un cariz distinto, abandonando por completo el melodrama y adoptando un clima enrarecido, pues en determinado momento Mark manda a seguir a su esposa con la esperanza de descubrir dónde y con quien se ve diariamente, y el detective contratado descubre que la mujer esconde en su apartamento a un monstruo.

Lo que sigue a partir de este punto son unas vueltas extrañísimas en el guion, pasando del drama al terror, del terror a la intriga policíaca, e incluso hipotéticamente luego del final se convertiría en una película bélica. Los actores hacen un despliegue de registros impresionante, hay que decir ya que cuando uno ve a película comprende inmediatamente los galardones que recibiera la actriz francesa que entonces tenía 25 años, su interpretación es sencillamente descomunal.

Voy a evitarme despedazar el argumento de la historia en exceso, prefiero dejar a los que no la hayan visto todo el placer de descubrir esta historia por sí mismos. Es una cinta que definitivamente no deja indiferente a nadie, puede que te parezca una obra maestra, que te parezca una porquería, una cosa rara o maravillosa, pero no hay medias tintas.

La música de la banda sonora está bastante curiosa, realizada en sintetizadores (Algo muy de los ochenta), refuerza muy bien los momentos de la película, aquellos en los que aparece porque también hay momentos que no utilizan temas musicales y quedan perfectos de ese modo. Algo que no pude evitar notar es que uno de los temas que se repite varias veces durante la película inicia con las mismas notas de uno de los temas del padrino.

Cabe mencionar que la película fue un fracaso total de taquilla en Estados Unidos, pues se estrenó una versión radicalmente mutilada, cuyos 97 minutos no equiparaban en absoluto la calidad del montaje original de 123 minutos.

Recomiendo encarecidamente esta experiencia, que afortunadamente fue remasterizada para bluray en el año 2014 con la aprobación de su director, existe una edición muy bonita en una caja que incluyen la película, la música, y un documental que cuenta toda la historia de la película, y más importante aun deja testimonio de las razones del director para tomar ciertas decisiones, revelando las verdades detrás de todos aquellos detalles crípticos que quedan sin explicación en la película pero que engrandecen su misticismo, no dejen de darle una mirada si pueden.

Secrets & Lies (1996) - Mike Leigh

Hace algunos años estaba desarrollando una idea para una posible historia que quería plasmar en un futuro guion. La historia giraba entorno a una madre que comete un crimen. Un día mientras estaba buscando películas me topé con Vera Drake (2004), película que por cierto está protagonizada por Imelda Staunton, recordada como la infame Profesora Dolores Umbridge de las películas de Harry Potter.

Dos detalles en especial llamaron mi atención de aquella película. En principio la historia, sobre una madre de familia juzgada por asesinato, lo cuál me interesaba como referencia para mi historia, aunque la premisa y conflicto eran distintos a lo mio. El segundo detalle era que esta película estaba dirigida por Mike Leigh, realizador inglés que en 1996 se llevó nada más y nada menos que la Palma de Oro por la película que voy a comentar en esta ocasión.

Me causaba mucha curiosidad que película había sido capaz de quitarle la Palma de Oro a Rompiendo las Olas de Lars von Trier (que se llevó el Grand Prix) y a Crash de David Cronenberg (que ganó1 el Premio Especial del Jurado), dos películas que son de mis predilectas. El punto es que Vera Drake me decepcionó, ni siquiera terminé de ver la película, porque me parecía un melodrama del montón, sin profundidad y con esto se fueron mis ganas de volver a ver ninguna película del señor Leigh... Hasta ayer.

El estimado Manolito me insistió en que viera esta película, que era muy buena... y que no se que. Y aunque hace un tiempo ya había visto otra película de Leigh, Naked (1993) que por razones distintas tampoco me convenció, pues decidí darle una oportunidad a la recomendación de El Manolito. Me parece justo mencionar que por alguna razón nunca he comulgado con los directores ingleses, si acaso el único (aunque trabajó sobre todo en Hollywood) al que me rindo es Sir Alfred Hitchcock.

Entonces, ante la sugerencia de mi buen amigo, decidí darle una oportunidad seria a Secretos y Mentiras de Mike Leigh.

La película es un drama familiar, que en un inicio da la impresión de ser una gran película coral, la típica historia de muchos personajes variopintos, conflictos múltiples y lineas de tiempo cruzadas, sin embargo no es el caso realmente, simplemente tenemos una compleja historia que abarca a varios personajes, cada uno con su conflicto eso sí, pero que van a enfrentar un destino y un conflicto superior afines.

La historia empieza con un funeral, la madre de Hortense (Marianne Jean-Baptiste) ha fallecido y con ello despierta en ella una curiosidad muy humana, la de conocer a su verdadera madre, pues ella fue adoptada. Por otro lado está Maurice (Timohty Spall) un fotógrafo de unos 35 o 37 años que no lleva una vida conyugal muy satisfactoria. Y finalmente tenemos a Cynthia (Brenda Blethyn) una mujer madura cuya relación con su hija no va muy bien y que vive tocada por la falta de afecto familiar.

En principio la historia me encanta, soy muy adepto a las historias de familia o sus derivados, como por ejemplo El Padrino (1972), una película de mafiosos sí, pero cuyo peso e importancia histórica radica en el ángulo que supo darle Francis Ford Coppola con la historia de una familia y los conflictos universales que implica, de ahí el tremendo éxito que cosechara.

Otro de los grandes temas de la película además de 'La familia', sería 'La paternidad' más que otro tipo de lazos y relaciones la película se apoya claramente en la relación madre-hijo y en como esto marca a ambos miembros de esa relación. Cómo la falta de uno o de otro mueve y altera la vida del que está solo.

Durante el inicio de la película me emocionó ver el tipo de historia que se trataba y me vi venir un peliculón. Lamentablemente el desarrollo de la película luego de presentados los personajes y las ideas iniciales, me fue decepcionando poco a poco.

Voy a entrar un poco más a los detalles de la historia para poder explicarme (SPOILERS).

Marianne Jean-Baptiste y Brenda Blethyn

La película para mí comete el primer error en relacionar a los personajes rápidamente y con cierta obviedad pues mientras vemos como Hortense en su investigación descubre que su madre biológica es blanca, Maurice y su esposa Monica (Phyllis Logan) comentan sobre un 'secreto' que Cynthia le ha estado guardando a su hija Roxanne.

En este punto inmediatamente he pensado que Hortense debe ser hija de Cynthia, habiéndola dado en adopción por ser muy jovencita al haberse embarazado, todas estas deducciones salen del desarrollo que se le da al personaje de Cynthia como una mujer promiscua e inestable. Si bien aquellas ideas mías pudieron haber sido erradas, de alguna manera el director ya te las pone en la cabeza por como va a enlazando su historia.

A pesar de aquel traspié la historia continúa con mucho interés, la atmósfera de la película es de desolación, ningún personaje esta satisfecho con su vida, algo los aqueja más allá del éxito o fracaso. Un punto muy, pero muy a tener en cuenta, son las impresionantes actuaciones que tiene la película, todos los actores están soberbios, en especial Brenda Blethyn que además se llevó el premio a mejor actriz de Cannes.

Hay una conmovedora y potente escena del reencuentro entre Maurice y su hermana Cynthia, que es de lo mejor se haya hecho en el cine, (al menos de lo que yo he visto) realmente toca tu corazón, impresionante, brutal, magistral momento de la película, que muy a mi pesar llega muy rápido y desequilibra la historia, porque ¿cómo superas eso luego?

Otro de los aspectos positivos de la película viene en el plano técnico, su sobrio planteamiento visual en cuanto a planos, potencia muy bien en conjunto con aquella fotografía parca la esencia de la película, ese clima gris de Londres que tan a pelo queda con la historia, realmente tiene un muy buen aspecto la película, además de que sostiene perfectamente el conjunto narrativo.

La cinta comete otro error, que una vez desarrollado el personaje de Cynthia por completo, cae en una redundancia respecto al mismo, siguen apareciendo escenas dramáticas en torno a este personaje, pues tiene problemas con su hija, con su hermano, con su cuñada, con su pasado, y la película te lo recalca constantemente con lloriqueos y peleas, recurso que siempre puede ayudar a darle intensidad a una determinada escena, pero si se aplica adecuadamente y con mesura.

No es posible que cada 10 minutos haya un griterío en la película, porque esto pasa de ser un drama a una broma. Aquel maravilloso momento que comparten los dos hermanos, pierde su fuerza y se repite una y otra vez hasta el final de la película a tal punto que se hace incómodo, cansa y quita las ganas de seguir viendo la película, cuya seriedad y profundidad ya no te las crees.

Finalmente hay una 'reunión familiar' final a razón del cumpleaños 21 de Roxanne, dónde se hacen todas las revelaciones de la película, dónde se desenvuelven aquellas mentiras y secretos que han estado guardados por los personajes durante toda su vida. Y el final de la película termina siendo un tanto flojo, todos contentos, sus conflictos resueltos y la 'lección aprendida'. Todo perfecto. Esto se contrapone totalmente con el realismo que presenta el planteamiento inicial de la historia.

No es real perdonar a tu madre el mismo día por una mentira que te ha guardado toda la vida, o aceptar a un hijo o hermano que nunca has visto así tan de repente. Y es en este punto dónde la película me termina de decepcionar y me recuerda claramente a Vera Drake, pues aquella película también tenía un lloriqueo insoportable.

Los picos dramáticos resultan excesivos, ciertamente es el mejor adjetivo para esta pelicula, es excesivamente dramática, yo me esperaba una historia dramática de una profundidad y valor universales, y lo que me encontré fue un decepcionante y vulgar melodrama, y molesta porque la historia es buenísima, pero se hubiera podido aprovechar de otra manera.

Luego de verla, yo debo decir que entre Rompiendo las olas, que también era una historia muy dramática, yo me quedo con la obra del danés, quizá también tiene sus problemas con el realismo, pero él no va por esa línea, y si por la del melodrama desde un inicio, a pesar de lo cuál se contiene y no es tan barroquista en el despliegue emocional, como sí su par inglés.

En general, es una película que si recomendaría, pero que por su extensión (142 minutos) y por sus insufribles griteríos llega a cansar, con un poco de mesura los actores se hubieran llevado tranquilamente muchos más galardones. A propósito Brenda Blethyn estuvo nominada al Óscar de 1997 como mejor actriz junto a Emily Watson, protagonista de Rompiendo las olas, pero como todos ya saben, de manera insólita aquel premio se lo dieron a Frances McDormand por su discreta actuación en Fargo de los hermanos Coen.