The Iceman (2012) - Ariel Vromen

 Kuklinski no fue un asesino en serie, pero lo he considerado aquí por la notoriedad que alcanzó al revelarse que asesinó a más 100 personas (según él) trabajando como asesino a sueldo para diversas organizaciones criminales, sobre todo de la mafia italiana.

Conocí a este personaje gracias a un documental, en el que es entrevistado por el Dr. Park Dietz, quien busca establecer los orígenes y razones de la carrera criminal que hizo conocido a Kuklinski como 'El hombre de hielo' porque congelaba los cadáveres de sus víctimas para disfrazar la hora de fallecimiento de sus víctimas.

La principal característica de Kuklinski era que padecía el Trastorno de Personalidad Antisocial, lo cuál le favoreció mucho a la hora de cometer los crímenes brutales que se le encargaban, gracias a una capacidad poco común de no experimentar miedo o nerviosismo a la hora de enfrentar situaciones incómodas o de peligro extremo.

Hace unos años vi por ahí en una estantería una caratula de DVD que decía "The Iceman", me llamó la atención el título y luego de averiguar al respecto, se trataba de una película con Michael Shannon en el protagónico, interesante elección de casting por cierto, y bueno dí con que se trataba sobre Richard Kuklinski y su historia como sicario.

Lo primero digno de mencionar es que se trata de una producción bastante estimable, empezando por los actores, en el elenco tenemos a Winona Ryder. James Franco, Chris Evans y Ray Liotta todos muy bien en sus papeles, de hecho tenemos a un excelente Michael Shannon (como casi siempre) logrando perfectamente el acento y voz de Kuklisnki e interpretando muy bien su personaje.

A diferencia de Dahmer (2002), esta es una película más "hollywoodense" y con un lenguaje más convencional y menos intención de generar atmósfera y un clima extraño, por el contrario aquí lo que se quiere es contar objetivamente la historia de Kuklinski con cierto olor a cine de mafias, de hecho ahí es dónde entra en juego Ray Liotta.

La historia empieza con un "Ritchie" intentando conquistar a su esposa en un restaurante, luego se muestra como trabajaba en un laboratorio de revelado de películas porno, estando ya casado y con una hija producto de su matrimonio. Un día Roy DeMeo (Soldato que trabajaba para la familia Gambino) se presenta en el laboratorio y tras notar que el tipo es capaz de manejar situaciones de tensión con tranquilidad decide forzarlo a trabajar para él como asesino a sueldo, cada que sea necesario lo manda a eliminar a algún elemento contrario a sus intereses.

La verdad es que la película es bastante entretenida, como dije antes se disfraza de película de mafias para contar la historia de Richard Kuklinski, que si bien está bastante ligada a aquello, y aquí es dónde falla la película, poco se aborda el pasado de este personaje, y menos se explica muy bien o se intenta abordar la mente criminal, pero bueno, dentro de su propuesta la película funciona, aunque sea más como película de acción que de terror.

Hay momentos que recrean a un Kuklinski ya en prisión, arrepentido de haber hecho daño a su familia, un poco como sucedió en la vida real, que el tipo comentaba lamentar mucho haber perdido a su familia, este temido asesino falleció en 2006 a la edad de 70 años, luego de haber sufrido un paro cardiorespiratorio, tras el cuál no fue revivido debido a que su esposa había firmado una orden DNR (Do Not Resuscitate - No resucitar) evitando de ese modo que vuelva a la vida tras el ataque.

Green Book (2018) - Peter Farrelly

Ayer domingo 24 de febrero, Green Book ganó el Óscar a la mejor película del 2018. Lamentablemente no pude ver todas las películas antes de la ceremonia, y además de la flamante ganadora, tampoco pude ver Vice (2018) de Adam McKay. El punto es que ahora acabo de ver la película de Peter Farrelly, conocido por El tonto y el más tonto (1994) y Loco por Mary (1998).

La pregunta cae por su propio peso, ¿Ha merecido Green Book el Óscar a mejor película? Lo pienso rápidamente y la respuesta es no. Más allá de la que la terna de esta gala ha sido de las más lamentables que se hayan visto en los últimos años, metiendo a la fuerza a una película de superhéroes que ni de broma ha sido la mejor del año pasado (en su género), y que no da la talla para luchar por la estatuilla, creo que solo BlacKKKlansman, La Favorita y tal vez Vice (porque no la vi) eran películas de nivel Óscar.

Tenemos en los protagónicos al ya dos veces laureado Mahershala Ali y al nominado Viggo Mortensen, empezando desde ahí ya hay un tema de controversia, porque innegablemente Ali se ha merecido el galardón en esta ocasión, porque en mi opinión la primera fue un regalo bastante extraño porque Michael Shannon y Jeff Bridges estaban bastante mejor, mientras que el personaje de Ali tenía una aparición breve, pero además desaparecía de forma desconcertante de la película sin ningún tipo de explicación, razón por la que además considero que le regalaron el Óscar a Mejor Guion y Mejor Película.

Y entonces tenemos que Mahershala Ali ya tiene dos nominaciones y dos premios y Viggo Mortensen con la carrera que lleva en Hollywood e innumerables papelazos que ha dado no tiene ningún premio, eso para mi es como mínimo sospechoso. De cualquier modo ambos actores están soberbios, Viggo Mortensen clavando el acento italoamericano de Nueva York además de interpretando en italiano en varios momentos, y Mahershala Ali ni que decir, habla además del inglés, ruso e italiano, y aunque aparece en cámara tocando el piano bien podría ser esto un truco de CGI como aquel que en el que vimos a Carrie Fisher rejuvenecida en Rogue One (2016).

Realmente la película está bastante bien, cuenta la historia de Tony Lip (Mortensen) un segurata del Copacabana, legendario cabaret neoyorquino operado por Joe Gallo (miembro de la familia Colombo) en su día, y que era habitualmente concurrido por múltiples miembros de distintas familias de la mafia, de hecho la película hace una ligera alusión a este hecho mostrado a líderes del crimen organizado asistiendo a este local. El hecho es que Tony se queda sin trabajo y se ve forzado (ya que es claramente racista) a aceptar un trabajo como chofer de un pianista negro llamado Don Shirley (Ali).

La historia a priori es la típica en la que alguien (generalmente blanco) racista se ve forzado por las circunstancias a interactuar con un afrodescendiente, y mediante esa experiencia logra superar su conducta racista y discriminadora, aceptando la diferencia y convirtiéndose en alguien distinto, historias de este tipo hemos visto millones, sin ir muy lejos tenemos las películas de 2016 Hidden Figures y Hell or High Water que estuvieron nominadas al Óscar hace un par de años, ya tenían este concepto en ellas, y muchas veces antes, otro ejemplo sería Al calor de la noche (1967) en la que Rod Steiger (el blanco sureño racista) termina aceptando a Sidney Poitier (el afroamericano) como excelente policía, ser humano e incluso amigo, dicha película por cierto ganó el Óscar a mejor película en 1968, entre otros premios.

Entonces la historia de la película no cuenta nada nuevo, las mismas que ya en tiempos de la  segregación (y ahí si que representaban una necesidad de ser contadas) habían sido introducidas y que a lo largo de las décadas posteriores se han ido representando una y otra vez en pantalla. Hoy en día han resurgido este tipo de historias en Hollywood con el tema de la 'inclusión' y tenemos cineastas como Barry Jenkins, Jordan Peele, el propio Spike Lee que sigue dando lata con más de 30 años de carrera, todos ellos grandes realizadores pero que utilizan el cine como tribuna para refregar el tema del racismo y discriminación.

Digo todo esto, porque la película, si bien está muy bien realizada y tiene grandes interpretaciones realmente no es nada del otro mundo, es una película correcta, entretenida, bonita si queremos, deja enseñanzas, aunque un tanto cansinas, pero están. Pero si vamos a otras películas de la terna de este año, es que van mucho más allá artísticamente, por ejemplo La Favorita de Yorgos Lanthimos, solo en el acabado visual ya le da tres mil vueltas a Green Book, incluso en temática da luces sobre la forma de relacionarse de estas mujeres a inicios de 1700 y como "sobreviven" a la realidad que les toca vivir.

Green Book es una película predecible, que incluso en determinado momento y esto es un pequeño spoiler nos muestran que el personaje del Doc Shirley es un homosexual reprimido, pero la película no desarrolla este aspecto, lo dejan ahí, sin abordar el tema, se presenta como película reivindicadora pero luego se tira para atrás a la hora de reafirmar su posición.

Honestamente, la película está bien, pero no mata. Si la recomiendo, se pasa un buen rato, está entretenida, graciosa, ambos actores tienen mucha química, y deja el buen mensaje de aceptar a los demás por encima de diferencias sociales, sean raciales, políticas o religiosas por mencionar algunos aspectos, como dije antes este mensaje ya está más que quemado tenemos años luchando contra la discriminación, así que en ese sentido la película es redundante, pero no deja de valer la pena verla aunque sea una vez.

The Old Man & the Gun (2018) - David Lowery

El último domingo me senté con mi padre a ver una película, "la última de Robert Redford" me dijo, inmediatamente intuí de qué película se trataba y efectivamente era The Old Man & the Gun. Había leído el título por ahí, y su póster de carácter retro, que me recordaba ligeramente al de The Sting (1973), precisamente también con Robert Redford.

Al ver la película lo primero que me llamó la atención es que está filmada en celuloide, al igual que First Man (2018) de Damien Chazelle, y no solo eso, si no que utiliza una paleta de colores muy de los años setenta, cada que veo esto pienso en por qué diablos la industria ha estandarizado el formato digital cuando nada supera a la película y la fotografía química.

La historia que aquí nos cuentan es la de Forrest Tucker, un asaltante de bancos con un prontuariado extenso que data desde los años 30, por cierto, la película está ambientada en 1981, es decir tenemos aquí otro producto de la nostalgia, pero aquí se justifica con el hecho de que está inspirada en una historia real, sobre una asaltante de nombre Tucker que se llegó a escapar 18 veces de prisión.

En el elenco tenemos por supuesto a Robert Redford como Forrest Tucker, además de Sissy Spacek, Danny Glover, Tom Waits, Elizabeth Moss y Casey Affleck. Todo los actores cumplen muy bien, ninguno destaca especialmente, Redford mantiene el carisma que lo ha caracterizado toda su carrera y que en este caso especial le va perfecto al personaje, al que definen en la película como "un caballero".

La película cuenta una historia bastante sencilla, pero con mucho estilo. Forrest Tucker está dando una serie de 'golpes' junto a dos compinches, uno es Danny Glover, el otro Tom Waits, sin embargo estos dos parecen estar cansados o aburridos y buscan 'retirarse', para lo cuál deciden hacer un atraco más grande, pues todos los robos habían sido pequeños hasta ese momento, sin embargo el atraco sale mal y Redford se va por su cuenta para evitar ser capturado por la policía.

La historia de la película que se basa en un romance entre Tucker y Jewel (Sissy Spacek) no termina de ser convincente, hay momentos en que se siente un poco pesada y descompensada, por momentos gana más interés pero luego lo pierde, realmente la historia no es nada del otro mundo, pero tiene cierto encanto en los personajes, en los planos que se utilizan, los colores, la edición, técnicamente está muy bien.

Hay un bonito homenaje sobre el final, cuando Jewel visita a Tucker a la cárcel, este le comenta sobre sus distintos escapes en el pasado, mientras la película incluye una secuencia que recopila escenas de distintas películas carcelarias, entre ellas Escape de Alcatraz (1979) o Un condenado a muerte ha escapado (1956).

En general es una película simpática, con estilo, atractiva, por momentos un tanto pesada, pero termina satisfaciendo al espectador, si que la recomiendo para ver una domingo. Los actores cumplen, tiene un buen aspecto y la historia cumple su cometido, entretener.

The killing of a sacred deer (2017) - Yorgos Lanthimos

Hace unos días decidí retomar después de varios años, el trabajo del director griego Yorgos Lanthimos, a quién conocí gracias a Dogtooth (2009) como ya había adelantado en la entrada anterior. Dado que está nominado al Óscar este año por La Favorita (2018), me pareció propicio abordar sus trabajos en habla inglesa, a manera de poder hacerme perspectiva de su trabajo más reciente y ver la película con un poco más de luz. 

He empezado con The Lobster (2015) que ya está comentada en el blog, y por consiguiente tocaba hablar de The killing of a sacred deer (2017), su segunda película filmada en inglés, que tiene una vez más a Colin Farrell como protagonista, acompañado ahora por Nicole Kidman. En algún futuro hablaré de sus tres primeras películas filmadas en Grecia.

Luego de la reseña anterior algunas personas me comentaron que habían disfrutado más de este film que de La Langosta, y ya en ese momento me quedé con la mosca en la oreja, así que me predispuso a ver la película con sumo interés y atención.

Esta historia toma ideas de la tragedia de Eurípides, Ifigenia en Áulide (409 AC) en la que Agamenón decide sacrificar a su hija Ifigenia debido a su que un oráculo le ha dicho que solo de esa manera vendrán tiempos mejores. En la película tenemos al Dr. Murphy (Colin Farrell) cuya extraña relación con un jovencito llamado Martin, sirve como hilo conductor de esta historia tan desconcertante.

Tenemos que El Dr. Steven Murphy vive con su esposa y sus hijos en una lujosa mansión en las afueras de la ciudad, el es cardiólogo y su esposa oftalmóloga. Al inicio de la película vemos como el doctor Murphy se reune de forma secreta con Martin, dando a entender (al menos a mi), que se trata de un hijo fuera del matrimonio, esa es sensación que da el arranque de la película un hombre maduro que recibe visitas secretas y muy bien coordinadas de un muchacho, al que lleva a almorzar y da regalos como si de un padre ausente se tratara, pero rápidamente la película nos muestra que no es así, que hay algo más.

La historia sigue avanzando, pausadamente pero sin perder interés, este tipo de ritmos en el cine suele ser recibidos por el público masivo de forma de negativa, que requiere estímulos rápidamente, pero en esta cinta el director nos va jalando a través de la curiosidad y el querer saber que hay más allá de esta relación, y efectivamente hay algo, pero para esto tendría que entrar en spoilers.

La película está muy bien filmada, tiene un aspecto bastante grisáceo, urbano, de hospital, etc. Una paleta de colores opaca que funciona muy bien con el clima enrarecido que construye la película, aquí ya no tenemos el tono deadpan de La Langosta, esta es una película que se toma en serio y que busca meter al espectador en un estado de tensión respecto de lo que va viendo en la historia.

Yorgos Lanthimos evidencia una gran admiración hacia Stanley Kubrick al que referencia de múltiples maneras, por ejemplo en aquellos trackings en reversa que solía ejecutar Kubrick por medio de dollys y steadicam, o también la aplicación del zoom in/zoom out en diversas tomas para enfatizar la observación de diversas conductas de los personajes, otro claro ejemplo es el tempo pausado de los diálogos, en el que además ningún personaje interrumpe las lineas del otro, detalle que Kubrick utiliza en gran parte de su filmografía imprimiendo una atmósfera de bastante incomodidad, que luego por ejemplo Lynch ha utilizado en su cine más maduro.

Para retomar la historia, solo si ya han visto la película, cabe mencionar que, y ahora si entro a spoilers, que las cartas empiezan a revelarse cuando el Dr. Murphy decide llevar a Martin a su casa, algo que me recordó a aquel concepto que introdujo Pier Paolo Pasolini en Teorema (1968), con el extraño que llega a una casa ajena y reconfigura el funcionamiento de aquella familia, algo que también usó Takashi Miike en Visitor Q (2001).

Luego de visitar la casa del doctor, Martin lo invita a su casa a cenar junto con su madre, ahí la madre intenta sin éxito acostarse con el doctor, pero este se retira aparentemente ofendido o incómodo. Luego de eso Martin empieza a frecuentar a Kim, la hija del doctor, enseñándole a fumar y demás, estos desarrollan una extraña relación amorosa, luego de lo cuál Bob, el hijo menor del doctor, despierta un día sin poder caminar.

La principal jugada de la película es que de alguna manera Martin tiene la capacidad de afectar a la familia del doctor Murphy ya que le responsabiliza de la muerte de su padre, razón por la cuál Murphy se portaba tan bien con Martin, pero con cierta sequedad y rechazo. Martin exige al Doctor que mate a uno de los miembros de su familia para pagar sus culpas y de ese modo su deuda estará saneada, de lo contrario uno a uno irán muriendo sus hijos, su esposa y luego él.

Curioso planteamiento de Lanthimos, que luego de haber cocinado lentamente su historia, presentando a los personajes y su situación nos revela la carta final construyendo momentos de mucha tensión y un final no menos brutal. La película nunca da explicaciones lógicas de como es que Martin tiene estos poderes, lo cuál puede ser tomado como una debilidad, pero por una parte está bien, porque es entrar en terreno pantanoso y en algo que no cuadre la película se cae. Por el contrario hay cierto momento que sugiere que Martin es un ser sobrenatural.

La película está muy bien realmente, una gran opción para salir de la parafernalia 'hollywoodense' a la que estamos sometidos. Con pocos medios, aunque grandes actores eso sí, Yorgos Lanthimos consigue un producto de altísimo valor narrativo, que deja mucha tela que cortar a la hora de analizar la historia y los conceptos que deja luego del final en el que la familia se reencuentra nuevamente en el restaurant al que iban a comer Martin y el Dr. Steven Murphy, para ver que Bob no se encuentra con ellos, por lo que siendo el menor ha sido sacrificado.

¡Totalmente recomendable!

Bilbao (1978) - Bigas Luna

Hace unos días he vuelto a ver Bilbao, película a la que llegué gracias a la recomendación de Manolito. Se trata de la segunda película del realizador catalán Bigas Luna, desaparecido cinco años atrás. En esta obra exploraba los rincones más oscuros de la mente humana con una historia sumamente audaz, pero muy necesaria para los tiempos que se vivían en la España post franquista.

A mediados de los setenta España regresaba a la democracia, luego de haber estado a merced de Francisco Franco durante más de cuatro décadas. Muchos artistas aprovecharon la muerte del dictador para expresar con libertad sus inquietudes, el cine no estuvo exento de esto y es ahí dónde se enmarca la aparición de esta gran película.

La película gravita en torno a tres personajes fundamentales, el principal es Leo, interpretado por el inquietante Angel Jové, de rostro pétreo, un personaje que solo dice cuatro palabras en toda la película, el resto del metraje se dedica a divagar dentro de su mente, haciendo partícipe al espectador de sus pensamientos.

Esta estructura de tres personajes no es usual, pero ayuda a mantener una cohesión y solidez narrativa, sobre todo refuerza la inmersión del espectador y se utiliza para desarrollar una historia compacta que intenta abordar al interior de los protagonistas, es decir muy acertada para historias íntimas. Algunos ejemplos de este tipo de construcción pueden ser La Mosca (1986) o Ghost, la sombra del amor (1990).

La cinta nos sitúa (y en cierto modo ocurre) dentro de la cabeza del protagonista, un hombre de mediana edad que sale a vagar diariamente por las calles para escapar de su realidad, vive con María una mujer madura que es la amante de su tío, quien le ha obligado a vivir con ella a cambio de mantenerle (alejado de la familia). En una de esas salidas Leo ve a una prostituta en la calle llamada Bilbao, es aquí que empieza la historia.

El director que a su vez es el guionista, adaptó un relato propio narrado en primera persona, lo cuál obliga a que la narrativa de la película sea similar, de hecho está perfectamente justificado el recurso, sin embargo en mi opinión se termina abusando un poco, hubiera sido un poco más equilibrado dejar más secuencias mudas o en su defecto añadir diálogos, pero de cualquier modo la película funciona.

Es interesante hacer una pequeña comparación entre Bilbao y Taxi Driver (1976), pues ambas películas están contadas desde el punto de vista de su protagonista, ambas muestran una realidad urbana decadente, que además si bien distintas, ambas retratan la pesadumbre de los años 70, ambas tratan sobre la obsesión y sobre todo ambas muestran personajes retraídos en busca de tomar acción frente a su realidad.

Angel Jové

Uno de los puntos fuertes de la película es la interpretación de Angel Jové, quien no era actor si no más bien artista conceptual de la época, quien aceptó aparecer en el film por ser amigo de Bigas Luna, pero que a la pos fue una elección acertadísima, casi pareciera que la película trata sobre el mismo y no sobre un personaje, esto es lo que le da bastante credibilidad al retrato que plantea el director.

Las dos mujeres que aparecen junto al protagonista también son elecciones muy certeras. María Martín como aquella actriz en retiro que acompaña a Leo, que además es una especie de madre, y que tiene una serie de fetiches que obliga a Leo a hacer realidad, funciona perfectamente como contrapunto de Leo, pues en cierto momento de la trama los papeles se invierten e intercambian fortaleza y debilidad según que situación.

Isabel Pisano que hacer de Bilbao es una elección de casting muy curiosa, porque no se trata de una mujer especialmente bella, ni atractiva, más bien parece un vampiro, algo muy curioso pues casi nunca aparece de día. Esta decisión a mi modo de ver busca evitar que el publico idealize al personaje, haciendo más extraño y ajeno el interés de Leo por esta mujer.

La música de la película es otro punto positivo calza perfectamente y acentúa sobremanera aquel clima enrarecido que rodea a Leo, es interesante además que todos los temas son distintos, los cuáles incluyen el leitmotiv de Leo en la Rapsodie Espagnole de Maurice Ravel, o el tema I feel love de Donna Summer (en colaboración con Giorgio Moroder), que acompaña las apariciones de Bilbao en un night club.

La película deja dos imágenes para la eternidad sobre los últimos 30 o 35 minutos (que no menciono para no arruinar la experiencia), tiene un personaje intrigante, y sobre todo los temas que toca como el fetichismo, el voyerismo, la obsesión malsana por otra persona, el acoso callejero, todos temas tan actuales como dignos de mostrar en la pantalla. De más está decir que un proyecto como este sería totalmente imposible de sacar adelante en la España de hoy en día, convulsionada con tanto debate absurdo sobre la opresión contra las mujeres.

Bilbao, no es exactamente un 'peliculón', pero si la recomiendo, por lo menos hay que verla una vez en la vida, si eres fanático del cine de psicópatas y obsesiones pues esta es tu película. Parte importante de la cinematografía española, y patrimonio cultural sin lugar a dudas.

The man with the golden arm (1955) - Otto Preminger

Se trata de un clásico. Esta película dirigida por el gran Otto Preminger, fue muy controversial en su tiempo debido a uno de los tema que aborda principalmente, la drogadicción. De hecho, no fue la única película de Preminger que se vio envuelta en polémica, pues muchas de sus historias abordaban temas taboo y tenían que enfrentar la censura que en aquel momento tenía mucho poder y decidía con total libertad que películas se estrenaban, en que horario, cuáles no, y hasta si cortaban escenas enteras o no de la película que les diera la gana, hablando en cuestión a estrenos estadounidenses, que en Europa era otro cantar.

Esta es una adaptación de la novel homónima de Nelson Algren, publicada en 1949, la cuál es bastante diferente de la versión final de la película. Hay que decir que Preminger hizo cambios bastante importantes en el guion alterando el final y varios personajes y detalles de la historia, hecho que como es de esperarse molestó mucho al autor que además fue despedido para poder seguir adelante con la reescritura de la película. He de mencionar que la novela era bastante más oscura que la película, hecho que probablemente se temiera alejaría al público masivo que no querría ver una película tan amarga, cuestión que tal vez tuvo sus frutos pues la película fue un éxito relativo recaudando más de 4 millones de dólares por 1 millón de presupuesto inicial, probablemente si la adaptación hubiera sido más fiel al manuscrito se hubiera tratado de un desastre comercial.

Para hablar de esta película es importante mencionar que en 1955, año en que se estrena, Estados Unidos estaba en las postrimerías de lo que se llamó film noir (cine negro), y Otto Preminger trabajo dentro de esa corriente, por ejemplo dirigiendo Laura (1944). Entonces esta película tiene elementos del cine negro, pero dentro de una película más bien drámatica, aquí no hay asesinatos, ni mafiosos, pero si una o quizá hasta dos Femme Fatale, como lo son Zosh y Molly. Lo que si tenemos es un hombre cuya vida está al borde de la ruina por culpa de las drogas. Habría que añadir que el título de la película es alude a tres cuestiones, la primera a su habilidad como jugador de poker, la segunda por su adicción a la heroína, y la tercer por sus ambiciones como baterista de jazz.

Tenemos en los protagónicos a Frank Sinatra haciendo de Frankie Machine, y a Kim Novak, más recordada por su papel en Vértigo (1958), aquí interpretando a Molly, como tercer elemento de esta historia esta Eleanor Parker quien encarna a Sophia 'Zosh' Machine. La historia empieza cuando vemos a Frankie regresando a casa luego de haber estado una temporada en rehabilitación, al llegar a casa vemos que su esposa Zosh no puede caminar debido a un accidente de automovil, provocado por los vicios de su marido. Molly la vecina del primer piso aparentemente ha estado en coqueteos con Frankie antes de su internado.

El conflicto principal de nuestro protagonista se encuentra en que su objetivo de convertirse en músico profesional se ve amenazado por una posible recaída, además de la responsabilidad de cuidar de su esposa paralítica, hecho que además imposibilita una posible relación con Molly, razón por la cuál tiene decidido conseguirle el mejor tratamiento posible, y así digamos que en cierto modo limpiar su consciencia, y pues para esto es que desea hacerse baterista y trabajar para una orquesta.

Frank Sinatra, inyectándose heroina

La película está bastante bien y tiene algunas sorpresas en el guion que no mencionaré para que vayan y las descubran. El personaje que me pareció más interesante es, por encima incluso que el propio Frankie, fue el de Zosh Machine, la esposa obsesionada con tener a Frankie todo el día junto a ella, un personaje muy bien construido cuyo único objetivo es retener a Frankie como sea, actitud que se ve reforzada por llevar una vida sin sentido ni ambiciones propias que en cierto modo han sido provocadas por ella misma.

Si bien esta historia aborda un tema controversial como el de la drogadicción, me gustaría comentar que diez años antes Billy Wilder dirigió Días sin huella (The lost weekend) en la cuál la historia era ligeramente similar, tratándose de un alcohólico con aspiraciones de escritor, sin embargo esa película era menos convencional y más audaz, pues iba al nervio del asunto y mostraba un personaje destruido por la bebida y su descenso a los infiernos, con escenas crudas como la del delirium tremens, además de un planteamiento mucho más desde la mente del personaje, estamos hablando de un precedente del drama psicológico moderno.

En general la película está bastante bien, he evitado desvelar mayor desarrollo narrativo para que vayan a ver este gran clásico de Otto Preminger director que hizo una gran carrera en Hollywood y que fue responsable entre otras cosas de iniciar con el fin del famoso código de censura que estaba dirigido por miembros de grupos religiosos en extremo conservadores y que obviamente casi todo lo que censuraban estaba relacionado con el sexo. Gran director, gran película.

The Medusa Touch (1978) - Jack Gold

Ando poniéndome al día en cuanto a cine de terror de los 70 y 80, y entre una que otra película he descubierto esta pequeña joya titulada The medusa touch dirigida por Jack Gold, quien entre muchas producciones para la televisión británica dirigió por ejemplo, la película Escape de Sobibor con el afamado actor holandés Rutger Hauer. Entre los principales actores del elenco se encuentra Lee Remick, Lino Ventura y como contrapunto un muy buen Richard Burton.

Si bien la película no es de terror precisamente, si se trata de un thriller que empieza como policial común y corriente pero termina por caer más en el terreno sobrenatural. La película en su tiempo dividió al público por una parte estuvo en competición por el premio Saturn a la mejor película, (el cual se entrega a películas de corte fantástico, sea terror, ciencia ficción o fantasía pura y dura) pero para Roger Ebert fue la peor película del año. Coincidentemente aquel año el Saturn se lo llevó The wicker man, película que ya comenté en mi anterior entrada.

Sin revelar nada de la película puedo adelantar que está bastante entretenida, evidentemente se trata de un film de finales de los setenta y tiene un tempo distinto por la época, pero si eres paciente y sabes darle una oportunidad la película no aburre y se hace muy visionable, tenemos unas actuaciones que están bastante bien, Lino Ventura tiene un carisma impresionante y está realmente acertado como el Inspector Brunel, por otra parte Lee Remick y Richard Burton también cumplen, no se trata de las mejores actuaciones de la historia, tampoco los personajes, pero dentro de lo que cabe está bastante bien.

Visualmente la película no rompe mucho los moldes pero está bastante bien narrada. la banda sonora acompaña y entona perfectamente la historia. En general todos los apartados técnicos está bien sin ser notables.

La historia de la película empieza con el asesinato de un hombre de nombre Morlar (Richard Burton) que mira por televisión el fallido alunizaje de una misión espacial americana. Vemos el crimen, pero no al asesino. La forma más clásica de empezar un policial, y de hecho el resto de la película salvo por los matices de la propia historia, es bastante convencional. hasta el tercer acto que es donde esta película se distingue ligeramente de una simple película de detectives.

Lo que viene a continuación es la labor de investigación del Inspector Brunel, un ciudadano francés que se encuentra de intercambio en Inglaterra y asume el caso. Entonces la película da un pequeño giro pues la víctima reacciona y es llevado al hospital inmediatamente, por lo que esto ya no se trata de un asesinato, ni de asesinos en serie ya que en uno de los diarios aparece el nombre de Zonfeld, quien es una Psiquiatra que ha tratado recientemente a Morlar.

Es entonces que la investigación se desvía a averiguar el pasado de Morlar, quien es un hombre solitario que se ha dedicado a escribir novelas y que cree tener la capacidad de anticipar desastres. Aquí la película se centra en descubrir el pasado de Morlar y por qué alguien querría atentar contra su vida. Realmente todo el segundo acto está muy interesante y profundiza bastante en el personaje central de la historia, y de como su vida le ha llevado hasta el punto de sufrir un intento de asesinato.

Realmente no hay mucho más que comentar sobre la historia, es una película muy de género y cuyo cometido es entretener y creo yo, a diferencia de Roger Ebert que cumple su papel, todas las películas no se deben medir con la misma vara y mientras el planteamiento de la misma sea coherente pues si la historia funciona no hay más que pedir.

Habría que comentar algunas cosas sobre el final, pero para eso ándate a verla y luego regresas, si así lo deseas claro.

Si bien en un inicio la película nos cuenta que el escritor tiene la capacidad de ver el futuro y anticipar desastres, cerca del final cambian un poco la cosa. En un inicio vamos conociendo diversos episodios de la vida de Morlar, en los cuales varias personas pierden la vida, incluyendo a sus padres, en todos el está involucrado indirectamente, hasta que llegamos a la historia de como fallece su esposa, y sobre la cuál el confiesa haberlo provocado. La psiquiatra evidentemente lleva toda la película negando las afirmaciones de su paciente.

Esto que acabo de comentar es un poco inconsistente, en un principio el escritor dice no ser culpable, pero luego dice que si, llegando incluso para probar lo que dice a derribar un avión ante la mirada atónita de la Dra. Zonfeld, quien queda muy afectada y realmente empieza a creer que Morlar tiene la capacidad de provocar la muerte. Es en este punto que después de casi una hora y media de película descubrimos que ha sido la propia psiquiatra quien ha intentado asesinar a su paciente. La razón que se muestra es que el ha amenazado con derribar una catedral.

Finalmente doctora se suicida al haber fracasado con el paciente y provocar en él ese afán de destrucción. El inspector se toma en serio la amenaza de Morlar, quien yace en el hospital aun con vida. Al final de la película hay una secuencia espectacular de como destruyen la catedral Minster, que en realidad se trata de la catedral de Bristol. Ese final está muy bien filmado y con bastante violencia respecto de como van muriendo las personas al interior que intentan escapar como ratas de un barco hundiéndose.

Al final la película deja entrever que Morlar, aun con vida, tiene intenciones de destruir una planta nuclear, aparentemente para acabar con la humanidad, un final tal vez con intenciones de hacer una posible secuela que jamás llegó pues la película no tuvo todo el éxito que hubiera querido, de hecho el que yo me acabe de enterar que existía ya es una prueba de que no fue el gran éxito que se esperaba, pero bueno como dije al inicio para ver una vez está bastante entretenida y se hace interesante.

Brother (2000) - La familia más allá de la familia

Ayer vi la película Brother (2000), noveno film del director de cine japonés, Takeshi Kitano, o Beat Takeshi, como se le conoce en su país. Cómo en varias de sus cintas previas, Kitano nos muestra los modos de la Yakuza, violencia por momentos gratuita, y ciertos conceptos que, si bien ya han sido abordados, aquí toman un sentido especial sobre el final.

Es preciso mencionar antes de hablar de la película, que la Yakuza son una organización criminal con un sentido del honor muy en consideración, de manera similar a la Mafia dónde los lazos familiares son sagrados e inquebrantables, y cuya estructura funciona también en grupos jerarquizados llamados familias, cuyas normas de conducta son estrictas y severas. Si un miembro de la Yakuza comete algún error para con sus superiores debe cortarse el meñique como ofrenda, y así por cada error siempre y cuando no sea demasiado grave que deba pagarlo con su vida. Por otro lado, si bien para los italianos el lazo de padrino/ahijado era sumamente importante, para los japoneses la hermandad es un lazo que no debe menoscabarse.

En muchas de las películas de yakuzas se ve como dos gangsters sellan una hermandad mediante un pacto de sangre o bebiendo el sake en una ceremonia. Entonces las películas de Takeshi Kitano si bien se apoyan en una trama de mafia y violencia, el verdadero gran tema en ellas es esta hermandad y/o lealtad, sea sanguínea o no, adicionalmente también se tocan temas como el amor, el sentido de la vida o el destino. Dicho esto, hablémos de la película.

Esta es la historia de un gangster violento y callado de nombre Yamamoto, interpretado por el propio Kitano quien se ve obligado a irse a los Estados Unidos, debido a que Harada, su “hermano”, ha recibido la orden de asesinarlo por el clan Hisamatsu, que previamente han asesinado al antiguo jefe y ahora han absorbido a la antigua organzación. Aquí vemos como Yamamoto es perdonado por Harada quien, a pesar de no tener lazos sanguíneos con él, le guarda respeto y de algún modo traiciona a la organización, con tal de no manchar el pacto que existe entre ellos.

Básicamente de aquí en adelante toda la acción se desarrolla en los Estados Unidos dónde Yamamoto se reúne con su medio hermano Ken, quien trabaja junto a un grupo de afroamericanos vendiendo droga para una organización mexicana en Los Ángeles, a la cual terminan asesinando y desapareciendo del territorio. Es importante mencionar la etnia de los amigos de Ken, pues es sabido que los asiáticos tienen una idiosincrasia racista, la cuál considera que el color de la piel va asociado con la calidad de la persona.

Posteriormente Yamamoto, a quien se dirigen respetuosamente como Aniki (hermano mayor en japonés) toma control de la zona que antes estaba en manos de los mexicanos, Denny uno de los amigos de Ken se hace particularmente cercano a Yamamoto lo cual resulta curioso pues en una de las escenas iniciales tienen un encuentro callejero en el cuál Aniki le corta el ojo con una botella rota, lo cual genera que al inicio haya cierta aspereza por parte de Denny.

Anteriormente Kitano ya había presentado películas dónde mostraba a la Yakuza como un grupo de amigos, en Sonatine (1993) por ejemplo vemos cómo se retiran seis gangsters a una playa a pasar el rato, la playa es uno de los momentos más recurrentes de Beat Takeshi, en todas sus películas siempre se muestra una. Lo curioso es que en Brother, vemos como se crea una hermandad multirracial, japoneses conviven en armonía con afroamericanos y mexicanos, esto se ve claramente en aquella escena en que juegan basketball en ese gran salón dentro de sus instalaciones.

El título Brother tiene varias lecturas, por un lado, se refiere a Aniki como hermano mayor de Ken, al mismo tiempo alude al concepto de hermandad de los Yakuzas, por último, también hace referencia a la forma en que vive la organización que construye Yamamoto en Estados Unidos, como hermanos miembros de una misma familia. Sin embargo, la significancia más relevante del título viene al final cuando Yamamoto engaña al mafioso italiano haciéndole creer que ha matado a Denny, lo que realmente sucede es que Aniki le entrega la bolsa de dinero y le dice que escape, lo curioso del final es que Yamamoto decide entregar el dinero a Denny y no a su hermano, al que nunca le hace saber de su existencia.

A veces las personas con las que menos cercanía tenemos terminan resultándonos las más simpáticas o se adquieren mayor importancia en nuestras vidas, más allá de las diferencias de cualquier tipo, un extraño puede resultar más cercano que nuestros propios parientes, y al final vemos como Yamamoto llama hermano a Denny, y le deja a cuenta de hacerle trampa en una apuesta todo lo que queda de la experiencia vivida durante esos meses en Los Ángeles. Es quizá esta la diferencia más saltante entre Brother y películas anteriores en las que se hablaba de la familia y de lazos emocionales, pero aquí sobrepasan las barreras de cualquier tipo, culturales, sociales o raciales.