Sleeping with the enemy (1991) - Joseph Ruben

Hace unos días me animé a ver esta película con cuyo afiche promocional me topé en internet y que me causó curiosidad al tratarse de una película bastante antigua. No tengo mucha idea, pero me parece que en su tiempo fue una película bastante comentada y taquillera, de hecho recaudó 174 millones de dólares (equivalente a 324 millones actuales) con un presupuesto de 19 US$ y que claramente viene a cuento hoy en día, pues la premisa básica es la de una mujer que sufre el maltrato de su esposo.

La  película está dirigida por Joseph Ruben, realizador que gozó de cierto caché durante los noventa, que entre otras cosas dirigió aquel thriller psicológico con Macaulay Culkin y Elijah Wood, El ángel malvado (1993), la cuál tuve oportunidad de ver siendo niño, y que sospecho no debe ser muy buena, al igual que en este caso, Durmiendo con el enemigo me ha parecido una película muy mecánica y obvia.

La historia, como ya adelanté, nos pone en la piel de Laura Burney (Julia Roberts) una mujer que al inicio parece estar disfrutando de un idílico descanso en la playa, de pronto aparece su esposo Martin (Patrick Bergin) con un ramo de rosas, pidiendo perdón por 'algo', que no sabemos qué es, pero por el título uno intuye de que se trata, además de que Manolito tuvo la 'cortesía' de adelantarme el tema de la violencia intrafamilar.

La verdad es que la película, si bien fue estrenada en 1991, cae en varios clichés del thriller moderno, el personaje que es loco porque si, los cambios de identidad, los planes super elaborados de un protagonista que parece ser ex agente de la CIA, en fin, mecanismo del guionista para hacer progresar la historia que hacen que uno no se la tome tan en serio, similar al caso de Pacific Heights (1991), película de John Schlesinger.

Laura que en un principio parece confiar en Martin, realmente tiene un plan para escapar, pues la película nos muestra que el marido es un tipo con trastorno obsesivo compulsivo (TOC) que reacciona con una violencia incontrolable cuando algo no se hace con la perfección que el requiere, como la forma de colocar las toallas en el baño, además de otras cosas que Laura no está dispuesta a seguir soportando, por lo cuál ha hecho creer varias mentiras a su esposo.

Realmente la película no es nada del otro mundo, para un espectador poco exigente si que puede resultar entretenida y emocionante, de hecho creo que los mejores momentos son aquellos que retratan la condición mental de Martin y el maltrato que sufre Laura por parte de este, pero poco más puede ofrecer, Laura se escapa, su esposo va detrás gracias a una desafortunada llamada, y luego lo que tenemos es el típico argumento del stalker moderno, la verdad no la recomiendo, a menos que tengas curiosidad, como digo en su día causo sensación en parte gracias a Julia Roberts que luego de Pretty Woman (1990) se había convertido en una sensación.

The Iceman (2012) - Ariel Vromen

 Kuklinski no fue un asesino en serie, pero lo he considerado aquí por la notoriedad que alcanzó al revelarse que asesinó a más 100 personas (según él) trabajando como asesino a sueldo para diversas organizaciones criminales, sobre todo de la mafia italiana.

Conocí a este personaje gracias a un documental, en el que es entrevistado por el Dr. Park Dietz, quien busca establecer los orígenes y razones de la carrera criminal que hizo conocido a Kuklinski como 'El hombre de hielo' porque congelaba los cadáveres de sus víctimas para disfrazar la hora de fallecimiento de sus víctimas.

La principal característica de Kuklinski era que padecía el Trastorno de Personalidad Antisocial, lo cuál le favoreció mucho a la hora de cometer los crímenes brutales que se le encargaban, gracias a una capacidad poco común de no experimentar miedo o nerviosismo a la hora de enfrentar situaciones incómodas o de peligro extremo.

Hace unos años vi por ahí en una estantería una caratula de DVD que decía "The Iceman", me llamó la atención el título y luego de averiguar al respecto, se trataba de una película con Michael Shannon en el protagónico, interesante elección de casting por cierto, y bueno dí con que se trataba sobre Richard Kuklinski y su historia como sicario.

Lo primero digno de mencionar es que se trata de una producción bastante estimable, empezando por los actores, en el elenco tenemos a Winona Ryder. James Franco, Chris Evans y Ray Liotta todos muy bien en sus papeles, de hecho tenemos a un excelente Michael Shannon (como casi siempre) logrando perfectamente el acento y voz de Kuklisnki e interpretando muy bien su personaje.

A diferencia de Dahmer (2002), esta es una película más "hollywoodense" y con un lenguaje más convencional y menos intención de generar atmósfera y un clima extraño, por el contrario aquí lo que se quiere es contar objetivamente la historia de Kuklinski con cierto olor a cine de mafias, de hecho ahí es dónde entra en juego Ray Liotta.

La historia empieza con un "Ritchie" intentando conquistar a su esposa en un restaurante, luego se muestra como trabajaba en un laboratorio de revelado de películas porno, estando ya casado y con una hija producto de su matrimonio. Un día Roy DeMeo (Soldato que trabajaba para la familia Gambino) se presenta en el laboratorio y tras notar que el tipo es capaz de manejar situaciones de tensión con tranquilidad decide forzarlo a trabajar para él como asesino a sueldo, cada que sea necesario lo manda a eliminar a algún elemento contrario a sus intereses.

La verdad es que la película es bastante entretenida, como dije antes se disfraza de película de mafias para contar la historia de Richard Kuklinski, que si bien está bastante ligada a aquello, y aquí es dónde falla la película, poco se aborda el pasado de este personaje, y menos se explica muy bien o se intenta abordar la mente criminal, pero bueno, dentro de su propuesta la película funciona, aunque sea más como película de acción que de terror.

Hay momentos que recrean a un Kuklinski ya en prisión, arrepentido de haber hecho daño a su familia, un poco como sucedió en la vida real, que el tipo comentaba lamentar mucho haber perdido a su familia, este temido asesino falleció en 2006 a la edad de 70 años, luego de haber sufrido un paro cardiorespiratorio, tras el cuál no fue revivido debido a que su esposa había firmado una orden DNR (Do Not Resuscitate - No resucitar) evitando de ese modo que vuelva a la vida tras el ataque.

Dahmer (2002) - David Jacobson

Hace unos meses se me ocurrió la idea de revisar ciertas películas basadas en casos reales de asesinos en serie americanos, en específico porque quería ver esta película basada en el caso de Jeffrey Dahmer, conocido como 'El caníbal de Milwaukee', misma que tiene la curiosidad de estar protagonizada por Jeremy Renner, conocido especialmente por interpretar a Hawkeye en las películas de Marvel.

Habría que comentar un poco quién fue Jeffrey Dahmer para el que no lo sepa. Este personaje se hizo conocido en 1994 gracias a una serie de entrevistas y documentales que se hicieron a propósito de su condena a dieciséis cadenas perpetuas por el asesinato de 17 victimas. Adicionalmente se le imputaron los cargos de abuso infantil, exhibicionismo y desorden público.

Lo llamativo y la razón por la que 'saltó a la fama' es la forma en que fue descubierto, sus vecinos reportaron 'olores desagradables' provenientes del 'apartamento 213' (del cuál Slayer hizo una canción en su album Divine Intervention, de 1994), al llegar la policía descubrió restos de cadáveres y cabezas conservadas al interior del dormitorio de Jeffrey Dahmer, además de miembros humanos congelados, comida preparada a partir de estos restos, ollas en las que los cocinaba, en fin, un escenario más brutal que cualquier película gore.

La película incluye varios detalles e incidentes conocidos de la vida de Jeffrey Dahmer (Jeremy Renner), estructurando la historia que vemos en pantalla en dos lineas de tiempo, la primera que nos sitúa al interior de su vida cotidiana a los veintitantos años que trabaja y por las noches sale a bares gay a buscar hombres, esta va progresando. La segunda línea de tiempo cuenta eventos puntuales de su vida pasada que van en retroceso, entre ellos están la relación con su abuela y su padre, el 'evento del maniquí' y su primer asesinato siendo adolescente.

Esta es una estructura curiosa, que por una parte intenta someternos a la observación de la conducta de Jeffrey, y por otro lado intenta darnos luces de los origines y posibles razones de su accionar, pero en mi opinión no esta idea no funciona muy bien, se hace pesada y no está tan bien conectada una linea de tiempo con la otra, termina siendo un recuento lento y aburrido de eventos en la vida del mentado asesino.

Uno de los puntos fuertes de la película es la atmósfera que llega a crear, tanto por montaje y estilo como por la buena actuación de Jeremy Renner, el cuál es otro punto positivo, y que logra meter al espectador dentro de la vida de Jeffrey Dahmer, el problema es que la historia no plantea una estructura narrativa clara que genere el interés en el espectador de seguir viendo la película, me da la impresión que se hace más o menos disfrutable si conoces bien la historia que te están contando, como fue mi caso, pero tal vez si la vez de frente sin saber de que trata no llega a hacerse entretenida, a pesar de lo que sigue estando por encima del promedio.

Realmente no hay mucho más que comentar sobre la película, por un momento pensé que me iba a decepcionar y realmente no ha sido así, pero tampoco es para tanto. La película si que te muestra de manera fehaciente los hechos, pero creo que sobre todo se ve mejor conociendo la historia de antemano, de lo contrario resultaría muy confusa. Creo que si puedo recomendarla, para verla una vez aunque sea.

A Star Is Born (2018) - Bradley Cooper

En un inicio, no me llamaba la atención para nada ver a Lady Gaga cantando en una película, lo único que tal vez me hubiera podido motivar a verla era que se trata de debut de Bradley Cooper dirigiendo, por otro lado sospechaba que probablemente estuviera nominada al Óscar por todo el barullo que hubo al respecto, razón por la que de todos modos iba a tener que verla para tenerla comentada aquí.

Cómo a priori no estaba muy animado para ver la película decidí hacer un ejercicio interesante y ver primero las 3 versiones predecesoras producidas en Estados Unidos (pues existe también una especie de adaptación india, pero que no es propiamente parte de esta 'saga' pues se trata de una secuela de otra película que toma elementos de la historia) y hacer una comparativa a través de los años y guardando las distancias de cada época, para hacerme una idea más justa de la película de Bradley Cooper.

Entonces llegamos a 2018 y tenemos que después de 42 años un nuevo remake de esta película, ya casi quemada, ha visto la luz. ¿Cómo se podía ofrecer algo nuevo y no visto antes? No lo sé y me quedaré sin saberlo tal vez, porque esta película está directamente relacionada con la versión del 76 y poco a nada tiene que ver ya con las dos primeras, pero sobre todo no ofrece mucho más que su antecesora, salvo algunos detalles que me han parecido acertadísimos.

Esta producción llevaba muchísimos años retrasándose una y otra vez en cierto momento se tenía como director nada menos que a Clint Eastwood, con Beyoncé de protagonista y barajándose varios nombres para el otro personaje como Christian Bale o Will Smith, pero nunca llegó a concretarse la producción, finalmente se contactó a Bradley Cooper para papel masculino, además de para dirigir el proyecto, algo sorprendente considerando que es un novato.

Algo que le reclamaba a las tres películas anteriores, sobre todo a la de 1976 era que no profundizaban en el personaje de Norman Maine/John Norman, y los origines y razones de su conducta autodestructiva que le han llevado a hacer añicos su carrera a través del alcohol. Aquí Bradley Cooper interpreta a Jackson Maine (ya no es Norman), un músico de Country Rock cuyo medio hermano, interpretado por Sam Elliott, lleva su carrera, y bueno lo mismo de siempre, luego de un concierto va a un bar de drag queens en el que se presenta Ally (Lady Gaga), quien trabaja como camarera en un restaurant.

No voy a ahondar en el resto de la historia pues ya se sabe como termina, pero lo más importante aquí es que Jack Maine tiene un conflicto muy interesante, pues el tipo tiene una enfermedad degenerativa que le está dejando sordo, sumado a eso tenemos que su relación con Bobby, su hermano y manager, no es la mejor, pues este vive con la herida de no haber sido cantante el mismo, a pesar de lo cuál es fiel a su hermano.

La narración de la película además está mejor equilibrada en esta versión, cada escena encaja en perfecta armonía unas con otras, no sentimos que la película se quede demasiado en un lugar, la historia es dinámica, incluso las secuencias musicales están muy bien colocadas y la película casi no se siente como un musical, si bien hay suficientes números como para considerarla un musical, las canciones están bien balanceadas con el progreso de la historia y están implicadas con determinados sucesos de la película.

A nivel de actuaciones debo decir que Bradley Cooper hace un señor papel, como ese cantante sureño imitando un poco ese acento que tiene por ejemplo Jeff Bridges, engrosando más la voz, la forma de caminar, la manera de interpretar los temas en el escenario, muy buena actuación. Lady Gaga cumple con su rol perfectamente, no voy a decir que es la mejor actriz del momento, pero está más que bien, sobre todo si consideramos que realmente ella no es actriz, aunque haya participado en algunas producciones. Cómo cereza en el pastel tenemos a un muy buen Sam Elliott, que interpreta con el corazón y los pocos minutos que aparece es muy conmovedor.

La banda sonora de la película es otro punto bastante positivo, las canciones no son muy de mi gusto pero van muy bien con la película, y tanto Cooper como Gaga potencian muy bien los temas, en especial me gustó el tema inicial, una especie de country rock estilo texas muy potente y como arranque está muy bueno. Un aspecto que no destaca especialmente pero es para tener en cuenta es la dirección de Bradley Cooper, ofrece un tratamiento muy moderno con diversos recursos, dolly, grúas, cámara al hombro, lo cuál facilita un montaje muy dinámico.

Luego de haber visto todas las películas debo decir que esta es la que más me ha convencido, y por supuesto que la recomiendo, no hagan caso a la gente que dice que si aburre, que si no vale, que si Lady Gaga esto o lo otro, la película está muy bien, el que no la valore será por otras cuestiones más subjetivas. Si tuviera que ordenar todas las películas de esta historia, esta la pondría como la mejor, definitivamente, luego colocaría a la versión de 1976, en tercer lugar al original y en cuarto lugar a la versión de 1954 dirigida por George Cukor.

La película, con un presupuesto de 36 millones de dólares ha recaudado un total aproximado de unos 400 millones de dólares en todo el mundo, por lo cuál no descartaría que volviéramos a ver en un futuro no muy lejano a Lady Gaga protagonizando otro musical o con algún otro papel importante en Hollywood, desde luego Bradley Cooper tiene una carrera asegurada como director, y como actor para mi ya ha demostrado que es un tipo que vale y puede hacer mucho más que comedias y payasadas.

A Star Is Born (1976) - Frank Pierson

Ya estoy aquí para comentar el segundo remake, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en los . Esta tercera versión se distancia de las dos primeras buscando modernizar la historia y adaptarla a los tiempos del hipismo y de la contracultura, ya en decadencia en los años 70 enclaustrando la historia en el negocio de la música. La película fue producida por Jon Peters y Barbra Streisand.

Aquí ya nos olvidamos de Norman Maine y en su lugar tenemos a ¡John Norman Howard Speedway! (tremendo nombre ¿no?), una estrella de rock interpretada con gran acierto por Kris Kristofferson el famoso cantante de folk de aquellos años, leyenda de la música y el cine. La historia nos cuenta como esta estrella de rock perdida en el alcohol y las drogas llega por casualidad a un pequeño bar dónde ve interpretar a una joven cantante llamada Esther Hoffman (Streisand), más o menos lo mismo que las anteriores.

Esta producción es impecable, filmada muy al estilo documentario de los setentas, todas las escenas de conciertos recuerdan un poco a momentos de Woodstock. Los temas musicales son impecables y muy enérgicos, se siente la vibra de la película, que es mucho mayor que en las otras dos anteriores, por más que Judy Garland se haya dejado la vida en su momento.

Esta película en mi opinión tenía todo para ser muy superior a sus antecesoras, pero no termina de profundizar en el conflicto de Norman y el origen de sus problemas con el alcohol, el cuál terminan destruyendo su relación Esther. Hay varios detalles distintos en esta historia que responden a la necesidad de adaptar la historia a un contexto musical, lo cuál está bien pues le da personalidad propia a esta producción.

Los actores están bastante bien, tanto Kris Kristofferson y Barbra Streisand brillan en pantalla, lucen sus voces, y muestran mucha química y carisma. Como curiosidad habría que mencionar que al inicio aparece Robert Englund en un pequeño papel, el actor que interpretó a Freddy Krueger en las primeras películas de Pesadilla en la calle Elm.

Hay que destacar que esta película que Barbra Streisand fue la primera mujer nominada y ganadora de un Óscar como compositora, por el tema Evergreen, junto a Paul Williams, famoso compositor de los años setenta que trabajó con los Carpenters por ejemplo. También cabe mencionar que la película con un presupuesto de 6 millones de dólares recaudó 80 millones de dólares en cines de Estados Unidos, sobrepasando probablemente los 100 millones a nivel mundial.

Un gran éxito de taquilla, que la crítica no valoró de forma tan positiva más allá de reconocer el innegable talento de la señora Streisand. No está mal está película, si les gusta Barbra Streisand, Kris Kristofferson y el rock de los setenta, pues se lo van a pasar bien.

Bilbao (1978) - Bigas Luna

Hace unos días he vuelto a ver Bilbao, película a la que llegué gracias a la recomendación de Manolito. Se trata de la segunda película del realizador catalán Bigas Luna, desaparecido cinco años atrás. En esta obra exploraba los rincones más oscuros de la mente humana con una historia sumamente audaz, pero muy necesaria para los tiempos que se vivían en la España post franquista.

A mediados de los setenta España regresaba a la democracia, luego de haber estado a merced de Francisco Franco durante más de cuatro décadas. Muchos artistas aprovecharon la muerte del dictador para expresar con libertad sus inquietudes, el cine no estuvo exento de esto y es ahí dónde se enmarca la aparición de esta gran película.

La película gravita en torno a tres personajes fundamentales, el principal es Leo, interpretado por el inquietante Angel Jové, de rostro pétreo, un personaje que solo dice cuatro palabras en toda la película, el resto del metraje se dedica a divagar dentro de su mente, haciendo partícipe al espectador de sus pensamientos.

Esta estructura de tres personajes no es usual, pero ayuda a mantener una cohesión y solidez narrativa, sobre todo refuerza la inmersión del espectador y se utiliza para desarrollar una historia compacta que intenta abordar al interior de los protagonistas, es decir muy acertada para historias íntimas. Algunos ejemplos de este tipo de construcción pueden ser La Mosca (1986) o Ghost, la sombra del amor (1990).

La cinta nos sitúa (y en cierto modo ocurre) dentro de la cabeza del protagonista, un hombre de mediana edad que sale a vagar diariamente por las calles para escapar de su realidad, vive con María una mujer madura que es la amante de su tío, quien le ha obligado a vivir con ella a cambio de mantenerle (alejado de la familia). En una de esas salidas Leo ve a una prostituta en la calle llamada Bilbao, es aquí que empieza la historia.

El director que a su vez es el guionista, adaptó un relato propio narrado en primera persona, lo cuál obliga a que la narrativa de la película sea similar, de hecho está perfectamente justificado el recurso, sin embargo en mi opinión se termina abusando un poco, hubiera sido un poco más equilibrado dejar más secuencias mudas o en su defecto añadir diálogos, pero de cualquier modo la película funciona.

Es interesante hacer una pequeña comparación entre Bilbao y Taxi Driver (1976), pues ambas películas están contadas desde el punto de vista de su protagonista, ambas muestran una realidad urbana decadente, que además si bien distintas, ambas retratan la pesadumbre de los años 70, ambas tratan sobre la obsesión y sobre todo ambas muestran personajes retraídos en busca de tomar acción frente a su realidad.

Angel Jové

Uno de los puntos fuertes de la película es la interpretación de Angel Jové, quien no era actor si no más bien artista conceptual de la época, quien aceptó aparecer en el film por ser amigo de Bigas Luna, pero que a la pos fue una elección acertadísima, casi pareciera que la película trata sobre el mismo y no sobre un personaje, esto es lo que le da bastante credibilidad al retrato que plantea el director.

Las dos mujeres que aparecen junto al protagonista también son elecciones muy certeras. María Martín como aquella actriz en retiro que acompaña a Leo, que además es una especie de madre, y que tiene una serie de fetiches que obliga a Leo a hacer realidad, funciona perfectamente como contrapunto de Leo, pues en cierto momento de la trama los papeles se invierten e intercambian fortaleza y debilidad según que situación.

Isabel Pisano que hacer de Bilbao es una elección de casting muy curiosa, porque no se trata de una mujer especialmente bella, ni atractiva, más bien parece un vampiro, algo muy curioso pues casi nunca aparece de día. Esta decisión a mi modo de ver busca evitar que el publico idealize al personaje, haciendo más extraño y ajeno el interés de Leo por esta mujer.

La música de la película es otro punto positivo calza perfectamente y acentúa sobremanera aquel clima enrarecido que rodea a Leo, es interesante además que todos los temas son distintos, los cuáles incluyen el leitmotiv de Leo en la Rapsodie Espagnole de Maurice Ravel, o el tema I feel love de Donna Summer (en colaboración con Giorgio Moroder), que acompaña las apariciones de Bilbao en un night club.

La película deja dos imágenes para la eternidad sobre los últimos 30 o 35 minutos (que no menciono para no arruinar la experiencia), tiene un personaje intrigante, y sobre todo los temas que toca como el fetichismo, el voyerismo, la obsesión malsana por otra persona, el acoso callejero, todos temas tan actuales como dignos de mostrar en la pantalla. De más está decir que un proyecto como este sería totalmente imposible de sacar adelante en la España de hoy en día, convulsionada con tanto debate absurdo sobre la opresión contra las mujeres.

Bilbao, no es exactamente un 'peliculón', pero si la recomiendo, por lo menos hay que verla una vez en la vida, si eres fanático del cine de psicópatas y obsesiones pues esta es tu película. Parte importante de la cinematografía española, y patrimonio cultural sin lugar a dudas.