A Simple Favor (2018) - Paul Feig

Rompiendo un poco con la temática de serial killers me animé a ver esta película que tenía pensado ver ya hace unos meses, el único gancho que tenía era a Anna Kendrick, actriz que me gusta, y poco más el título también se me hacía bastante misterioso, además del póster en el cuál aparece junto a Blake Lively, como coprotagonista de la cinta.

Cabe mencionar que esta película es un poco especial, pues Paul Feig es un director especializado en comedias ligeras como Spy (2015) o su remake de Ghostbusters (2016), y aunque esta película también tiene momentos de comedia, básicamente es un thriller, y aunque me maten, opino que tiene bastante de Hitchcock esta película, aunque suene grosera la comparación.

Stephanie Smothers (Anna Kendrick) es una madre soltera que se dedica a criar a su hijo al mismo tiempo que comparte consejos para madres de familia en un videoblog en internet, ella es una especie de nerd muy asidua a participar en toda actividad escolar junto a su pequeño Miles, cuestión que los otros padres critican. Un día Stephanie conoce a Emily madre de otro niño que va al mismo colegio, una mujer completamente opuesta a Stephanie, dedicada casi por completo a su trabajo y detesta las tareas del hogar, ellas se hacen amigas hasta que un día Emily le pide un 'favor sencillo': recoger a su pequeño y cuidarlo hasta su regreso.

La película logra algo que se ha visto pocas veces, mezclar con acierto la comedia y el misterio perfectamente, como hizo por ejemplo David Fincher en Fight Club (1999) pasando de la comedia a l thriller con una naturalidad asombrosa, y tal vez un poco también en La ventana indiscreta (1954) que si bien trataba sobre un testigo que vive un asesinato de primera mano, incluía una que otra broma en ciertos momentos.

A simple favor empieza como una comedia, evidentemente para esto se ficha a Anna Kendrick y a Blake Lively, además de otros actores como Andrew Rannells, como uno de los padres del colegio. Tras un inicio bastante ligero en el que vemos como se conocen nuestras protagonistas, la película se convierte en una historia de misterio cuando luego del mencionado 'favorcito' Emily desaparece, historia que Stephanie comienza a relatar a través de su canal de videos.

La verdad es que la historia está bastante interesante, aunque para un espectador de cierta experiencia, se ven venir por donde van a ir los tiros y algunos giros se pueden hacer un poco obvios, pero para alguien no tan exigente la película puede ser una experiencia bastante agradable, con momentos muy divertidos, con un misterio por descubrir y con un final que como repito, se puede hacer previsible al ojo agudo, pero también satisfactorio si te dejas llevar.

Entrando ya en spoilers, solo para el que la vio o para el que no le importe que le revele los secretos de la película, mencioné más arriba que la película tenía cierto aire hitchcockiano empezando aunque parezca una banalidad por 'la rubia problemática', Blake Lively, que desaparece en un inicio y es dada por muerta en un accidente, pero luego resulta que estaba viva que la muerta era una hermana gemela, ya por el hecho de ser rubia y la cuestión de los dobles me recuerda claramente a Vertigo (1958) aunque el concepto aquí se aplique de otra manera.

Cómo dije anteriormente este giro ya ha caído un poco en cliché, el de las 'falsas muertes', en este tipo de películas donde la desaparición de un personaje deja un misterio a su paso, siempre hay la posibilidad de que no este muerto o de que haya un gemelo, se ha visto muchas veces por ejemplo hace unos años en Perdida (2015), precisamente ahí es donde entra el ingenio de guionista y director, en saber encontrar soluciones narrativas que funcionen.

Finalmente el propósito de Emily, cuyo verdadero nombre era Hope, fingió su muerte asesinando a su hermana Faith, haciéndolo lucir como un accidente, para poder cobrar 4 millones de dólares de su seguro de vida, y abandonar su trabajo como PR de una empresa de diseño de modas para pasar más tiempo como su hijo. Finalmente Stephanie la pone en evidencia transmitiendo en vivo su confrontación final con ella a través del blog, donde confiesa los asesinatos de su hermana y de su padre en el pasado.

La verdad es que la película está bastante entretenida, está bien filmada, la historia funciona a varios niveles, como comedia, como película de misterio, como homenaje al cine de hitchcock, que para mi es evidente la deuda con el realizador inglés. Si que recomendaría esta película, por lo menos para ver una vez en la vida.

The killing of a sacred deer (2017) - Yorgos Lanthimos

Hace unos días decidí retomar después de varios años, el trabajo del director griego Yorgos Lanthimos, a quién conocí gracias a Dogtooth (2009) como ya había adelantado en la entrada anterior. Dado que está nominado al Óscar este año por La Favorita (2018), me pareció propicio abordar sus trabajos en habla inglesa, a manera de poder hacerme perspectiva de su trabajo más reciente y ver la película con un poco más de luz. 

He empezado con The Lobster (2015) que ya está comentada en el blog, y por consiguiente tocaba hablar de The killing of a sacred deer (2017), su segunda película filmada en inglés, que tiene una vez más a Colin Farrell como protagonista, acompañado ahora por Nicole Kidman. En algún futuro hablaré de sus tres primeras películas filmadas en Grecia.

Luego de la reseña anterior algunas personas me comentaron que habían disfrutado más de este film que de La Langosta, y ya en ese momento me quedé con la mosca en la oreja, así que me predispuso a ver la película con sumo interés y atención.

Esta historia toma ideas de la tragedia de Eurípides, Ifigenia en Áulide (409 AC) en la que Agamenón decide sacrificar a su hija Ifigenia debido a su que un oráculo le ha dicho que solo de esa manera vendrán tiempos mejores. En la película tenemos al Dr. Murphy (Colin Farrell) cuya extraña relación con un jovencito llamado Martin, sirve como hilo conductor de esta historia tan desconcertante.

Tenemos que El Dr. Steven Murphy vive con su esposa y sus hijos en una lujosa mansión en las afueras de la ciudad, el es cardiólogo y su esposa oftalmóloga. Al inicio de la película vemos como el doctor Murphy se reune de forma secreta con Martin, dando a entender (al menos a mi), que se trata de un hijo fuera del matrimonio, esa es sensación que da el arranque de la película un hombre maduro que recibe visitas secretas y muy bien coordinadas de un muchacho, al que lleva a almorzar y da regalos como si de un padre ausente se tratara, pero rápidamente la película nos muestra que no es así, que hay algo más.

La historia sigue avanzando, pausadamente pero sin perder interés, este tipo de ritmos en el cine suele ser recibidos por el público masivo de forma de negativa, que requiere estímulos rápidamente, pero en esta cinta el director nos va jalando a través de la curiosidad y el querer saber que hay más allá de esta relación, y efectivamente hay algo, pero para esto tendría que entrar en spoilers.

La película está muy bien filmada, tiene un aspecto bastante grisáceo, urbano, de hospital, etc. Una paleta de colores opaca que funciona muy bien con el clima enrarecido que construye la película, aquí ya no tenemos el tono deadpan de La Langosta, esta es una película que se toma en serio y que busca meter al espectador en un estado de tensión respecto de lo que va viendo en la historia.

Yorgos Lanthimos evidencia una gran admiración hacia Stanley Kubrick al que referencia de múltiples maneras, por ejemplo en aquellos trackings en reversa que solía ejecutar Kubrick por medio de dollys y steadicam, o también la aplicación del zoom in/zoom out en diversas tomas para enfatizar la observación de diversas conductas de los personajes, otro claro ejemplo es el tempo pausado de los diálogos, en el que además ningún personaje interrumpe las lineas del otro, detalle que Kubrick utiliza en gran parte de su filmografía imprimiendo una atmósfera de bastante incomodidad, que luego por ejemplo Lynch ha utilizado en su cine más maduro.

Para retomar la historia, solo si ya han visto la película, cabe mencionar que, y ahora si entro a spoilers, que las cartas empiezan a revelarse cuando el Dr. Murphy decide llevar a Martin a su casa, algo que me recordó a aquel concepto que introdujo Pier Paolo Pasolini en Teorema (1968), con el extraño que llega a una casa ajena y reconfigura el funcionamiento de aquella familia, algo que también usó Takashi Miike en Visitor Q (2001).

Luego de visitar la casa del doctor, Martin lo invita a su casa a cenar junto con su madre, ahí la madre intenta sin éxito acostarse con el doctor, pero este se retira aparentemente ofendido o incómodo. Luego de eso Martin empieza a frecuentar a Kim, la hija del doctor, enseñándole a fumar y demás, estos desarrollan una extraña relación amorosa, luego de lo cuál Bob, el hijo menor del doctor, despierta un día sin poder caminar.

La principal jugada de la película es que de alguna manera Martin tiene la capacidad de afectar a la familia del doctor Murphy ya que le responsabiliza de la muerte de su padre, razón por la cuál Murphy se portaba tan bien con Martin, pero con cierta sequedad y rechazo. Martin exige al Doctor que mate a uno de los miembros de su familia para pagar sus culpas y de ese modo su deuda estará saneada, de lo contrario uno a uno irán muriendo sus hijos, su esposa y luego él.

Curioso planteamiento de Lanthimos, que luego de haber cocinado lentamente su historia, presentando a los personajes y su situación nos revela la carta final construyendo momentos de mucha tensión y un final no menos brutal. La película nunca da explicaciones lógicas de como es que Martin tiene estos poderes, lo cuál puede ser tomado como una debilidad, pero por una parte está bien, porque es entrar en terreno pantanoso y en algo que no cuadre la película se cae. Por el contrario hay cierto momento que sugiere que Martin es un ser sobrenatural.

La película está muy bien realmente, una gran opción para salir de la parafernalia 'hollywoodense' a la que estamos sometidos. Con pocos medios, aunque grandes actores eso sí, Yorgos Lanthimos consigue un producto de altísimo valor narrativo, que deja mucha tela que cortar a la hora de analizar la historia y los conceptos que deja luego del final en el que la familia se reencuentra nuevamente en el restaurant al que iban a comer Martin y el Dr. Steven Murphy, para ver que Bob no se encuentra con ellos, por lo que siendo el menor ha sido sacrificado.

¡Totalmente recomendable!

The Lobster (2015) - Yorgos Lanthimos

Conocí a Yorgos Lanthimos hace varios años a través de su película Dogtooth (2009), la cual estuvo nominada al Óscar a la mejor película extranjera en 2011, compartiendo terna nada menos que con Incendies de Denis Villeneuve, Biutiful de Alejandro Gonzalez Iñárritu y con In a better world de Sussane Bier que finalmente se terminó llevando el premio de la academia.

Al ver aquella película inmediatamente uno nota que se trata de algo especial, más allá de ser una producción de presupuesto corto y de apenas 5 actores principales, claramente la historia se distancia totalmente de cualquier película minimalista de similares características por la historia que plantea, la de una familia cuyos hijos no conocen el mundo fuera del muro que rodea su casa.

Dicha película filmada en Grecia supuso la puerta de entrada de Lanthimos al mundo occidental del cine, debutando con una producción de habla inglesa en 2015 titulada en español La Langosta, título tan misterioso como poco atractivo (para mi), que por alguna razón nunca me llevó a ver la película protagonizada por Colin Farrell.

Lamentablemente no puedo seguir profundizando en la película y sobre todo explicar la naturaleza del título sin revelar detalles importantísimos que es mejor recibir directamente viendo la película, así que si no la has visto, ándate a verla ya mismo y luego regresas por aquí si así lo deseas, si no pues prosigo con la idea.

La película empieza con una desconcertante escena en la que una mujer conduce por una carretera hasta que se detiene para bajar del automóvil y matar a balazos a una animal que está pastando fuera de la autopista, ese comienzo no dice mucho pero luego toma cierto sentido cuando es revelado el concepto de la película.

Colin Farrell es un sujeto que se marcha de su casa luego de, aparentemente, haber sido victima de la infdelidad de su esposa, y se instala en un hotel situado en medio de un bosque. Resulta que dicho hotel acoge a personas solitarias que van a buscar el amor, pero ahí no queda la cosa, tienen 45 días para enamorarse sinceramente de alguien, de lo contrario serán convertidos en cualquier animal que ellos escojan (el protagonista elige una langosta, de ahí el título). ¿Original no? Además cada huésped puede 'ganar' días adicionales durante una especie de cacería en la que capturan a fugitivos solitarios que viven en el bosque mediante dardos sedantes.

La película está filmada de forma muy minimalista, algo que ya se había visto en el trabajo anterior de Lanthimos, en Dogtooth por ejemplo, pero que además y aquí en mi opinión se nota mejor, potencia muy bien la comedia que plantea la película, un humor muy seco, por momentos un poco más obvio, pero siempre elegante que impone La Langosta. El bigotito de Farrell y su expresión (muy en deuda con Buster Keaton) es impagable.

Tenemos una fotografía fría que utiliza un poco tonos azulados y pasteles, pero que contrapone con algunos matices rojos que resaltan la ligera violencia que tiene la película, los colores de la película funcionan muy bien, ayudan a mantener la atmósfera absurda y de falsa seriedad que tiene la película, algo que funciona en conjunto con la banda sonora cuyo leitmotiv parece sacado de alguna partitura de suspenso pero que funciona para redundar en la ridiculés de algunas escenas.

No voy a mentir, esta película no es para todo mundo, tanto por la historia, la premisa, el humor y el ritmo, pero si se le da una oportunidad y esto ya depende de cada uno, sentarse a verla detenidamente, creo yo que no deja insatisfecho al espectador. Es una película hecha con talento que ofrece un concepto bastante alejado de lo común, si estás habituado al cine menos convencional esta película no te va a decepcionar.

La recomiendo con total seguridad, cine de calidad, cine atípico que busca refrescar el panorama actual entre tanto bodrio y repetición cansina de ideas del pasado, vale la pena descansar un rato de la maquinaria y darse un aire fresco. Por cierto el final de la película es bastante interesante, va a dejar pensando a más de uno.

Widows (2018) - Steve McQueen

Steve McQueen es un director británico que apareció hace ya varios años de la mano con Michael  en Hunger (2008), película que se basaba en un hecho histórico, aquel sobre los prisioneros irlandeses de principios de los 80 que encadenaron una serie de huelgas de hambre durante meses para lograr su liberación.

Posteriormente logro mayor notoriedad con Shame (2011), un drama también con Fassbender como protagonista, que cuenta la historia de un hombre cuya adicción compulsiva al sexo empieza a conducirlo por una espiral de autodestrucción. En 2013 estrenó 12 años de esclavitud que ya puso a Steve McQueen en primera plana, con una película que toca el sensible tema del racismo en Estados Unidos, logrando el Óscar a la mejor película, y por cierto uno también para Lupita N'yongo como actriz de reparto.

Han pasado 5 años de aquella cinta y el realizador inglés ha regresado con Widows, un drama que intenta mezclar con elementos del cine de mafias o de conspiración política, que tiene un gran elenco liderado por mujeres básicamente, con hombres como secundarios, algo muy de los tiempos actuales. Entre las protagonistas están Viola Davis y Michelle Rodriguez, mientras que como soporte tenemos a Colin Farrell, Liam Neeson y al octogenario Robert Duvall.

La película cuenta la historia de cuatro atracadores que son abatidos en un almacén por agentes de la policía tras haber robado 2 millones de dólares que pertenecen y son para la campaña de Jamal Manning (Brian Tyree Henry), candidato afroamericano a concejal del pueblo, rival de Jack Mulligan (Colin Farrell) quien aparentemente está involucrado en ese robo. Las viudas de los asaltantes fallecidos deciden unirse comandadas por Veronica Rawlings (Viola Davis) para 'recuperar' el dinero, obligadas por Manning y su hermano (Daniel Kaluuya).

La historia en sí misma es atractiva y tiene bastante personalidad a nivel visual, McQueen demuestra gran destreza con la cámara y buen manejo de las atmósferas, pero la historia me resulta un tanto inverosímil para tratarse de un drama serio, no es creíble que tres amas de casa asalten un local de campaña y se lleven 5 millones de dólares, pero a pesar de eso la película funciona bien y se hace creíble gracias a sus muy buenas actuaciones.

La música, a pesar de estar a cargo de Hans Zimmer, no destaca especialmente, pero la fotografía si que imprime ese aspecto decadente y descolorido propio de las historias negras, muy similar a Hunger por ejemplo. De hecho, el guion está a cargo de Gillian Flynn, prolífica novelista y guionista que trabajó en la adaptación de su novela Perdida (2014), evidencia del carácter de la historia.

En general las actuaciones son las que destacan por sobre todo, Colin Farrell, Robert Duvall, Viola Davis están muy bien, y en especial me llamó la atención el trabajo de Cynthia Erivo, novata actriz británica que aquí hace un excelente papel de madre soltera, peluquera y niñera, que en determinado momento asume un papel crucial en el atraco final de la película.

La verdad, es que si recomiendo la película, se pasa un buen rato, pero me parece que no es lo mejor que he visto de Steve McQueen, al final hay un giro interesante en la historia que vale la pena descubrir, pero más allá del drama y profundidad que se intenta imprimir a la historia no deja de ser una historia de asaltantes que busca ir más allá, pero termina quedando un poco en tierra de nadie, a pesar de lo cuál no deja de estar bien la película.

Essential Killing (2010) - Jerzy Skolimowski

Film protagonizado por Vincent Gallo, como un fugitivo árabe que huye de alguna fuerza militar en una zona rural durante el invierno. Una premisa bastante abstracta si se quiere, que busca ir a la vena del sentir humano casi sin referencias de contexto.

El director aduce que buscaba no politizar la película en base a omitir todo tipo de referencias, aunque esto resulta inútil, o bien una mentira, lo cierto es que Vincent Gallo siendo un actor americano calza perfectamente como hombre árabe.

La película intenta ser un acercamiento bastante minimalista a la experiencia de un fugitivo, casi no hay diálogos en la película, de hecho no hay intercambio de palabras, por cuestiones de guión, siempre unos actores se dirigen a otro sin recibir respuesta, lo cuál pudiendo ser algún tipo de metáfora interpretable a gusto de cada quién, queda perfecto en el guion.

A mi criterio la película tiene sus virtudes como también algunos defectos, si bien la premisa es bastante interesante, además del gancho que me jaló para verla (sin mencionar al director claro) que fue la Coppa Volpi que mereció la interpretación de Vincent Gallo en la edición de 2010 de Venezia, sin decir una sola palabra. La película deja bastante en evidencia que tal galardón es muy merecido.

De hecho el papel que ofrece aquí Vincent Gallo es bastante exigente, tanto físicamente pues tuvo que filmar descalzo y mal vestido en un bosque cubierto de nieve, así como diversas escenas de bastante demanda física, por otro lado hay momentos dónde se ve inmerso en evocaciones del pasado, las cuáles si bien son apoyadas con imágenes oníricas obligan al actor a expresar con el rostro la pesadumbre del personaje.

La dirección de la película es bastante competente, de hecho Jeremy Thomas (The rocky horror picture show, Bad Timing, Crash) alentó a Skolimowski a engrandecer la producción de la película, por lo que fueron posibles tomas de helicoptero, grua, cámara al hombro y diversas técnicas de filmación, lo cuál da más valor de producción a la película al ya no tratarse nada de más de un modesto film independiente europeo.

Entonces que falla en la película al tener una impecable producción (si hasta se recrearon varios ambientes militares y persecuciones tácticas), sencillamente y voy dejar en claro que esta es mi valoración personal, pues aquí ya entra el criterio de cada uno, y podría ser que me equivoque, pero daré mis argumentos de porque la cinta para mi no es más que una película del montón.

Suena un poco fuerte, y hasta atrevido de mi parte si consideramos que Essential Killing se llevó además el Premio Especial del Jurado en Venezia 2010. Pero en mi opinión la película se queda a medio camino entre una película de espionaje/thriller y una película contemplativa europea.

El principal problema para mi es el guion. Durante toda la historia se dan muchas casualidades que hacen progresar la historia, por poner un ejemplo aislado, en cierto momento el protagonista se encuentra perdido y sin esperanza de sobrevivir, y de pronto se encuentra a dos militares distraídos en un automóvil, evidentemente el personaje tiene la capacidad de aprovechar esto para continuar su camino luego de 'deshacerse' de aquellos dos hombres, esta escena no se sostiene ni con pinzas, pero coincidencias de esas suceden varias en la película.

La historia se apoya mucho en sucesos muy precisos que no resultan creíbles, y se suceden "uno detrás de otro", que es como suelo referirme a este tipo de recursos que a veces usan los guionistas para darle movilidad a su historia con facilidad, pero sin sustancia. Pero sobre todo, si bien el objetivo del protagonista, de acuerdo a como lo plantea el director es sobrevivir, realmente el insurgente árabe no tiene ningún propósito establecido, lo cuál nos hace partícipes de su travesía sin tener idea de a dónde va. Tal vez esto último pueda ser ambiguo, y no necesariamente un error.

Además de eso, la película se aletarga por momentos, prolongando escenas dónde el personaje reflexiona sobre su existencia, que se hacen como mínimo pesados. Constantemente le vemos al tipo solo y perdido, sin saber que hacer y remitiéndose a los recuerdos de una esposa en su país natal tal vez, tal vez podríamos aceptar que su objetivo es sobrevivir para regresar al encuentro del ser amado.

En mi opinión se debería a haber construido una historia un poco más "interesante", para reforzar la historia de supervivencia. Es aquí que debo mencionar la secuencia final, en la que aparece la actriz francesa Emmanuelle Seigner, que precísamente hace de muda, que además también aparece por casualidad en el camino del protagonista, en este momento para mi se desperdicia algo que podría haber sido el momento de más potencia y profundidad de la película.

De pronto Vincent Gallo llega a una cabaña en medio de un bosque helado, y ve como una mujer expulsa de la misma a dos borrachos, él, que está malherido y no da más llega a tocar la puerta en busca de ayuda, la mujer le abre con un poco de temor y lo cobija. Luego de revisarlo, curarle las heridas y ofrecerle un poco de comida, además de un pequeño momento de tensión en el que llegan militares a preguntar por el fugitivo (¡y que con semejante amenaza suelta ni siquiera piden permiso para revisar la cabaña!), se miran un rato, luego el árabe se para y se retira en un caballo que ella le obsequia.

Ese momento para mi fue un tanto decepcionante porque se desaprovecha aquel choque de dos realidades (el terrorista y la ama de casa muda), para ofrecer un pequeño momento mágico, y en lugar de eso la escena queda bastante vacía y de trámite.

A mi se me ocurre algo como que la mujer está sacando de la cabaña a su marido, al cuál detesta además de soportar sus golpes, y que luego de curar al hombre por puro instinto humano y maternal si se quiere, le deja ir, este en agradecimiento va y busca al marido ebrio y lo mata, después de todo lo que se ha visto el tipo no puede ser incapaz de aquello. Este hubiera sido un planteamiento mucho más interesante a mi modo de verlo, generas un nexo entre ambos personajes y hay un pago por la ayuda, sin escenitas de amor ni tonterías.

En general, el concepto de la película tiene mucha tela para cortar, pero el planteamiento en el guion no me resulta convincente, la película se siente larga y dura solo 84 minutos. Visualmente está muy bien, tiene buenos momentos de tensión, pero estos se ven mermados por otros que ralentizan los sucesos.

Jerzy Skolimowski dice que lo que quería plasmar en su película era la historia de un hombre que se ve forzado a matar en busca de sobrevivir, si el personaje hubiera sido una secretaria no hubiera sido creíble, por eso se emplea a un terrorista islámico o algo por el estilo, incluso hasta ese hombre que debe haber matado a docenas de hombres en nombre de Allah, es capaz de conmoverse y llorar luego de forzar a punta de pistola a que una mujer que está dando de lactar a su bebé lo amamante a él también pues lleva días sin comer nada, ¡simplemente brutal!

La película podría haber sido mucho más impactante, sin descuidar los conceptos que se querían abordar y manteniendo la misma premisa, añadiendo un poco de narrativa y diseñando mejor algunas escenas, pero bueno, cada quién entiende el cine a su manera y esta es la mía.

Cómo comentario final quería añadir que mientras vi la película no pude evitar recordar la película El renacido (2015), "un tipo perdido en un bosque nevado tratando de sobrevivir", ¿bastante similar no? No me sorprendería que Alejandro González Iñárritu hubiera tomado algunas ideas de esta película de 2010, que tienen bastantes momentos muy similares, si bien aquí no hay osos.

Bird Box (2018) - Sussane Bier

En este caso muchos han dicho que no vale mucho, que bebe de otras películas, que está muy buena, que no es nada del otro mundo, una vez más vengo a dar puntos por los cuáles en mi opinión no es preciso irse a los extremos con esta producción.

Bird Box es un reciente estreno de Netflix que ha tenido bastante acogida, como es usual en la plataforma digital cuyo público es mayoritariamente joven y desmesurado, para o bien o para mal, salen rápidamente defensores y detractores por igual a valorar una película (o serie) con bastante más tripa que seso.

En principio tengo que decir, que es una película muy entretenida, cumple su propósito, generar interés y se hace muy visionable, para nada aburre. ¿Qué la película repite ideas de otras películas? Si ¿Es esto un demérito? No. Si bien no hay nada innovador en la historia de la película, dentro de su propuesta cumple como fuente de entretenimiento.

La historia es muy similar a la novela Cell de Stephen King, de pronto, sin razón alguna la gente empieza a enloquecer de manera masiva (y a suicidarse violentamente), la 'epidemia' que empieza en Rusia, pronto llega a los Estados Unidos donde Sandra Bullock, que interpreta a Malorie, una artista embarazada que en un inicio se muestra apática respecto a la desgracia cuando la ve por televisión.

La locura estalla en el hospital dónde Malorie ha ido a hacerse su control. Luego de perder a su hermana (Sarah Paulson) que se ha visto imbuida por esta 'posesión' termina dentro de una casa con un grupo de extraños, y aquí claramente entramos en la configuración clásica de las películas de George Romero: Un grupo de extraños escondidos en una casa.

El otro protagonista de la historia es Trevante Rhodes (Moonlight, The Predator), actor afroamericano, también en referencia a la innovadora jugada de Romero en su Night of the Living Dead (1968), dónde el héroe era negro. Otros nombres del elenco incluyen a John Malkovich como contraparte conflictiva, y una sosegada Jacki Weaver.

El concepto de la película ha sido comparado por muchos con la película A Quiet Place por la actitud sigilosa de los protagonistas al moverse dentro de sus entornos, con la diferencia de que en aquella película los personajes tenían que guardar silencio, mientras que aquí cerrar los ojos. Por otra parte en Bird Box hay una especie de entidades  espectrales que toman posesión de sus huespedes a través de la vista, en la película de John Krasinski se trata de criaturas reales que pueden tocarte y devorarte. En mi opinión ninguna tiene nada que ver con la otra.

En cierto momento de la historia hay otra referencia a George Romero con aquella incursión en un supermercado tan usual que se ha convertido en un cliché en las películas de temática 'post-apocalíptica', recientemente se vió en la serie The Walking Dead o en películas como La Niebla (2007).

El guion de la película es bastante sólido, cada acto está equilibrado y muy bien definido, la película no tiene escenas aburridas o sobrantes, los diálogos incluso están batante bien, en ese sentido las interpretaciones están más que bien, todos los actores le ponen empeño, en especial John Malkovich y la propia Sandra Bullock.

Para terminar debo decir que algo que me sorprendió muchísimo era la calidad visual y narrativa de la película, y grande fue mi sorpresa al notar quién dirigía esta cinta, nada menos que Sussane Bier, la cineasta danesa quien en 2011 se llevó el Óscar a la mejor película extranjera por In a better world (2010), sabia decisión de Netflix el haber asegurado a una realizadora de semejante calidad para evitar desastres como ya se ha visto antes en otras de sus producciones.

En general, se trata de una película que toma muchas cosas de material previo, pero que lo utiliza de manera ingeniosa y con un guion cohesivo logra una película bastante estimable. Dado que se trata de una película nueva, pues no ahondaré mucho en la historia, pero realmente vale la pena darle una oportunidad para un domingo por la tarde o quizá un sábado en casa está bastante bien.

Todos lo saben (2018) - Asghar Farhadi

Esta es la octava película de Asghar Farhadi, director iraní que saltó a la fama tras adjudicarse el Óscar a la mejor película extranjera en 2012 por La separación (2011). Hace un par de años volvió a llevarse el mismo premio por El cliente (2016) además del premio a mejor guion en el Festival de Cannes de aquella temporada.

Antes de entrar en materia debo comentar unas cosas, conocí el cine de Asghar Farhadi precísamente por el oscar que le mereció La separación, y al verla quedé maravillado el realismo y cercanía que proyectaba aquella historia de un matrimonio que por desavenencias decidía terminar su relación, un tema universal que puede aplicar para cualquier pareja del mundo, sea heterosexual o no incluso, pero que gana mucha potencia e interés con el matiz que añade la sociedad iraní como contexto.

Posteriormente vi su siguiente película El pasado (2013) y aquí lo interesante era que si bien seguía abordando conflictos de pareja, introducía algo nuevo, la relación entre franceses y árabes. Luego pude ver una película un poco más antigua Sobre Elly (2009), la cuál me dejó maravillado porque además de mostrar también de cerca la realidad de Irán, su guion muy apoyado en el suspenso y trabajado al milímetro, hacen de la película una experiencia trepidante.

A partir de ahí me convertí en fanático empedernido del señor Farhadi y me ví todas las películas que pude conseguir de él. Su trabajo tiene varias constantes, los conflictos emocionales en las relaciones de pareja, los fallos de la sociedad iraní, las diferencias entre hombres y mujeres como fuente de conflicto, y sobre todo casi todas sus películas tienen una marcada aura de suspenso que siempre se basa en la ruptura de las convenciones y normas sociales.

Entonces tenemos que este señor ha dirigido seis películas en Irán y una en Francia. No siendo su primera película fuera de Irán, si se trata de la primera totalmente desconectada de Irán o de la realidad iraní, en este caso se trata de una película española. Siempre me imaginé que podría regresar a filmar a francia, o quizá al no ser una posibilidad Estados Unidos, ir al Reino Unido para filmar en inglés, pero jamás me imaginé que su siguiente proyecto se tratara de una película en español.

Además no solo eso, si no que los protagonistas son nada más y nada menos que Penelope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín. ¿Fuerte no? Debo decir que cuando me enteré de aquello estaba excitadísimo, quería ver la película ya mismo, lo cuál no me ha sido posible si no hasta hace un par de semanas.

Entonces, dicho todo lo anterior ¿qué me ha parecido la película?¿La recomiendo?¿Es buena, es mala? La verdad es que no es facil contestar, pero debo adelantar que la película me ha dejado un tanto decepcionado, y me jode porque tenía todos los elementos para ser un nuevo hito dentro de su carrera, pero lo cierto es que Asghar Farhadi ha dado un traspié con Todos lo saben.

No solo lo digo yo, la crítica ha recibido con cierta frialdad este trabajo, por citar una muestra, solo un 64% la recomienda en Rotten Tomatoes, con una puntuación de 6.3/10, mintras que en Filmaffinity tiene una media de 6.7/10. Es claro que es su trabajo más flojo en muchos años, sobre todo cuando ya nos tenía acostumbrados entregar cintas de altísima factura.

Para entender cuáles son los fallos como los veo yo, hay que fijarnos en ciertas decisiones que voy a tocar una tras otra.

Los errores para mí empiezan con la idea de ir a filmar a España, se opta por un pueblo retirado de la ciudad un poco similar a los escenarios modestos que se ven en sus películas iraníes. El problema no es tanto que se filme en España, que además es una sociedad ajena a Farhadi, más bien el tema es que la película tiene una estructura bastante similar a sus películas anteriores, por ejemplo Sobre Elly, que empieza con una secuencia larga de un paseo, dónde los personajes van compartiendo un momento en familia, que se mantiene durante media hora hasta que aparece el gran detonador dramático.

Todos lo saben empieza con una larga secuencia dónde Laura (Penelope Cruz) regresa a su pueblo natal luego de años de vivir en Argentina, evidentemente Ricardo Darín hace del esposo, como secundario. En esa comunidad se va a celebrar un matrimonio, durante el cuál va a suceder el desencadenante de toda la tensión dramática. En Sobre Elly hay varias parejas durante un fin de semana en la playa, aquí se trata también de varias parejas durante un matrimonio celebrado en las afueras de la ciudad. Premisas bastante similares.

Entonces Asghar Farhadi dedica muchos minutos de la película a presentarnos muchos personajes pertenecientes a una realidad que no es la suya y con la que el mundo (sobre todo de habla hispana) está bastante más familiarizado, razón por la que se hace un poco extenso e innecesario, a diferencia de sus películas anteriores pues la realidad iraní es bastante más obscura para el espectador occidental. El resultado es una arranque ralentizado y poco matizado por los personajes, los cuales el director suele aprovechar para adelantar ciertos conflictos internos generando interés en el espectador.

El segundo problema que tiene la película es que indudablemente repite conceptos del pasado, especialmente en el caso de Sobre Elly, el incidente incitador es tal cuál, el mismo recurso dramático. Otro concepto, que además es usual en la filmografía de este creador, es el de la 'mujer problema', en muchas de sus películas las acciones de la mujer desencadenan toda la historia, o entorpecen los objetivos de los protagonistas. Pero en esta película se repiten muchas ideas de Sobre Elly.

Las actuaciones son otro punto decepcionante, cumplen, pero no destacan, y lo más lamentable es que tenemos a tres pesos pesados de la interpretación, pero que aquí están desperdiciados, el peor caso es el de Darín, que tiene un personaje bastante desdibujado que no le da oportunidad a mostrar sus mejores registros. Javier Bardem está un poquito mejor, pero sin destacar, y Penelope Cruz está bastante mejor que ambos, pero tampoco da para mucho.

La historia es otro punto flojo, pues en determinado momento se hace predecible y eso es algo que a este señor no se le puede perdonar, no se le puede perdonar, por el talento descomunal que ha mostrado en entregas previas, es por esto que la película es decepcionante para mi, y para muchos otros.

Ahora, ¿se trata de una mala película? Pensándolo pues realmente no lo es, si se tratase de una ópera prima, diría que se trata de una gran película (ni así da para "obra maestra"), pues tendría mucho mérito el haber conseguido todo aquello siendo un director novel, pero en el caso de Asghar Farhadi es increíble que haya cometido semejante despropósito.

En términos de la propia película, realmente es interesante, pero no deja de tener un arranque lento, tiene muchos giros que generan interés, pero no deja de tener una resolución floja y predecible. El apartado visual está muy conseguido y es muy agradable a la vista, pero las actuaciones no convencen, en conclusión estamos ante una película mediocre, yo lo siento mucho pero tengo que decir las cosas como son, tal vez alguien que la haya visto y no conozca el trabajo de Asghar Farhadi, pensará que estoy equivocado que exagero, pero yo digo que no, las fallas están ahí, cuando vez películas como La Separación o El pasado, ves una potencia en sus conceptos que aquí no están ni por asomo, y menos con la originalidad que si tienen las otras.

Para terminar, debo decir que si eres alguien que está comenzando a ver cine de calidad, cine independiente, cine europeo, extranjero, etc. pues esta película si está bien para ver una vez, pero lo cierto es que se trata de un tropiezo para su director, el cuál espero que se tome su tiempo para idear una nueva historia que tenga la fuerza y una pizca de originalidad y consiga la tan ansiada Palma de Oro por la que ya ha competido en varias ocasiones y le ha sido esquiva.

Por cierto, el título es malísimo, depedaza la trama.

Bilbao (1978) - Bigas Luna

Hace unos días he vuelto a ver Bilbao, película a la que llegué gracias a la recomendación de Manolito. Se trata de la segunda película del realizador catalán Bigas Luna, desaparecido cinco años atrás. En esta obra exploraba los rincones más oscuros de la mente humana con una historia sumamente audaz, pero muy necesaria para los tiempos que se vivían en la España post franquista.

A mediados de los setenta España regresaba a la democracia, luego de haber estado a merced de Francisco Franco durante más de cuatro décadas. Muchos artistas aprovecharon la muerte del dictador para expresar con libertad sus inquietudes, el cine no estuvo exento de esto y es ahí dónde se enmarca la aparición de esta gran película.

La película gravita en torno a tres personajes fundamentales, el principal es Leo, interpretado por el inquietante Angel Jové, de rostro pétreo, un personaje que solo dice cuatro palabras en toda la película, el resto del metraje se dedica a divagar dentro de su mente, haciendo partícipe al espectador de sus pensamientos.

Esta estructura de tres personajes no es usual, pero ayuda a mantener una cohesión y solidez narrativa, sobre todo refuerza la inmersión del espectador y se utiliza para desarrollar una historia compacta que intenta abordar al interior de los protagonistas, es decir muy acertada para historias íntimas. Algunos ejemplos de este tipo de construcción pueden ser La Mosca (1986) o Ghost, la sombra del amor (1990).

La cinta nos sitúa (y en cierto modo ocurre) dentro de la cabeza del protagonista, un hombre de mediana edad que sale a vagar diariamente por las calles para escapar de su realidad, vive con María una mujer madura que es la amante de su tío, quien le ha obligado a vivir con ella a cambio de mantenerle (alejado de la familia). En una de esas salidas Leo ve a una prostituta en la calle llamada Bilbao, es aquí que empieza la historia.

El director que a su vez es el guionista, adaptó un relato propio narrado en primera persona, lo cuál obliga a que la narrativa de la película sea similar, de hecho está perfectamente justificado el recurso, sin embargo en mi opinión se termina abusando un poco, hubiera sido un poco más equilibrado dejar más secuencias mudas o en su defecto añadir diálogos, pero de cualquier modo la película funciona.

Es interesante hacer una pequeña comparación entre Bilbao y Taxi Driver (1976), pues ambas películas están contadas desde el punto de vista de su protagonista, ambas muestran una realidad urbana decadente, que además si bien distintas, ambas retratan la pesadumbre de los años 70, ambas tratan sobre la obsesión y sobre todo ambas muestran personajes retraídos en busca de tomar acción frente a su realidad.

Angel Jové

Uno de los puntos fuertes de la película es la interpretación de Angel Jové, quien no era actor si no más bien artista conceptual de la época, quien aceptó aparecer en el film por ser amigo de Bigas Luna, pero que a la pos fue una elección acertadísima, casi pareciera que la película trata sobre el mismo y no sobre un personaje, esto es lo que le da bastante credibilidad al retrato que plantea el director.

Las dos mujeres que aparecen junto al protagonista también son elecciones muy certeras. María Martín como aquella actriz en retiro que acompaña a Leo, que además es una especie de madre, y que tiene una serie de fetiches que obliga a Leo a hacer realidad, funciona perfectamente como contrapunto de Leo, pues en cierto momento de la trama los papeles se invierten e intercambian fortaleza y debilidad según que situación.

Isabel Pisano que hacer de Bilbao es una elección de casting muy curiosa, porque no se trata de una mujer especialmente bella, ni atractiva, más bien parece un vampiro, algo muy curioso pues casi nunca aparece de día. Esta decisión a mi modo de ver busca evitar que el publico idealize al personaje, haciendo más extraño y ajeno el interés de Leo por esta mujer.

La música de la película es otro punto positivo calza perfectamente y acentúa sobremanera aquel clima enrarecido que rodea a Leo, es interesante además que todos los temas son distintos, los cuáles incluyen el leitmotiv de Leo en la Rapsodie Espagnole de Maurice Ravel, o el tema I feel love de Donna Summer (en colaboración con Giorgio Moroder), que acompaña las apariciones de Bilbao en un night club.

La película deja dos imágenes para la eternidad sobre los últimos 30 o 35 minutos (que no menciono para no arruinar la experiencia), tiene un personaje intrigante, y sobre todo los temas que toca como el fetichismo, el voyerismo, la obsesión malsana por otra persona, el acoso callejero, todos temas tan actuales como dignos de mostrar en la pantalla. De más está decir que un proyecto como este sería totalmente imposible de sacar adelante en la España de hoy en día, convulsionada con tanto debate absurdo sobre la opresión contra las mujeres.

Bilbao, no es exactamente un 'peliculón', pero si la recomiendo, por lo menos hay que verla una vez en la vida, si eres fanático del cine de psicópatas y obsesiones pues esta es tu película. Parte importante de la cinematografía española, y patrimonio cultural sin lugar a dudas.

See No Evil (1971) - Richard Fleischer

Película estelarizada por Mia Farrow, dirigida además por el experimentadísimo Richard Fleischer, que entre otros títulos dirigió también Tora Tora Tora (1970) y Conan el destructor (1984). No hay mucho que decir de esta película realmente, se trata de una producción británica que fracasó en su tiempo tanto a nivel de recaudación como de crítica y las razones pues se encuentran en el guion y la historia que pretende contar.

Básicamente la historia está situada en Inglaterra y nos muestra a un tipo (aunque no vemos su rostro) que de pronto, así porque sí empieza a seguir un automóvil hasta que llega a su destino: una gran casa de campo. Ahí vemos que de este baja una familia que está acogiendo a Sarah (Mia Farrow) una ex jockey que luego de un accidente ha perdido la visión. El extraño continua merodeando la casa mientras vemos la re adaptación de Sarah a la casa de sus tíos, hasta que un día decide entrar.

Y bueno aquí vienen los spoilers, avisados están...

Lo que sucede al final del primer acto, es que Sarah sale con su ex novio de nombre Steve, aparentemente, mientas que la familia se va a algún lugar, pero en ese lapso el extraño entra a la casa y asesina a la familia. A su regreso Sarah se prepara un café y luego se va a dormir a su cuarto, evidentemente su ceguera le impide ser testigo del destino que le ha tocado a su familia, evidentemente hasta ese punto es razonable que no haya nadie en casa, pues probablemente aun no regresan.

Al día siguiente Sarah decide tomar un baño y en la bañera se topa con el cadáver de su tío, pasando en ese momento al segundo acto, que es el mejor de los tres, y mantiene la tensión con perfecta armonía narrativa, durante todos sus momentos. Tengo que añadir que es aquí que el desempeño de Mia Farrow sube varios puntos pues pasa de ser la chica ciega a ser una chica ciega aterrada y perseguida y tiene un desempeño físico mayor y de coordinación pues no puede correr o escapar como alguien normal, si no como lo haría alguien que no ve, tropezando con todo lo que esté a su paso.

El problema que tiene esta película está en su resolución y en varios puntos.

El primero, durante toda la película se ha evitado mostrar el rostro del asesino. En cierto momento empecé a creer que el novio sería el asesino, pero no tendría sentido, pues mientras la familia ha sido asesinado estaban juntos. Entonces al final cuando finalmente se descubre la identidad del asesino... ni fu ni fa, este se esconde en el baño, para intentar ahogarla en la bañera, pero finalmente aparece Steve para rescatarla y darle un par de golpes al asesino, literalmente.

Como segundo hecho cuestionable del tercer acto, es que nunca nos explican quien es el asesino, perdiendo todo sentido haber ocultado su identidad durante toda la película. Aparentemente se trataba de alguien que trabajaba para Steve, pero la película jamás lo aclara. Entonces tenemos una historia de un tipo que de buenas a primeras decidió matar a tres personas y asustar a una mujer ciega, sin motivación ni explicación alguna, porque tampoco nos explican su pasado o que razones tendría para hacerlo. Nada.

El tercer punto flojo es que tampoco nos dicen que sucede finalmente con el asesino, ni con Sarah, ni con Steve, la historia no va a ningún lugar. Simplemente vemos que retiran los cadáveres de la familia asesinada y unos cuantos curiosos miran desde afuera. Muy pobre el final de la cinta, y es una pena porque la película construye un gran suspenso que se mantiene sin decaer durante toda el segundo acto, algo que no es sencillo y esta película lo consigue y entretiene, con algunos toques de terror, todo eso bien, pero el final debería haber potenciado y resuelto la historia o en su defecto dejar cierta interrogante que genere reflexión en el espectador, pero ni uno ni lo otro.

¿Recomendaría esta película? debería decir que sí. Si eres un espectador común y silvestre, probablemente te parezca una película lenta y poco violenta, si eres un espectador medio con cierto conocimiento pues te puede parecer interesante, pero tal vez el final te deje en ascuas. Si tienes un amplio conocimiento de cine, lo mismo. El inicio no te va a parecer gran cosa, y cuando masomenos le pongas atención te vas a estrellar con el final tan pobre que tiene. Una pena habiendo tenido a Mia Farrow en el protagónico, de tener un mejor guion, esta película hubiera podido ser un gran éxito y un clásico del terror.

The Medusa Touch (1978) - Jack Gold

Ando poniéndome al día en cuanto a cine de terror de los 70 y 80, y entre una que otra película he descubierto esta pequeña joya titulada The medusa touch dirigida por Jack Gold, quien entre muchas producciones para la televisión británica dirigió por ejemplo, la película Escape de Sobibor con el afamado actor holandés Rutger Hauer. Entre los principales actores del elenco se encuentra Lee Remick, Lino Ventura y como contrapunto un muy buen Richard Burton.

Si bien la película no es de terror precisamente, si se trata de un thriller que empieza como policial común y corriente pero termina por caer más en el terreno sobrenatural. La película en su tiempo dividió al público por una parte estuvo en competición por el premio Saturn a la mejor película, (el cual se entrega a películas de corte fantástico, sea terror, ciencia ficción o fantasía pura y dura) pero para Roger Ebert fue la peor película del año. Coincidentemente aquel año el Saturn se lo llevó The wicker man, película que ya comenté en mi anterior entrada.

Sin revelar nada de la película puedo adelantar que está bastante entretenida, evidentemente se trata de un film de finales de los setenta y tiene un tempo distinto por la época, pero si eres paciente y sabes darle una oportunidad la película no aburre y se hace muy visionable, tenemos unas actuaciones que están bastante bien, Lino Ventura tiene un carisma impresionante y está realmente acertado como el Inspector Brunel, por otra parte Lee Remick y Richard Burton también cumplen, no se trata de las mejores actuaciones de la historia, tampoco los personajes, pero dentro de lo que cabe está bastante bien.

Visualmente la película no rompe mucho los moldes pero está bastante bien narrada. la banda sonora acompaña y entona perfectamente la historia. En general todos los apartados técnicos está bien sin ser notables.

La historia de la película empieza con el asesinato de un hombre de nombre Morlar (Richard Burton) que mira por televisión el fallido alunizaje de una misión espacial americana. Vemos el crimen, pero no al asesino. La forma más clásica de empezar un policial, y de hecho el resto de la película salvo por los matices de la propia historia, es bastante convencional. hasta el tercer acto que es donde esta película se distingue ligeramente de una simple película de detectives.

Lo que viene a continuación es la labor de investigación del Inspector Brunel, un ciudadano francés que se encuentra de intercambio en Inglaterra y asume el caso. Entonces la película da un pequeño giro pues la víctima reacciona y es llevado al hospital inmediatamente, por lo que esto ya no se trata de un asesinato, ni de asesinos en serie ya que en uno de los diarios aparece el nombre de Zonfeld, quien es una Psiquiatra que ha tratado recientemente a Morlar.

Es entonces que la investigación se desvía a averiguar el pasado de Morlar, quien es un hombre solitario que se ha dedicado a escribir novelas y que cree tener la capacidad de anticipar desastres. Aquí la película se centra en descubrir el pasado de Morlar y por qué alguien querría atentar contra su vida. Realmente todo el segundo acto está muy interesante y profundiza bastante en el personaje central de la historia, y de como su vida le ha llevado hasta el punto de sufrir un intento de asesinato.

Realmente no hay mucho más que comentar sobre la historia, es una película muy de género y cuyo cometido es entretener y creo yo, a diferencia de Roger Ebert que cumple su papel, todas las películas no se deben medir con la misma vara y mientras el planteamiento de la misma sea coherente pues si la historia funciona no hay más que pedir.

Habría que comentar algunas cosas sobre el final, pero para eso ándate a verla y luego regresas, si así lo deseas claro.

Si bien en un inicio la película nos cuenta que el escritor tiene la capacidad de ver el futuro y anticipar desastres, cerca del final cambian un poco la cosa. En un inicio vamos conociendo diversos episodios de la vida de Morlar, en los cuales varias personas pierden la vida, incluyendo a sus padres, en todos el está involucrado indirectamente, hasta que llegamos a la historia de como fallece su esposa, y sobre la cuál el confiesa haberlo provocado. La psiquiatra evidentemente lleva toda la película negando las afirmaciones de su paciente.

Esto que acabo de comentar es un poco inconsistente, en un principio el escritor dice no ser culpable, pero luego dice que si, llegando incluso para probar lo que dice a derribar un avión ante la mirada atónita de la Dra. Zonfeld, quien queda muy afectada y realmente empieza a creer que Morlar tiene la capacidad de provocar la muerte. Es en este punto que después de casi una hora y media de película descubrimos que ha sido la propia psiquiatra quien ha intentado asesinar a su paciente. La razón que se muestra es que el ha amenazado con derribar una catedral.

Finalmente doctora se suicida al haber fracasado con el paciente y provocar en él ese afán de destrucción. El inspector se toma en serio la amenaza de Morlar, quien yace en el hospital aun con vida. Al final de la película hay una secuencia espectacular de como destruyen la catedral Minster, que en realidad se trata de la catedral de Bristol. Ese final está muy bien filmado y con bastante violencia respecto de como van muriendo las personas al interior que intentan escapar como ratas de un barco hundiéndose.

Al final la película deja entrever que Morlar, aun con vida, tiene intenciones de destruir una planta nuclear, aparentemente para acabar con la humanidad, un final tal vez con intenciones de hacer una posible secuela que jamás llegó pues la película no tuvo todo el éxito que hubiera querido, de hecho el que yo me acabe de enterar que existía ya es una prueba de que no fue el gran éxito que se esperaba, pero bueno como dije al inicio para ver una vez está bastante entretenida y se hace interesante.