The Clovehitch Killer (2018) - Duncan Skiles

Revisando material para continuar viendo películas sobre asesinos notorios de la historia, me topé con esta interesante película estrenada el año pasado, que a golpe de vista me llamó la atención el arte de su póster, que muestra a un hombre encapuchado, claramente invadiendo una casa ajena, según el director la historia está inspirado en el caso de Dennis Rader, mejor conocido como BTK, siglas de Bind, Torture, Kill (atar, torturar, matar).

No me voy a referir con mucho detalle al caso de Dennis Rader, fue un prolífico asesino serial que operó entre 1974 y 1991, y que destacaba especialmente por la planificación con la que cometía sus ataques con un modus operandi bastante similar al de Israel Keyes o Joseph DeAngelo (conocido como East Area Rapist, Diamond Knot Killer, Original Night Stalker y Golden State Killer), todos personas con una gran capacidad de anticipación y de estudio de las condiciones en las que atacarían a sus victimas. Al igual que con el caso de DeAngelo, Rader se mantuvo en la sombra durante muchos años, hasta que en 2004 empezó nuevamente a 'coquetear' con la prensa enviando cartas, hasta que fue arrestado en 2005 y condenado finalmente a 175 años de prisión.

Esta película se trata del debut cinematográfico de Duncan Skiles, quien ya ha trabajado en varias producciones televisivas, además de haber realizado múltiples labores como Productor, Editor, Director de Fotografía o incluso Cámara, es importante mencionar esto, porque a la hora de evaluar una cinta hay que tener en cuenta la cantidad de experiencia que tiene un director o la calidad de su trabajo anterior, como comenté en la review de Todos lo Saben (2018), donde comenté que si se hubiera tratado de una opera prima, sería una maravilla, pero al venir de un director experimentado y que ya ha logrado películas de altísimo nivel, resulta decepcionante.

Clovehitch es el seudónimo con el que se le conoce al asesino serial de la pelícua, cuyo modus operandi incluye el uso del 'ballestrinque' (clove hitch en inglés), un tipo de nudo especialmente usado en náutica, detalle importante en la concepción de la historia. La historia comienza con una ceremonia in memoriam en honor a las diez mujeres fallecidas a manos de Clovehitch, quien lleva diez años en hiato y de quién nunca se ha tenido mayor pista que su forma de operar. Otro detalle es que el contexto de la historia se establece en una de aquellas típicas comunidades cristianas, sectarias.

Antes me he referido a la importancia del nudo clove hitch, pues resulta que nuestro protagonista es Tyler Burnside (Charlie Plummer), un muchacho miembro de una asociación de boy scouts, cuyo padre es el líder. Aquí para mi la película comete, no se si un error, pero tal vez una ligereza en su planteamiento, pues durante los años setenta en el caso del 'Violador de la Zona Este' (Joseph DeAngelo) cuando empezó a cometer asesinatos a finales de la década, siempre hubieron sospechas de que se tratara de alguien entrenado en tácticas de supervivencia al aire libre, y resultó ser un policía, veterano de Vietnam.

En esta historia vemos un grupo de boy scouts, quienes obviamente son expertos en técnicas de supervivencia y todo ese rollo, por lo que claramente el asesino de la película va a tener que ser uno de ellos, sin embargo aquí el planteamiento no consiste en adivinar quién es el asesino a la manera clásica. En general la película me ha entusiasmado al inicio, pero finalmente me resulta muy mecánica, y aquí es dónde voy a entrar en spoilers para profundizar en este concepto.

Para mi ha sido bastante obvio que el Padre es el asesino, y esta sospecha se convierte en una realidad cuando al empezar la película, Tyler sale a media noche con la camioneta de su padre a verse con una chica, estando dentro esta descubre una fotografía de una mujer semidesnuda atada en plan BDSM, hecho bastante 'incriminatorio' a nivel narrativo, pues no existen otros personajes que encajen en el tema del nudo, característica definitiva del asesino en cuestión.

Tyler queda totalmente perturbado al encontrar la fotografía, la cual evidentemente no es suya, y por cuya razón sus ojos viran hacia la conducta de su padre. En ese momento he pensado que es muy rápido para que se mostraran sugerencias al respecto de la identidad de un asesino que lleva desaparecido 20 años, por lo que algo más debe haber y entonces cabe comprender aquí, que la película no trata de adivinar quién es el asesino, si no de la sensación que siente alguien al estar directamente relacionado con el asesino.

A todo esto, hay un personaje que es casi un adorno, y en el cuál he encontrado la clave del siguiente plot point pues al saber que el Donald Burnside, muy presumiblemente sea el asesino, la película va a necesitar desviar esta presunción más adelante  y para ello aparece desde un inicio el 'personaje adorno' del Tío Rudy, quien para coincidencia es un hombre que ha sobrevivido a un accidente automovilístico, pero a coste de perder el habla y la capacidad de interacción. Como anticipé, cuando Tyler confronta a su Padre respecto a las fotografías que encuentra, Donald le hecha la culpa a su hermano Rudy, pues este no puede desmentirlo.

Luego de esta confrontación, Tyler le da un ultimátum a su padre o entregan al Tío Rudy o destruyen las pruebas (esto último con motivo de 'proteger' a su familia y evitarle el disgusto y vergüenza a su madre), esta decisión también nos dice claramente que el Padre sigue siendo el asesino pues las evidencias las había estado guardando él, podría haberlas quemado mucho tiempo atrás, pero decide hacerlo ahora que ha conseguido desviar la atención del hijo.

Además de estos dos personajes hay un tercer personaje que es central en el desarrollo de la trama, Kassi, una chica 'extraña' ajena al pueblo, atea además, a la cuál tachan de enferma, por estar obsesionada con el 'Asesino del nudo ballestrinque', al entrarle las sospechas a Tyler de que su padre podría ser este personaje, decide pedir ayuda a Kassi para probar o descartar esta posibilidad, ella evidentemente se muestra interesada, pues podría servirle para resolver el caso.

El tramo final de la película me ha generado sensaciones encontradas. A nivel de ejecución me ha parecido un tanto torpe, pues a un hombre tan inteligente como hemos visto que es el padre, siempre a un paso antes que su hijo, logran engañarlo con un supuesto viaje que Tyler hace hacia un campamento de liderazgo y tal... poco creíble la verdad, ¿cómo es posible que un prolífico asesino que ha podido desaparecer durante diez años del radar de la policía pueda ser engañado por unos niños a los que ha burlado durante toda la película?

Podríamos decir que en un momento de debilidad el padre se confió y cometió ese error, tal vez... pues al final, cuando Tyler viaja, propone a su mujer que vaya a visitar a su madre junto a su hija menor, para luego darles el alcance. Y aquí la película pone en evidencia lo obvio, que Donald Burnside es Clovehitch, aprovechando su soledad decide embarcarse en un nuevo 'proyecto' y prepara el asesinato de una mujer a la que se cruza en el supermercado. Finalmente Tyler y Kassi que han estado siguiendo a Donald, lo sorprenden e impiden (aparentemente) que termine de asesinar a la mujer.

El final es lo más curioso del filme, tras un salto temporal, vemos que el Padre lleva desaparecido un tiempo, hasta que aparece muerto, la causa de muerte se establece como accidente por mal manejo de un arma de fuego. La película termina con un discurso de Tyler, durante una ceremonia en la que asume como nuevo líder del mentado grupo de boy scouts, en la cuál además se rinde homenaje a su padre por sus labores comunitarias y como líder de dicho grupo y sobre quién da un discurso muy generoso, la película deja sin respuesta la pregunta de si fue Tyler quién mató a su padre o si el propio ha cometido suicidio de forma obligada tras haber intentado disparar a quemarropa a su hijo durante la confrontación final.

En general si recomendaría esta película al público en general, está interesante la historia de Clovehitch, el pueblo, la relación padre e hijo, la tensión que se genera, pero tal vez a un espectador experimentado le puede parecer una película bastante común, está muy bien filmada, pero de mi parte poco más puedo decir, no tiene escenas memorables, no tiene una música muy llamativa, visualmente no es que sea muy lograda, a nivel de planos es bastante común, en fin, cabe destacar que la actuación de Dylan McDermott es bastante destacada, pero hasta ahí.

In the Light of the Moon/Ed Gein (2000) - Chuck Parello

Luego de publicar la reseña anterior, me puse a recordar que casos me faltaban revisar para incluirlos aquí en esta antología de películas sobre serial killers, recordé el caso de Ed Gein, la prominencia que tuvo a nivel mediático y la influencia que ha tenido en tanto en cine como literatura en incluso en la música.

Edward Gein es uno de los personajes más aterradores en la historia de la humanidad, basta con mencionar que fue la inspiración y base de Norman Bates (Psicosis, 1960), Leatherface (La matanza de Texas, 1974) y Buffalo Bill (El silencio de los inocentes, 1990). Conocido como 'El carnicero de Plainfield', Gein fue internado en 1957 en el Instituto de Salud Mental Mendota, en Madison, Wisconsin. Tras de comprobarse su responsabilidad en un asesinato, se procedió a registrar su casa, durante esta inspección se encontró una serie de objetos, utensilios y 'prendas' de vestir fabricadas a partir de restos humanos, además de huesos humanos, cabezas disecadas, miembros conservados, etc.

Sin embargo más allá de las películas que se sirvieron de la historia de Ed Gein como inspiración, también hubieron películas que contaban su verdadera historia, tal es el caso de esta, una modesta producción que se estrenó en el festival de Sitges del año 2000 y que posteriormente tuvo un estreno limitado en salas de Estados Unidos para luego pasar a VHS y más tarde a DVD. Partamos del hecho de que es una película de presupuesto bajísimo, casi un telefilm.

La película comienza con algunos fragmentos de entrevistas de la época hechas a gente del pueblo, luego nos trasladamos al cementerio de Plainfield, dónde una pareja busca soledad para besarse, cuando vemos a Ed desenterrando un ataúd, el de su madre, luego vemos que con la intención de 'revivirla' y es que aquí entramos en un punto importante de esta historia, la relación madre-hijo. La Madre de Ed Gein tuvo una gran influencia sobre él, basando su educación en la lectura de la biblia y en violencia, verbal por parte de ella, y física por parte de el padre.

La verdad es que si bien, he comentado en las reseñas anteriores que este tipo de personajes casi siempre acarrean una 'narrativa del personaje', es decir que no hay un conflicto establecido per sé, si no que vamos siendo testigos de las conductas del protagonista, construyendo el personaje a través de su conducta, decisiones, y en este caso también de su pasado, el cuál vemos a través de flashbacks que se presentan en determinados momentos, en los que Ed reconoce a su madre en situaciones cotidianas.

La verdad es que la película es bastante poca cosa y aburridita, tal vez se hace un poco más interesante si conoces el caso de Ed y tienes morbo de ver las cosas que hizo y todo aquello, pero lo cierto es que hay que poner bastante de tu parte, los actores son de medio pelo, pero dentro de lo que cabe cumplen, la calidad de la película es bastante de telefilm, como una película de esas que pasan un domingo en el canal más frío de todos.

Cómo puntos positivos cabe mencionar que la historia es bastante fiel a los hechos reales, así que tiene cierto valor documental, además la fotografía está bastante bien, aunque claro con un planteamiento visual sencillo, muy televisivo, pero bueno, realmente no se si recomendaría esta película, tal vez si no eres muy exigente y te interesa mucho ver cualquier material relacionado a Ed Gein, pues puede ser. Cómo curiosidad cabe añadir que la música de la película corre por cuenta de Robert McNaughton, el mismo que hizo la genial música de Henry, retrato de un asesino (1986).

Henry: Portrait of a Serial Killer (1986) - John McNaughton

Finalmente le ha tocado el turno a Henry. Esta película la he visto ya varias veces desde que comencé a profundizar en el cine, desde la primera vez me maravilló la construcción del personaje, como aquel asesino despiadado, sumamente inteligente y calculador. El guion, de manera similar a como hizo David Cronenberg en La Mosca (1986), se ciñe a tres personajes y los conflictos que se desarrollan a partir de la convivencia, recurso que muchas películas pequeñas han usado con gran acierto.

Hay varias cosas para comentar sobre esta cinta, quizá podría empezar por referir que esta película es una excepción en la lista, porque si bien se inspira de hechos reales y de un asesino serial real, Henry Lee Lucas, la historia que cuenta es una versión libre de los hechos que rodearon a Lucas y a su compinche Otis Toole, por tanto no es una película sobre una historia real, si no una reimaginación de la historia de Henry Lee Lucas, plasmada en una película de terror.

Para un comentar un poco sobre el Henry real, nació en 1936, y durante toda su infancia fue maltratado por su madre, una mujer que se dedicaba a la prostitución y traía a sus clientes a la casa, así durante años, en ocasiones incluso le obligaba a ver todo lo que hacían. A los diez años Lucas perdió un ojo producto de una herida que se le infectó, porque su madre se negó a llevarlo al hospital, de niño no fue bien alimentado, estaba desnutrido, se dice que su madre hasta llegó a abusar sexualmente de él.

La historia cambia para Henry cuando en 1960 asesina a su madre de una puñalada, según él solo la quiso empujar para evitar recibir un golpe, pero al tener una navaja en su mano terminó hiriéndola, al tratar de incorporarla luego de la caída notó que estaba ensangrentada, razón por la que huyó de la escena, fue condenado a diez años de prisión siendo liberado en 1970. En 1975 conoce a Otis Toole, con cuya sobrina de 13 años, llamada Becky, inicia una relación sentimental, posteriormente se van a vivir vagando por carreteras, hasta que la asesinó también en 1983.

He comentado ciertos detalles de la vida de Henry Lee Lucas porque son algunos de los que están referidos en la película. La cinta nos muestra a un Henry que está en constante movimiento, desde el inicio nos muestran como va regando cadáveres a su paso, algo que no es totalmente preciso con la realidad, pues aquí parece que el personaje vive para matar, cuando en la realidad no fue tanto así el caso.

La historia empieza cuando Otis (Tom Towles) recoge a su hermana Becky (Tracy Arnold) del aeropuerto, recordemos que la verdadera Becky era sobrina del Otis real. Más tarde, ya instalada en el departamento, Becky conoce a Henry (Michael Rooker) con el cuál llega a establecer cierta afinidad. Cómo he mencionado al inicio la película está construida sobre la base de este tridente, por una parte nos muestran el 'día a día' de un Henry que parece vivir para matar, al mismo tiempo nos muestran como es la adaptación de Becky a la rutina de Otis y Henry, los conflictos que surgen por ejemplo cuando Otis pone en evidencia una conducta abusiva sobre su hermana Becky, momento en el que también vemos como Henry funge de protector de esta.

En internet leí que alguien, con mucho acierto decía, que esta era una "película de horror de John Cassavetes", porque ciertamente tiene las características de un film de Cassavetes, como cuando vemos la interacción que tienen los personajes en Faces (1968) o Una mujer bajo la influencia (1974). En Henry, retrato de un asesino, por una parte tenemos los asesinatos que sirven como 'muestra' de lo que es capaz de hacer Henry, y por otro vemos como la tensión que existe en el departamento va llevando a los personajes a desmoronar lo que en un inicio parecía una familia que vive en armonía, hasta aquel final tan brutal.

En este planteamiento tan sencillo, pero acertado John McNaughton logra conjugar una película que tiene de todo, escenas memorables, que por lo menos hay unas tres, personajes interesantes, una música que calza como anillo al dedo, interpretaciones más que buenas, todos los actores cumplen perfectísimamente con su rol, evidentemente Michael Rooker es la estrella, que hasta ese entonces no había trabajado en ninguna película, aquí lo hace de maravilla, por momentos me recuerda a Robert De Niro en Taxi Driver (1976), con esas miradas vacías pero que en el fondo apuntan hacia algún lado.

Me gustaría hablar un poco sobre el final, que tal vez para muchos pueda parecer obvio, pero a mi siempre me ha quedado la duda, porque vemos a Henry abandonar solo el motel donde se había hospedado con Becky, sale con un maletín, sube al auto y se va, al final vemos que para en mitad de la carretera y baja una maleta ensangrentada y la deja en el camino, pero nunca nos muestran si mata o no a Becky, aunque resulta obvio pensar que la chica es un cabo suelto que no puede dejar pasar.

En resumen esta es una gran película, que con pocos medios logra mucho, entretiene, interesa y sobre todo logra perturbar porque a diferencia de otras películas de terror, aquí estamos ante un personaje de carne y hueso, de hecho la película tuvo muchas dificultades para encontrar distribución en 1986 debido a su clasificación X, y estuvo pasando de festival en festival hasta 1990 que pudo tener un estreno limitado, y aun así recaudó 600 mil dólares por sus 100 mil de presupuesto. ALTAMENTE RECOMENDABLE.

The Night Stalker (2016) - Megan Griffiths

Ya le tocaba el turno a Richard Ramirez, quien estuvo en las portadas de diarios y noticiarios durante 1985 cuando sembró el terror en California, con una serie de invasiones, violaciones y asesinatos brutales cometidos contra mujeres y niñas, inmediatamente los medios lo bautizaron como 'Night Stalker' (Acosador Nocturno) curiosamente por la similitud de su caso con los sucesos de una película de inicio de los setenta The Night Stalker (1972).

Ramirez era un chicano que vivía en California, un primo que estuvo en Vietnam influyó mucho en su conducta cuando niño contándole historias de guerra, de la violencia que se vivía ahí, mostrándole fotografías de mujeres prisioneras, en algunos casos muertas o incluso hasta decapitadas, a todo esto se suma el hecho de que este familiar asesinó a su esposa enfrente del pequeño Richard. Presuntamente Ramirez inicio su legado de terror en 1978 al asesinar a una madre de origen japonés y su hijo, más tarde destacaría por los crímenes que lo convirtieron en el asesino mas famoso después de Ted Bundy, fue condenado a muerte en 1989, pero nunca fue ejecutado, murió en 2013 a causa de un cáncer a la sangre, mientras se encontraba esperando su ejecución en 'el pasillo de la muerte'.

La película nos sitúa precisamente en ese año 2013, en el que una abogada, llamada Katherine, decide visitar a un Richard ya enfermo para que confiese un crimen por el cuál otro hombre, aparentemente inocente, se encuentra esperando ser ejecutado. Al mismo tiempo la película nos muestra pasajes de la vida del pequeño Richie conviviendo con su primo, incluido el incidente del asesinato, además de momentos del año 1985 en el que una Katherine en la adolescencia seguía con mucho interés los crímenes de Ramirez por televisión, fantaseando con que un día el invadiera su casa y la violara.

Lou Diamond Phillips encarna a Ramirez a sus 52 años, en un papel bastante bueno, logra captar la esencia del personaje real y hasta matices de su voz, el resto del casting realmente cumple, pero no es nada del otro mundo, además tenemos a Bellamy Young como Kit, la abogada que visita a Richard en la carcel para intentar sacarle la confesión, que a su vez es interpretada en la adolescencia por Chelle Sherrill, una jovencita que va viviendo la ola de terror que desató Richard a mediados de los 80.

La verdad es que la película, sin ser gran cosa no está mal, aunque realmente no aborda mucho la historia de los asesinatos y de como Ramirez sembró el terror en 1985. Más da la impresión de ser un telefilm que una producción para salas comerciales, y de hecho el tener nada más que un actor medianamente conocido con LDP, que además no está en su mayor momento mediático, y el resto actores de segunda, evidencia el poco presupuesto que se destinó a la cinta. Cómo digo se puede ver una vez por el morbo de la historia del Night Stalker, pero realmente no es para tanto la película. Para ver una vez se le puede dar oportunidad.

Ted Bundy (2002) - Matthew Bright

Por fin he podido volver a ver una película, luego de unos días jodidos. Esta película estaba en mi lista sobre asesinos en serie, y no podía faltar pues Ted Bundy (1946-1989) fue el primer criminal en ser denominado "asesino en serie", algo que en los años setenta era toda una novedad para la policía y departamentos de justicia de los Estados Unidos.


Bundy ganó notoriedad por "desaparecer" a decenas de mujeres en diversos estados del país norteamericano. Fue condenado por violación, asesinato, secuestro y robo, en especial el secuestro y asesinato de Kimberly Leach una niña de 12 años a la que raptó a plena luz del día y mientras se encontraba prófugo, luego de haber escapado por segunda vez de la justicia, en esta ocasión estando encarcelado.

La película es muy similar en propuesta a Dahmer (2002), apostando por un desarrollo psicológico del persona, con la diferencia de que la historia es un poco más coherente, aquí no hay intentos narrativos inusuales, se sigue una sola línea temporal progresiva que comienza en 1974, con un Ted Bundy asistiendo a clases de derecho en la universidad y culmina con la ejecución del mismo en 1989.

Ted Bundy (Michael Reilly Burke) es un estudiante de derecho que está fracasando en la universidad y se dedica a robar esporadicamente, además de salir de noche a acosar y perseguir mujeres. Tiene una novia, llamada Lee, que vive en otro estado con su hija, a la que visita cada cierto tiempo y por la que aparentemente siente una gran afección, de hecho la película y la historia real nos dicen que Bundy veía en ella su camino hacia una vida normal, la cuál nunca pudo tener.

La historia que se cuenta en la película no es exactamente fiel a los hechos de la realidad, pero esto no es necesario, porque muestran perfectamente el contexto y conductas del personaje en cuestión, por tanto las modificaciones, como el color amarillo utilizado en lugar arena de su Volkswagen, o los nombres de sus parejas y víctimas no influyen ni en el desarrollo de la historia, ni en la coherencia.

Estamos ante una cinta realmente pequeña, pero que en mi opinión logra transmitir las sensaciones del caso real. En cierto momento se hace un poco pesada porque la historia no desarrolla un conflicto a la manera tradicional, su interés radica en el protagonista y en los sucesos que va viviendo.

Es una película que si recomendaría a aquellos interesados en el caso de Ted Bundy, pero solo para ver una o dos veces, no es un film tan entretenido y ciertamente puede resultar desagradable en estos tiempos, debido a la cantidad de violencia que sufren mujeres durante el film.

Dahmer (2002) - David Jacobson

Hace unos meses se me ocurrió la idea de revisar ciertas películas basadas en casos reales de asesinos en serie americanos, en específico porque quería ver esta película basada en el caso de Jeffrey Dahmer, conocido como 'El caníbal de Milwaukee', misma que tiene la curiosidad de estar protagonizada por Jeremy Renner, conocido especialmente por interpretar a Hawkeye en las películas de Marvel.

Habría que comentar un poco quién fue Jeffrey Dahmer para el que no lo sepa. Este personaje se hizo conocido en 1994 gracias a una serie de entrevistas y documentales que se hicieron a propósito de su condena a dieciséis cadenas perpetuas por el asesinato de 17 victimas. Adicionalmente se le imputaron los cargos de abuso infantil, exhibicionismo y desorden público.

Lo llamativo y la razón por la que 'saltó a la fama' es la forma en que fue descubierto, sus vecinos reportaron 'olores desagradables' provenientes del 'apartamento 213' (del cuál Slayer hizo una canción en su album Divine Intervention, de 1994), al llegar la policía descubrió restos de cadáveres y cabezas conservadas al interior del dormitorio de Jeffrey Dahmer, además de miembros humanos congelados, comida preparada a partir de estos restos, ollas en las que los cocinaba, en fin, un escenario más brutal que cualquier película gore.

La película incluye varios detalles e incidentes conocidos de la vida de Jeffrey Dahmer (Jeremy Renner), estructurando la historia que vemos en pantalla en dos lineas de tiempo, la primera que nos sitúa al interior de su vida cotidiana a los veintitantos años que trabaja y por las noches sale a bares gay a buscar hombres, esta va progresando. La segunda línea de tiempo cuenta eventos puntuales de su vida pasada que van en retroceso, entre ellos están la relación con su abuela y su padre, el 'evento del maniquí' y su primer asesinato siendo adolescente.

Esta es una estructura curiosa, que por una parte intenta someternos a la observación de la conducta de Jeffrey, y por otro lado intenta darnos luces de los origines y posibles razones de su accionar, pero en mi opinión no esta idea no funciona muy bien, se hace pesada y no está tan bien conectada una linea de tiempo con la otra, termina siendo un recuento lento y aburrido de eventos en la vida del mentado asesino.

Uno de los puntos fuertes de la película es la atmósfera que llega a crear, tanto por montaje y estilo como por la buena actuación de Jeremy Renner, el cuál es otro punto positivo, y que logra meter al espectador dentro de la vida de Jeffrey Dahmer, el problema es que la historia no plantea una estructura narrativa clara que genere el interés en el espectador de seguir viendo la película, me da la impresión que se hace más o menos disfrutable si conoces bien la historia que te están contando, como fue mi caso, pero tal vez si la vez de frente sin saber de que trata no llega a hacerse entretenida, a pesar de lo que sigue estando por encima del promedio.

Realmente no hay mucho más que comentar sobre la película, por un momento pensé que me iba a decepcionar y realmente no ha sido así, pero tampoco es para tanto. La película si que te muestra de manera fehaciente los hechos, pero creo que sobre todo se ve mejor conociendo la historia de antemano, de lo contrario resultaría muy confusa. Creo que si puedo recomendarla, para verla una vez aunque sea.

The House That Jack Built (2018) - Lars von Trier

He dejado de escribir una semana, y es que he estado muy metido en otras cosas, pero ya estoy aquí una vez más, ahora para comentar la más reciente película de Lars von Trier. Debo anticipar, que von  es uno de mis directores predilectos, de todo su trabajo, La Trilogía Europa (1984-1991), La Trilogía de los Corazones Dorados (1996-2000), su miniserie El Reino (1994-1997), Anticristo (2009), Melancholia (2011), etc. Polémico como pocos, por varias cuestiones, pero es un gran director, cuyo trabajo ha logrado tener un estilo propio, como sería el caso de Tarantino, ambos tiene estilos muy claros, reconocibles y propios.

Creo pertinente comentar que si bien he visto toda la filmografía, de su anterior trabajo, Ninfómana (2013), tan solo vi la primera parte, y no me interesó siquiera ver su segunda parte, pues si bien la película tenía sexo duro y pornografía como cartel de propaganda, propuesta ciertamente arriesgada pero atractiva al mismo tiempo, la película a mi no me dijo nada, salía ahí Stellan Skarsgaard, el actor sueco, comentando diversas cuestiones como 'el intervalo del diablo', o sobre cebos de pescar y cuestiones que el personaje iba relacionando con la vida sexual de la protagonista (Charlotte Gainsbourg), mucho palabreo y pocas nueces, no había la visceralidad de sus trabajos anteriores, en el cuál los sucesos hablaban por si solos.

Entonces después de la decepción de Ninfómana, pasaron casi 5 años y el año pasado ha vuelto a la palestra con The House That Jack Built, protagonizada nada menos que por Matt Dillon como un asesino en serie, o al menos a priori esa es la premisa, y pues con Lars von Trier ya he aprendido que nada es lo que parece, y menos hay que tomar lo que dice al pie de la letra.

Reconozco que tenía cierto miedo con la película, porque me temía que el señor fuera a repetir los excesos de Ninfómana, y cayera en cierto libertinaje cinematográfico y a metiera desnudos porque sí, y lo mismo que ya había hecho en detrimento de la profundidad de otros de sus mejores títulos como Los Idiotas o Dogville.

Sin embargo me he llevado una sorpresa con este film pues, precísamente si repite más o menos la fórmula de Ninfómana, más o menos hay varios de los elementos de aquel film. Una conversación entre dos personas que va estableciendo los hechos de la historia que se cuenta, la historia ha sucedido en el pasado, hay palabreo en el diálogo, y a que me refiero con esto, a que Lars von Trier recurre a metáforas para comparar diversos aspectos de la personalidad y conducta del protagonista con expresiones artísticas, conductas de la naturaleza, y en fin, lo mismo sucedía en Ninfómana pero esas comparativas las establecía Seligman, el personaje que acompañaba a Joe, mientras que aquí es el propio protagonista, Jack, quien se justifica o explica mediante estas metáforas.

Debo decir que la 'fórmula', en esta película si que funciona, y funciona a muchos niveles, funciona como 'película' de Lars von Trier, se ve su estilo, es palpable, reconocible, y con mayor notoriedad que en Ninfómana. La película funciona como una thriller psicológico que busca adentrarse en la mente del asesino, invitados nada menos que por el propio asesino. La película funciona también como obra de horror 'shockeante', si le quitamos el autoanálisis del protagonista y el palabreo. Y sobre todo lo anterior la película funciona como un autoanálisis del propio Lars von Trier y del trabajo de toda su carrera, el cuál compara con el trabajo de una asesino en serie, esa es la metáfora fundamental de la película.

La película nos cuenta la historia de Jack, un ingeniero con vocación de arquitecto que se ha planteado construir una casa en las afueras, a orillas de un lago, las motivaciones para construir una casa no se plantean de forma explícita, pero de alguna manera se puede establecer en relación a la creación de algo, al trabajo del artista que tanto se remite el protagonista.

La historia se va desarrollando en torno a una conversación entre Jack y un misterioso personaje, al cuál le va relatando una serie de sucesos, cinco en total, en los cuáles da detalles diversos sobre asesinatos que ocurren a lo largo de doce años. Al mismo tiempo se dan luces sobre su pasado, su niñez, su familia, la relación con su madre, etc.

A nivel técnico la película es más parecida a películas como Melancholia, Anticristo o Dancer in the Dark (2000), siempre con la cámara al hombro, pero ahora con insertos fijos, con una post producción un poco más elaborada, con cambios de velocidad de fotogramas, insertos de imágenes de documentales y de otros medios, incluso pintura animada, algo que no es nuevo y que se ha visto por ejemplo en Su documental 'Cinco obstrucciones' (2003).

La música de la película sirve como contrapeso pues añade cierto aroma de ironía, restando tensión, pero en pro de no tomar la película de forma tan literal como una mera película de serial killers, dando lugar a múltiples interpretaciones de lo que se ve, de hecho hay momentos en los que se escucha música muy dispar de lo que se ve en pantalla, incluyendo una sorpresita al final, o incluso cierto momento en el que suena Primavera de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, con clara intención cómica, pues esta obra es un cliché de la 'alta cultura', que hasta en programetes de televisión se pone en son de burla.

Me parece interesante recordar que en 2011, durante la conferencia de prensa de Melancholia en el Festival de Cannes, Lars von Trier hizo las ya míticas declaraciones de "Entiendo a Hitler", y años después en esta película aparecen imágenes de hitler, y de alguna manera a mi entender, von Trier compara el genocidio de muchos dictadores con la labor cinematográfica, establece un paralelismo entre el asesinato y la creación cinematográfica, de alguna manera von Trier se autoproclama un genocida del cine.

Ciertamente esta película, debe ser la más polémica de toda su carrera por el mensaje que deja entrever, más allá de las imágenes que se muestra, que por cierto incluye el asesinato de dos niños, pero a propósito de aquello, ni el propio Lars von Trier se ha atrevido a mostrar en cámara el asesinato de niños inocentes a sangre fría, algo que nada más han sido capaces de mostrar Luis Buñuel en L'Age d'Or (1930) y años después John Carpenter en Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976).

De todos modos recomiendo esta película, sobre todo a los fans de Lars von Trier que van a encontrar un film muy de Lars von Trier, con muchas lecturas, una película que fluye y que se ve claramente un intento por emular o parecerse al cine de Tarkovsky del cuál es devoto von Trier, tenemos por ejemplo el elemento más obvio en 'La lluvia', aquella que aparece en toda la filmografía del cineasta ruso.

The return of the living dead (1985) - Dan O'Bannon

El año 1968 marca un antes y un después en la historia del cine. Por una parte se estrenaba en abril 2001: Una odisea espacial, película que sacó a la ciencia ficción de la mediocridad y la puso en lo más alto como género, cortesía de Stanley Kubrick. La otra cara de la moneda viene de la mano de George Romero y su maravillosa Night of the living dead (La noche de los muertos vivientes) que introdujo al zombie moderno en una película de muy bajo coste, pero gran calidad narrativa.

Junto a George Romero estuvo su amigo John Russo, con quien co-escribió el guion. La noche de los muertos vivientes fue un éxito comercial descomunal, lo que propicio que años más tarde Romero regresara con Dawn of the Dead (El amanecer de los muertos) en 1978 y en 1985 Day of the Dead (El día de los muertos). John Russo no participó en el Día de los Muertos, razón por la que en 1984 se dispuso a escribir su propia secuela.

Para revisar y pulir el guion se contrató a Dan O'Bannon, quien en aquel tiempo era un nombre bastante importante, por haber trabajado en Star Wars, Dune (de Alejandro Jodorowsky) y sobre todo por ser el creador del primer Alien. Cómo director se contrató a nada menos que Tobe Hooper, director de la Mantanza de Texas (1974) y más recientemente de Poltergeist (1982), pero por un conflicto de compromisos tuvo que retirarse para dirigir otro proyecto.

Dan O'Bannon

Es en este momento que los productores ofrecen a O'Bannon hacerse cargo de la dirección, y este a pesar de no tener ninguna experiencia es ese campo, acepta con la condición de hacer varios cambios drásticos en el guion. Aquí es donde la película adquiere varios de sus detalles que la colocan en el lugar que merece, y es que El regreso de los muertos vivientes de Dan O'Bannon es salvaje y divertidísima.

Básicamente todos los cambios de O'Bannon apuntaban a diferenciar la película de las constantes que la saga de George Romero había establecido. Aquí los zombis comen cerebros, no 'mueren' a balazos, ni cortándoles en pedacitos, si los queman generan más zombis, pues liberan un químico que 'despierta' a los muertos. Y lo más importante de todo es que estos zombis son inteligentes y rápidos a la hora de atacar a sus victimas, se organizan en grupos, y hacen emboscadas. Es realmente sorprendente como todo esto le da personalidad propia a la película y funciona perfectamente.

La historia que nos cuentan trata sobre un joven llamado Freddy que trabaja en un almacén de implementos médicos, que entre otras cosas vende y distribuye cadáveres para escuelas de medicina, etc. Un accidente dentro del almacén libera un químico al que son expuestos Freddy y su jefe Frank, mismo que reanima un cadaver del depósito. Más tarde llega Burt dueño del almacén con quien llevan el cadáver reanimado a un crematorio, liberando por la chimenea la Trioxina 245.

En general estamos ante un gran film de zombis, muy entretenido, divertido, y lo más importante es que el humor no es forzado, fluye naturalmente a través de los personajes. La historia está bastante bien construida, y sin ser igual a las películas de Romero, se siente también como una película de zombis bien contada, mostrando las relaciones de los personajes que atraviesan esa situación y logra transmitir la camaradería de los protagonistas.

Otro aspecto a remarcar es que en esta película hay un grupo de punks, con mohawks y cueros, que van por ahí en busca de fiesta, y acaban en un cementerio. Así mismo escuchamos canciones punk rock durante toda la película, incluyendo algún tema de The Cramps o The Damned.

La película tiene una fotografía en colores que tiene un look muy entre giallo italiano y comic que me recordó al videojuego de LucasArts Zombies ate my neighboors (1993) el cuál jugaba a mediados de los noventa en el mítico Super Nintendo.

¿Puedo recomendar esta película? Por supuesto que si, la historia está muy bien escrita, es divertida, no aburre para nada, te saca unas cuantas risas, los actores lo hacen muy bien, sobre todo los más adultos, los zombis están de la puta madre y nada más que decir, tal vez la única pega que tiene la película es que el final es un poco abrupto, pero en cierto modo es una broma final, puede que a alguno le moleste, pero luego de ver que te lo has pasado bien toda la película pues, se puede aceptar como tal y ya.

See No Evil (1971) - Richard Fleischer

Película estelarizada por Mia Farrow, dirigida además por el experimentadísimo Richard Fleischer, que entre otros títulos dirigió también Tora Tora Tora (1970) y Conan el destructor (1984). No hay mucho que decir de esta película realmente, se trata de una producción británica que fracasó en su tiempo tanto a nivel de recaudación como de crítica y las razones pues se encuentran en el guion y la historia que pretende contar.

Básicamente la historia está situada en Inglaterra y nos muestra a un tipo (aunque no vemos su rostro) que de pronto, así porque sí empieza a seguir un automóvil hasta que llega a su destino: una gran casa de campo. Ahí vemos que de este baja una familia que está acogiendo a Sarah (Mia Farrow) una ex jockey que luego de un accidente ha perdido la visión. El extraño continua merodeando la casa mientras vemos la re adaptación de Sarah a la casa de sus tíos, hasta que un día decide entrar.

Y bueno aquí vienen los spoilers, avisados están...

Lo que sucede al final del primer acto, es que Sarah sale con su ex novio de nombre Steve, aparentemente, mientas que la familia se va a algún lugar, pero en ese lapso el extraño entra a la casa y asesina a la familia. A su regreso Sarah se prepara un café y luego se va a dormir a su cuarto, evidentemente su ceguera le impide ser testigo del destino que le ha tocado a su familia, evidentemente hasta ese punto es razonable que no haya nadie en casa, pues probablemente aun no regresan.

Al día siguiente Sarah decide tomar un baño y en la bañera se topa con el cadáver de su tío, pasando en ese momento al segundo acto, que es el mejor de los tres, y mantiene la tensión con perfecta armonía narrativa, durante todos sus momentos. Tengo que añadir que es aquí que el desempeño de Mia Farrow sube varios puntos pues pasa de ser la chica ciega a ser una chica ciega aterrada y perseguida y tiene un desempeño físico mayor y de coordinación pues no puede correr o escapar como alguien normal, si no como lo haría alguien que no ve, tropezando con todo lo que esté a su paso.

El problema que tiene esta película está en su resolución y en varios puntos.

El primero, durante toda la película se ha evitado mostrar el rostro del asesino. En cierto momento empecé a creer que el novio sería el asesino, pero no tendría sentido, pues mientras la familia ha sido asesinado estaban juntos. Entonces al final cuando finalmente se descubre la identidad del asesino... ni fu ni fa, este se esconde en el baño, para intentar ahogarla en la bañera, pero finalmente aparece Steve para rescatarla y darle un par de golpes al asesino, literalmente.

Como segundo hecho cuestionable del tercer acto, es que nunca nos explican quien es el asesino, perdiendo todo sentido haber ocultado su identidad durante toda la película. Aparentemente se trataba de alguien que trabajaba para Steve, pero la película jamás lo aclara. Entonces tenemos una historia de un tipo que de buenas a primeras decidió matar a tres personas y asustar a una mujer ciega, sin motivación ni explicación alguna, porque tampoco nos explican su pasado o que razones tendría para hacerlo. Nada.

El tercer punto flojo es que tampoco nos dicen que sucede finalmente con el asesino, ni con Sarah, ni con Steve, la historia no va a ningún lugar. Simplemente vemos que retiran los cadáveres de la familia asesinada y unos cuantos curiosos miran desde afuera. Muy pobre el final de la cinta, y es una pena porque la película construye un gran suspenso que se mantiene sin decaer durante toda el segundo acto, algo que no es sencillo y esta película lo consigue y entretiene, con algunos toques de terror, todo eso bien, pero el final debería haber potenciado y resuelto la historia o en su defecto dejar cierta interrogante que genere reflexión en el espectador, pero ni uno ni lo otro.

¿Recomendaría esta película? debería decir que sí. Si eres un espectador común y silvestre, probablemente te parezca una película lenta y poco violenta, si eres un espectador medio con cierto conocimiento pues te puede parecer interesante, pero tal vez el final te deje en ascuas. Si tienes un amplio conocimiento de cine, lo mismo. El inicio no te va a parecer gran cosa, y cuando masomenos le pongas atención te vas a estrellar con el final tan pobre que tiene. Una pena habiendo tenido a Mia Farrow en el protagónico, de tener un mejor guion, esta película hubiera podido ser un gran éxito y un clásico del terror.

The Wicker Man (1973) - Fascismo y paganismo

Tenía muchas ganas de escribir desde hace algunos meses, y tenía mucho material que comentar, he estado viendo mucho cine pero por alguna razón no lograba encontrar la motivación para escribir, hasta ayer... Que pude ver por primera vez y con muchas ganas la película The wicker man.

Este film dirigido en 1973 por Robin Hardy, realizador inglés de corta producción, apenas 3 películas como director, incluyendo su última película, de temática y título similar, The wicker tree. Se trata de la adaptación de una novela del autor David Pinner, titulada El ritual (The ritual). Partiendo de estos datos es que voy a hablar sobre esta película.

Años atrás había leído el título de esta cinta por algún lado, siendo una película de terror pues desde ya me interesaba verla en algún momento. Como siempre por una cosa o por otra no pude ver la película hasta que hace unos días me topé con ella nuevamente y esta vez no se me pasó.

La he visto anoche y lo primero que debo decir es que a la película le han pasado los años y pues bueno, hay ciertos momentos que se ven un poco desfasados o tontos, pero hay que comprender el contexto en el que fue hecha, lo más obvio es mencionar que a principios de los 70 estamos en las postrimerías del movimiento hippie y esto pues tiene su marca en la película.

Rowan Morrison

La historia trata de un policía inglés que llega a una isla británica en avión, a investigar la desaparición de una niña, de nombre Rowan Morrison, que ha sido denunciada a través de una carta anónima. Hay que comprender que antiguamente no había internet ni telecomunicaciones tan desarrolladas como hoy en día, entonces una carta era un buen método si no el único para comunicarse, la policía pues no tenía como comprobar si aquello era una broma o no, y tratándose de un tema serio pues había que ir a investigar.

Al llegar al pueblo vemos que algo no cuadra, todo mundo parece extraño y nadie sabe nada sobre la muchacha desaparecida, rápidamente el policía empieza a inquietarse y a ver que lo va a tener difícil para realizar sus investigaciones, pues todo mundo aduce que debe tener el permiso de Lord Summerisle (Christopher Lee) para ello. En este punto es también dónde la película empieza a presentar algunas de sus debilidades, como los momentos de incomodidad que se hacen muy obvios, a eso me refería cuando decía que le habían pasado los años a la película.

A través del Sargento Howie, (Edward Woodward), una persona de mucha fe cristiana católica, vemos que el pueblo tiene unas costumbres muy paganas y libertinas que a ojos del oficial son de escándalo, por eso mencionaba su credo, pues desde su posición empieza a cuestionar la conducta de los lugareños. Es importante comprender que la película funciona como una reflexión sobre los conquistadores que llegaron a américa y arrasaron con los indígenas.

Sargento Howie y Lord Summerisle

¿Qué derecho tienen unos extraños de venir a un lugar y juzgar las costumbres de otra cultura? Si nos paramos a pensar no le han hecho daño a nadie con su comportamiento, si su sociedad funciona o funcionaba (en el caso de los incas por ejemplo que fueron sometidos por los españoles) ¿por qué ir a meter mano ahí? Pero bueno, fue lo que sucedió y esta película lo muestra claramente.

Es interesante ver que el policía que "representa a la ley" (¿divina?) como el mismo dice en algún momento de la película, todo lo ve negativo, evidentemente bajo su ojo cristiano y la sospecha de un posible secuestro/asesinato, pero en realidad representa al puritanismo más exacerbado y conservador que intenta por todos los medios, que son pocos, acabar con las costumbres "degeneradas" de aquel pueblo.

El aspecto visual de la película es muy de los setenta, en la versión que vi algunas tomas están un poco sobrexpuestas, no se si por deterioro o que, pero bueno, hay varias canciones dentro de la trama, que irrumpen casi a la usanza de un musical, una onda bastante hippie, pero lo más interesante para hablar del film es su final.

La gran revelación de la película es que el policía logra "infiltrarse" en la celebración "del 1 de mayo" en la cuál los lugareños hacen una serie de ritos, bailes y cánticos mientras peregrinan por varios lugares de la isla muy bonitos, para luego pasar a la entrega de sus ofrendas, es en este momento que finalmente aparece la chica desaparecida.

El sargento escondido en ese momento se quita la máscara y sale corriendo detrás de la niña, la niña le dice que tiene miedo y escapan por un caverna, pero al emerger a la superficie, nos damos con la sorpresa de que todo ha sido una trampa y que no había ningún secuestro si no que han engañado al policía con la historia aquella para que venga a voluntad y ofrecerle como sacrificio a su "dios sol" (igual que los incas) y poder tener una buena cosecha el año que viene.

La secuencia final es un inenarrable martirio lleno de suplicas en el que el policía intenta salvarse mediante el razonamiento, poniendo en tela de juicio la credibilidad del culto y de Lord Summerisle, quien hace un gesto muy interesante al ser propuesto por el prisionero como próximo a ser sacrificado como el siguiente año no mejoren las cosas, sugiriendo una posible manipulación de parte del personaje de Christopher Lee.

Al final el sargento es introducido dentro de un enorme "hombre de mimbre" (wicker man en español), dentro del cuál también hay algunos animales. Sin escapatoria decide encomendarse a su dios a la ves que el pueblo entero aplaude y canta mientras ven el fuego arder y consumir la gigantezca y siniestra figura que contraste con el sol que empieza a ocultarse.

Terrible final, pero deja mucho en que pensar, pues la película critica tanto al paganismo, por su brutalidad irracional, como al fascismo de la derecha por no su falta de respeto y tolerancia para con las tradiciones de otra cultura, un film muy a tener en cuenta dentro de sus limitaciones, pero que vale ver alguna vez en la vida, y por qué no muchas más.