Sleeping with the enemy (1991) - Joseph Ruben

Hace unos días me animé a ver esta película con cuyo afiche promocional me topé en internet y que me causó curiosidad al tratarse de una película bastante antigua. No tengo mucha idea, pero me parece que en su tiempo fue una película bastante comentada y taquillera, de hecho recaudó 174 millones de dólares (equivalente a 324 millones actuales) con un presupuesto de 19 US$ y que claramente viene a cuento hoy en día, pues la premisa básica es la de una mujer que sufre el maltrato de su esposo.

La  película está dirigida por Joseph Ruben, realizador que gozó de cierto caché durante los noventa, que entre otras cosas dirigió aquel thriller psicológico con Macaulay Culkin y Elijah Wood, El ángel malvado (1993), la cuál tuve oportunidad de ver siendo niño, y que sospecho no debe ser muy buena, al igual que en este caso, Durmiendo con el enemigo me ha parecido una película muy mecánica y obvia.

La historia, como ya adelanté, nos pone en la piel de Laura Burney (Julia Roberts) una mujer que al inicio parece estar disfrutando de un idílico descanso en la playa, de pronto aparece su esposo Martin (Patrick Bergin) con un ramo de rosas, pidiendo perdón por 'algo', que no sabemos qué es, pero por el título uno intuye de que se trata, además de que Manolito tuvo la 'cortesía' de adelantarme el tema de la violencia intrafamilar.

La verdad es que la película, si bien fue estrenada en 1991, cae en varios clichés del thriller moderno, el personaje que es loco porque si, los cambios de identidad, los planes super elaborados de un protagonista que parece ser ex agente de la CIA, en fin, mecanismo del guionista para hacer progresar la historia que hacen que uno no se la tome tan en serio, similar al caso de Pacific Heights (1991), película de John Schlesinger.

Laura que en un principio parece confiar en Martin, realmente tiene un plan para escapar, pues la película nos muestra que el marido es un tipo con trastorno obsesivo compulsivo (TOC) que reacciona con una violencia incontrolable cuando algo no se hace con la perfección que el requiere, como la forma de colocar las toallas en el baño, además de otras cosas que Laura no está dispuesta a seguir soportando, por lo cuál ha hecho creer varias mentiras a su esposo.

Realmente la película no es nada del otro mundo, para un espectador poco exigente si que puede resultar entretenida y emocionante, de hecho creo que los mejores momentos son aquellos que retratan la condición mental de Martin y el maltrato que sufre Laura por parte de este, pero poco más puede ofrecer, Laura se escapa, su esposo va detrás gracias a una desafortunada llamada, y luego lo que tenemos es el típico argumento del stalker moderno, la verdad no la recomiendo, a menos que tengas curiosidad, como digo en su día causo sensación en parte gracias a Julia Roberts que luego de Pretty Woman (1990) se había convertido en una sensación.

La Prisonnière/Woman in Chains/La Prisionera (1968) - Henri-Georges Clouzot

Hace unos días no tenía ni idea del cine de Henri George Clouzot, aunque el nombre si que me sonaba de algún lado. Tengo entendido que su película más conocida, recordada o comentada es Les Diabolique (1955), pero no la pude conseguir, en lugar de aquello di con otras películas, todas con un arte promocional muy interesante, como pueden comprobar, en lo personal suelo llevarme por los carteles para ver una película de la cuál no tengo mayor información.

Total que curiosamente la primera película que he podido ver, ha sido su trabajo final, además de su única película en color, y debo decir que no me esperaba lo que he visto, y que me ha sorprendido agradablemente. Tenía en mente ver algo más o menos clásico, pero esta película ciertamente podría considerarse pionera o adelantada, tanto por los temas que toca, como por el enfoque del director, con un estilo muy psicológico, bien aplicado a este drama romántico.

La película además tiene un componente muy interesante, pues la historia involucra un poco el mundillo del arte. Tenemos a Stan (Laurent Terzief), un galerista que está proponiendo tendencias 'novedosas', basadas en propuestas 'conceptuales' que su amigo, el diseñador Gilbert (Bernard Fresson) se encarga de plasmar a través de instalaciones móviles y coloridas. Gilbert vive con una joven llamada José, con la que lleva una relación bastante libre, ella trabaja en la galería con ellos. un día José acompaña a Stan y descubre su afición, tomar fotografías de mujeres amarradas de corte BDSM.

El conflicto de la película radica en la extraña atracción que experimenta José al saber del pasatiempo de Stan, pues una de las características de la relación que mantiene con Gilbert, consiste en avisarse mutuamente si van a salir o a involucrarse momentáneamente con otra persona, cosa que en este caso José incumple, cuando comienza a ocultar sus encuentros con Stan.

Lo llamativo de la película es que la relación que establecen José y Stan no es de amor inicialmente, si no de sumisa y dominador, en la cuál José con temor al inicio busca complacer a Stan, para lo cuál debe aceptar con totalidad todas las peticiones de este, pero lo curioso es que no se trata de una relación sexual, si no que todo se remite a las fotografías que realiza el galerista, haciendo más extraña aun la relación que se desarrolla entre ellos.

La película tiene un enfoque de drama psicológico, en el cuál vemos a una José que se debate entre complacer a Stan y ser leal al acuerdo que mantiene con Gilbert, al mismo tiempo vemos como se va a desarrollando la historia en clave de triángulo amoroso, pues Gilbert empieza a notar cambios en la conducta de José y posteriormente la relación que ella mantiene con Stan ya se torna más cálida y romántica.

No voy a decir más respecto a la historia, solo recomendar la película a cualquiera que quiera ver algo bastante atípico para su época, tiene muchos detalles interesantes, el desarrollo de los personajes es bastante bueno, todos conectados por distintas razones, una historia de amor bastante inusual a la cuál recurrir para salir de lo mismo de siempre.

The Sisters Brothers (2018) - Jacques Audiard

Ya comenté anteriormente una película de Jacques Audiard, De latir mi corazón se ha parado (2005), y de hecho he visto otras películas de este gran director francés, que en algún momento traeré aquí al blog. Ayer decidí darle un vistazo a su trabajo más reciente, The Sisters Brothers, un western.

La película protagonizada por John C. Riley y Joaquin Phoenix como los hermanos Sisters (Eli y Charlie respectivamente), se ubica en 1851, son dos caza recompensas que trabajan para un hombre conocido como El Commodore (Rutger Hauer), quién les encarga rastrear a un hombre llamado Hermann Harm (Riz Ahmed), con la ayuda de John Morris (Jake Gyllenhal), el objetivo es sonsacarle a base de torturas una formula química, que hace brillar el oro para extraerlo de los ríos con facilidad, luego de lo cuál deben matarlo.

Total que Morris, que no es un asesino ni un hombre violento, simplemente un scout o un stalker, en el concepto original de la palabra, termina sintiendo compasión por Harm tras escuchar los planes que tienen para él, luego de lo cuál huye con él para ayudarle a lograr su cometido, razón por la cuál está buscando oro, para fundar una especie de comunidad dónde cultivar determinados valores que van en contra del modo de vida americano de ese tiempo, en donde todo se basa en dinero.

Debo decir que la película no me ha generado lo mismo que las anteriores de Audiard, como que visualmente ha cambiado un poco, hay momentos de panorámicas, propias del western claro está, pero me parece que no vemos la identidad del cine de este director, evidentemente está haciendo una película de género un poco más estilo clásico, pero bueno, puede ser cuestión mía.

Lo más resaltante en mi opinión, son las actuaciones, tenemos a un muy buen Joaquin Phoenix y a un John C. Reilly que hace muy bien el contrapunto, Jake Gyllenhal, bueno que vamos a decir de Gyllenhal, siempre está muy bien. La historia la verdad es que por momentos va y viene, como que pierde interés para recuperarlo inmediatamente.

Uno de los temas principales es el de la familia, se ve claramente en la relación de hermanos, como aparentemente Charlie no tiene el mismo apego por su hermano Eli, que busca ya abandonar la vida inmersa en la violencia que llevan, y que los obliga a estar en constante huida. También se evidencia en la relación que tuvieron con su padre y en como esta terminó, en la forma que han salido de su casa, en los problemas que John Morris ha tenido con su propia familia. Por otro lado la iniciativa de Hermann Harm, de construir un falansterio también responde a la necesidad de establecer una comunidad que conviva como una familia, en paz.

Creo que no hay mucho más que comentar sobre la película, tiene suficiente acción, una historia muy interesante, actuaciones que enganchan, tal vez flaquea un poco en la profundidad de los temas, pero como entretenimiento, salvando algunos momentos, está bastante bien, animo a que le den un vistazo.

A Star Is Born (2018) - Bradley Cooper

En un inicio, no me llamaba la atención para nada ver a Lady Gaga cantando en una película, lo único que tal vez me hubiera podido motivar a verla era que se trata de debut de Bradley Cooper dirigiendo, por otro lado sospechaba que probablemente estuviera nominada al Óscar por todo el barullo que hubo al respecto, razón por la que de todos modos iba a tener que verla para tenerla comentada aquí.

Cómo a priori no estaba muy animado para ver la película decidí hacer un ejercicio interesante y ver primero las 3 versiones predecesoras producidas en Estados Unidos (pues existe también una especie de adaptación india, pero que no es propiamente parte de esta 'saga' pues se trata de una secuela de otra película que toma elementos de la historia) y hacer una comparativa a través de los años y guardando las distancias de cada época, para hacerme una idea más justa de la película de Bradley Cooper.

Entonces llegamos a 2018 y tenemos que después de 42 años un nuevo remake de esta película, ya casi quemada, ha visto la luz. ¿Cómo se podía ofrecer algo nuevo y no visto antes? No lo sé y me quedaré sin saberlo tal vez, porque esta película está directamente relacionada con la versión del 76 y poco a nada tiene que ver ya con las dos primeras, pero sobre todo no ofrece mucho más que su antecesora, salvo algunos detalles que me han parecido acertadísimos.

Esta producción llevaba muchísimos años retrasándose una y otra vez en cierto momento se tenía como director nada menos que a Clint Eastwood, con Beyoncé de protagonista y barajándose varios nombres para el otro personaje como Christian Bale o Will Smith, pero nunca llegó a concretarse la producción, finalmente se contactó a Bradley Cooper para papel masculino, además de para dirigir el proyecto, algo sorprendente considerando que es un novato.

Algo que le reclamaba a las tres películas anteriores, sobre todo a la de 1976 era que no profundizaban en el personaje de Norman Maine/John Norman, y los origines y razones de su conducta autodestructiva que le han llevado a hacer añicos su carrera a través del alcohol. Aquí Bradley Cooper interpreta a Jackson Maine (ya no es Norman), un músico de Country Rock cuyo medio hermano, interpretado por Sam Elliott, lleva su carrera, y bueno lo mismo de siempre, luego de un concierto va a un bar de drag queens en el que se presenta Ally (Lady Gaga), quien trabaja como camarera en un restaurant.

No voy a ahondar en el resto de la historia pues ya se sabe como termina, pero lo más importante aquí es que Jack Maine tiene un conflicto muy interesante, pues el tipo tiene una enfermedad degenerativa que le está dejando sordo, sumado a eso tenemos que su relación con Bobby, su hermano y manager, no es la mejor, pues este vive con la herida de no haber sido cantante el mismo, a pesar de lo cuál es fiel a su hermano.

La narración de la película además está mejor equilibrada en esta versión, cada escena encaja en perfecta armonía unas con otras, no sentimos que la película se quede demasiado en un lugar, la historia es dinámica, incluso las secuencias musicales están muy bien colocadas y la película casi no se siente como un musical, si bien hay suficientes números como para considerarla un musical, las canciones están bien balanceadas con el progreso de la historia y están implicadas con determinados sucesos de la película.

A nivel de actuaciones debo decir que Bradley Cooper hace un señor papel, como ese cantante sureño imitando un poco ese acento que tiene por ejemplo Jeff Bridges, engrosando más la voz, la forma de caminar, la manera de interpretar los temas en el escenario, muy buena actuación. Lady Gaga cumple con su rol perfectamente, no voy a decir que es la mejor actriz del momento, pero está más que bien, sobre todo si consideramos que realmente ella no es actriz, aunque haya participado en algunas producciones. Cómo cereza en el pastel tenemos a un muy buen Sam Elliott, que interpreta con el corazón y los pocos minutos que aparece es muy conmovedor.

La banda sonora de la película es otro punto bastante positivo, las canciones no son muy de mi gusto pero van muy bien con la película, y tanto Cooper como Gaga potencian muy bien los temas, en especial me gustó el tema inicial, una especie de country rock estilo texas muy potente y como arranque está muy bueno. Un aspecto que no destaca especialmente pero es para tener en cuenta es la dirección de Bradley Cooper, ofrece un tratamiento muy moderno con diversos recursos, dolly, grúas, cámara al hombro, lo cuál facilita un montaje muy dinámico.

Luego de haber visto todas las películas debo decir que esta es la que más me ha convencido, y por supuesto que la recomiendo, no hagan caso a la gente que dice que si aburre, que si no vale, que si Lady Gaga esto o lo otro, la película está muy bien, el que no la valore será por otras cuestiones más subjetivas. Si tuviera que ordenar todas las películas de esta historia, esta la pondría como la mejor, definitivamente, luego colocaría a la versión de 1976, en tercer lugar al original y en cuarto lugar a la versión de 1954 dirigida por George Cukor.

La película, con un presupuesto de 36 millones de dólares ha recaudado un total aproximado de unos 400 millones de dólares en todo el mundo, por lo cuál no descartaría que volviéramos a ver en un futuro no muy lejano a Lady Gaga protagonizando otro musical o con algún otro papel importante en Hollywood, desde luego Bradley Cooper tiene una carrera asegurada como director, y como actor para mi ya ha demostrado que es un tipo que vale y puede hacer mucho más que comedias y payasadas.

A Star Is Born (1976) - Frank Pierson

Ya estoy aquí para comentar el segundo remake, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en los . Esta tercera versión se distancia de las dos primeras buscando modernizar la historia y adaptarla a los tiempos del hipismo y de la contracultura, ya en decadencia en los años 70 enclaustrando la historia en el negocio de la música. La película fue producida por Jon Peters y Barbra Streisand.

Aquí ya nos olvidamos de Norman Maine y en su lugar tenemos a ¡John Norman Howard Speedway! (tremendo nombre ¿no?), una estrella de rock interpretada con gran acierto por Kris Kristofferson el famoso cantante de folk de aquellos años, leyenda de la música y el cine. La historia nos cuenta como esta estrella de rock perdida en el alcohol y las drogas llega por casualidad a un pequeño bar dónde ve interpretar a una joven cantante llamada Esther Hoffman (Streisand), más o menos lo mismo que las anteriores.

Esta producción es impecable, filmada muy al estilo documentario de los setentas, todas las escenas de conciertos recuerdan un poco a momentos de Woodstock. Los temas musicales son impecables y muy enérgicos, se siente la vibra de la película, que es mucho mayor que en las otras dos anteriores, por más que Judy Garland se haya dejado la vida en su momento.

Esta película en mi opinión tenía todo para ser muy superior a sus antecesoras, pero no termina de profundizar en el conflicto de Norman y el origen de sus problemas con el alcohol, el cuál terminan destruyendo su relación Esther. Hay varios detalles distintos en esta historia que responden a la necesidad de adaptar la historia a un contexto musical, lo cuál está bien pues le da personalidad propia a esta producción.

Los actores están bastante bien, tanto Kris Kristofferson y Barbra Streisand brillan en pantalla, lucen sus voces, y muestran mucha química y carisma. Como curiosidad habría que mencionar que al inicio aparece Robert Englund en un pequeño papel, el actor que interpretó a Freddy Krueger en las primeras películas de Pesadilla en la calle Elm.

Hay que destacar que esta película que Barbra Streisand fue la primera mujer nominada y ganadora de un Óscar como compositora, por el tema Evergreen, junto a Paul Williams, famoso compositor de los años setenta que trabajó con los Carpenters por ejemplo. También cabe mencionar que la película con un presupuesto de 6 millones de dólares recaudó 80 millones de dólares en cines de Estados Unidos, sobrepasando probablemente los 100 millones a nivel mundial.

Un gran éxito de taquilla, que la crítica no valoró de forma tan positiva más allá de reconocer el innegable talento de la señora Streisand. No está mal está película, si les gusta Barbra Streisand, Kris Kristofferson y el rock de los setenta, pues se lo van a pasar bien.

A Star Is Born (1954) - George Cukor

Luego de haber comentado la versión original de A Star Is Born, estrenada en 1937 y producida por el legendario David O. Selznick, tuve que tomarme un descanso por mi cumpleaños, y ahora luego de una semana, regreso para comentar la segunda versión de esta clásica historia.

Básicamente, en 1952 se le propuso al experimentado George Cukor dirigir un remake (Si, ya existían en esos tiempos) de A Star Is Born (1937) protagonizado por la también legendaria Judy Garland (El mago de Oz), Cukor no estaba muy animado de trabajar con Garland quién en ese tiempo ya tenía fama de inestable y problemática, pero dado que el productor, Sidney Luft, entonces esposo de ella no iba a ceder, Cukor vio en esta película una oportunidad para dirigir su primer musical, además en color.

La película se estrenó en 1954, con Judy Garland y James Mason en los protagónicos. Lo primero que tengo que que nada más empezar es que el acabado visual de la película es infinitamente superior, pero no solo a nivel tecnológico, si no que más allá de compararla con el original, lo cuál sería injusto, la película a nivel de producción y de enfoque visual, se siente muy adelantada a su tiempo para haber sido filmada en 1953.

Las primeras diferencias en la historia, parten del punto de vista que esta película es un musical, por tanto Esther Blodgett/Vicki Lester (Judy Garland) en esta película va a ser una actriz de musicales. Esther trabaja como cantante de una orquesta que se dedica a viajar por el país, presentándose en cuanto lugar encuentran, en esta película dicha orquesta participan en un evento de Hollywood dónde Esther protagoniza un número musical interrumpido por un ebrio Norman Maine, es de este modo que se conocen nuestro personajes.

El primer acto acaba con la propuesta de Norman Maine a Esther para hacer un casting. De hecho los momentos esenciales del original están en este primer remake, las únicas diferencias recaen en el hecho de que al ser un musical y Esther un personaje que actúa en musicales, pues hay ciertos detalles que se tienen que adaptar para este tipo de historia, y lógicamente añadir los números musicales.

Hay un tema muy curioso con esta película y es que su metraje original fue de 196 minutos, luego reducido a 182 minutos para su estreno, llegando finalmente a un corte final de poco más de 150 minutos para distribución genera. Precisamente, tal vez la cosa más negativa que tenga esta película sea su versión "restaurada". En 1983 hubo cierta demanda para que se restaurara la película incluyendo varios números musicales, un poco a modo de recuerdo pues Judy Garland ya llevaba casi 15 años de fallecida.

Se recurrió a fotografías del rodaje para incluir secuencias cuyo metraje no apareció, pero del que sí se tenía registro de sonido. El resultado es, a mi modo de verlo, un completo desastre, en ese punto la película se me hizo confusa, además de estéticamente ser horrible el resultado, pues las fotografías no son muchas y son en blanco y negro, un verdadero despropósito que me dejó con la curiosidad de ver la versión de 154 minutos.

Los números musicales demuestra la destreza, energía y habilidad de Judy Garland y porque tiene el lugar que tiene en a historia del cine americano, hay un momento en concreto de una secuencia muy poco ortodoxa filmada en una especie de sala, dónde la mujer se da mil vueltas, mientras que va de un lado a otro y manteniendo siempre el personaje, realmente fue el momento musical que más me llamó la atención.

En general, esta película esta tan bien como la primera, evidentemente sin considerar las distancias del tiempo, lo único negativo es el detallito que comenté de la restauración, pero en general se mantiene el mismo esquema del original, funcionando como drama, como musical y como tragedia.

Possession (1981) - Andrzej Zulawski

Cuando empecé a 'ver cine' en algún punto recordé que en el recordado programa mexicano Chespirito en algún episodio mencionaban la película El bebé de Rosemary (Rosemary's Baby, 1968), y en cierto momento de mi incursión en el cine, recordé el mencionado título y con él me introduje a la filmografía del gran director franco-polaco.

Posteriormente di con The Tenant (1976), película dirigida y protagonizada por Roman Polanski, incluía como secundaria a una actriz desconocida para mi hasta ese momento, Isabelle Adjani. Me llamó mucho su apariencia y su interpretación como la impredecible Stella, desde aquel momento quedé prendado del talento y belleza de la actriz que en aquella película tenía apenas 20 años y una nominación al Óscar a cuestas.

Luego de averiguar un poco sobre su carrera, me enteré de que era la actriz con más Césares de la historia (equivalente al Óscar en Francia), cinco en total, además de que en 1981 se había llevado el premio a mejor actriz protagónica en el Festival de Cannes, ¡por dos películas! Una era Quartet un drama de época dirigido por James Ivory, la otra se llamaba simplemente Possession.

Es aquí dónde entramos en la película que nos compete hoy. Muchas veces ha pasado que uno cree haberlo visto todo, respecto a distintos aspectos de la vida, al actuar de las personas, fenómenos de la naturaleza, las artes, etc. Y algo así me pasó cuando vi por primera vez esta película cuya historia además no deja de ser interesante.

Estrenada en 1981, es la cuarta película de Andrzej Zulawski, cineasta polaco fallecido en 2016, cuya carrera fue un tanto accidentada y polémica. Sus películas durante los años 70 fueron censuradas por el gobierno comunista por ser tachadas de ir contra el régimen o querer implantar ideas en el público. El caso más extremo sucedió precísamente con su cuarto proyecto On The Silver Globe, el cuál se trataba de una adaptación de una novela de su abuelo, una película de ciencia ficción que fue entendida como una crítica hacia el gobierno.

En resumen el Ministerio de Cultura, que entonces controlaba todas las producciones polacas, mandó a quemar los negativos de aquel film, quedando parcialmente destruido, pues lo que quedó fue reestrenado con un montaje especial en el Festival de Cannes de 1988, diez años después de aquel atentado contra la cultura, lamentablemente la película quedó mutilada.

Mientras sucedía todo esto la esposa de Zulawski, la actriz Malgorzata Braunek que además había trabajo con él en sus primeros trabajos, lo abandonó llevándose a su hijo. Desecho por las circunstancias el realizador aceptó una invitación de unos amigos para trabajar Estados Unidos, lo cuál se trató nada más que de mentiras para distraerlo de semejante malestar.

Es en este contexto que empieza a germinar en la cabeza de este creador la película en cuestión, entre el ataque del gobierno comunista y su divorcio se mezclaron ideas que fueron dando forma a lo que se convertiría en el guion de la película, mismo que co-escribió con el escritor americano Frederic Tuten.

La película es una amalgama inclasificable que parte como drama centrado en la historia de un triangulo amoroso. La historia sucede en Berlín, donde Mark (Sam Neill) regresa de una "misión fuera del país" luego de un año aproximadamente, y a su regreso su mujer Anna (Isabelle Adjani) no se muestra muy entusiasmada, rápidamente nos cuentan que Anna ha estado teniendo una aventura con Heinrich (Heinz Bennent) un hombre adepto a consumir hongos y drogas alucinógenas para enriquecer sus experiencias sexuales.

Para muchos los primeros 40 minutos de la película retratan con bastante fidelidad la ruptura amorosa, y ciertamente cuando vi aquello yo me quedé abrumado, puede resultar una experiencia bastante fuerte para el que haya vivido una experiencia similar, pero lo interesante de la película viene cuando se introduce la idea de que Anna no ha estado viendo a Heinrich, pues este ha estado de viaje en Hamburgo, si no a "alguien más".

A partir de aquí la historia toma un cariz distinto, abandonando por completo el melodrama y adoptando un clima enrarecido, pues en determinado momento Mark manda a seguir a su esposa con la esperanza de descubrir dónde y con quien se ve diariamente, y el detective contratado descubre que la mujer esconde en su apartamento a un monstruo.

Lo que sigue a partir de este punto son unas vueltas extrañísimas en el guion, pasando del drama al terror, del terror a la intriga policíaca, e incluso hipotéticamente luego del final se convertiría en una película bélica. Los actores hacen un despliegue de registros impresionante, hay que decir ya que cuando uno ve a película comprende inmediatamente los galardones que recibiera la actriz francesa que entonces tenía 25 años, su interpretación es sencillamente descomunal.

Voy a evitarme despedazar el argumento de la historia en exceso, prefiero dejar a los que no la hayan visto todo el placer de descubrir esta historia por sí mismos. Es una cinta que definitivamente no deja indiferente a nadie, puede que te parezca una obra maestra, que te parezca una porquería, una cosa rara o maravillosa, pero no hay medias tintas.

La música de la banda sonora está bastante curiosa, realizada en sintetizadores (Algo muy de los ochenta), refuerza muy bien los momentos de la película, aquellos en los que aparece porque también hay momentos que no utilizan temas musicales y quedan perfectos de ese modo. Algo que no pude evitar notar es que uno de los temas que se repite varias veces durante la película inicia con las mismas notas de uno de los temas del padrino.

Cabe mencionar que la película fue un fracaso total de taquilla en Estados Unidos, pues se estrenó una versión radicalmente mutilada, cuyos 97 minutos no equiparaban en absoluto la calidad del montaje original de 123 minutos.

Recomiendo encarecidamente esta experiencia, que afortunadamente fue remasterizada para bluray en el año 2014 con la aprobación de su director, existe una edición muy bonita en una caja que incluyen la película, la música, y un documental que cuenta toda la historia de la película, y más importante aun deja testimonio de las razones del director para tomar ciertas decisiones, revelando las verdades detrás de todos aquellos detalles crípticos que quedan sin explicación en la película pero que engrandecen su misticismo, no dejen de darle una mirada si pueden.

Secrets & Lies (1996) - Mike Leigh

Hace algunos años estaba desarrollando una idea para una posible historia que quería plasmar en un futuro guion. La historia giraba entorno a una madre que comete un crimen. Un día mientras estaba buscando películas me topé con Vera Drake (2004), película que por cierto está protagonizada por Imelda Staunton, recordada como la infame Profesora Dolores Umbridge de las películas de Harry Potter.

Dos detalles en especial llamaron mi atención de aquella película. En principio la historia, sobre una madre de familia juzgada por asesinato, lo cuál me interesaba como referencia para mi historia, aunque la premisa y conflicto eran distintos a lo mio. El segundo detalle era que esta película estaba dirigida por Mike Leigh, realizador inglés que en 1996 se llevó nada más y nada menos que la Palma de Oro por la película que voy a comentar en esta ocasión.

Me causaba mucha curiosidad que película había sido capaz de quitarle la Palma de Oro a Rompiendo las Olas de Lars von Trier (que se llevó el Grand Prix) y a Crash de David Cronenberg (que ganó1 el Premio Especial del Jurado), dos películas que son de mis predilectas. El punto es que Vera Drake me decepcionó, ni siquiera terminé de ver la película, porque me parecía un melodrama del montón, sin profundidad y con esto se fueron mis ganas de volver a ver ninguna película del señor Leigh... Hasta ayer.

El estimado Manolito me insistió en que viera esta película, que era muy buena... y que no se que. Y aunque hace un tiempo ya había visto otra película de Leigh, Naked (1993) que por razones distintas tampoco me convenció, pues decidí darle una oportunidad a la recomendación de El Manolito. Me parece justo mencionar que por alguna razón nunca he comulgado con los directores ingleses, si acaso el único (aunque trabajó sobre todo en Hollywood) al que me rindo es Sir Alfred Hitchcock.

Entonces, ante la sugerencia de mi buen amigo, decidí darle una oportunidad seria a Secretos y Mentiras de Mike Leigh.

La película es un drama familiar, que en un inicio da la impresión de ser una gran película coral, la típica historia de muchos personajes variopintos, conflictos múltiples y lineas de tiempo cruzadas, sin embargo no es el caso realmente, simplemente tenemos una compleja historia que abarca a varios personajes, cada uno con su conflicto eso sí, pero que van a enfrentar un destino y un conflicto superior afines.

La historia empieza con un funeral, la madre de Hortense (Marianne Jean-Baptiste) ha fallecido y con ello despierta en ella una curiosidad muy humana, la de conocer a su verdadera madre, pues ella fue adoptada. Por otro lado está Maurice (Timohty Spall) un fotógrafo de unos 35 o 37 años que no lleva una vida conyugal muy satisfactoria. Y finalmente tenemos a Cynthia (Brenda Blethyn) una mujer madura cuya relación con su hija no va muy bien y que vive tocada por la falta de afecto familiar.

En principio la historia me encanta, soy muy adepto a las historias de familia o sus derivados, como por ejemplo El Padrino (1972), una película de mafiosos sí, pero cuyo peso e importancia histórica radica en el ángulo que supo darle Francis Ford Coppola con la historia de una familia y los conflictos universales que implica, de ahí el tremendo éxito que cosechara.

Otro de los grandes temas de la película además de 'La familia', sería 'La paternidad' más que otro tipo de lazos y relaciones la película se apoya claramente en la relación madre-hijo y en como esto marca a ambos miembros de esa relación. Cómo la falta de uno o de otro mueve y altera la vida del que está solo.

Durante el inicio de la película me emocionó ver el tipo de historia que se trataba y me vi venir un peliculón. Lamentablemente el desarrollo de la película luego de presentados los personajes y las ideas iniciales, me fue decepcionando poco a poco.

Voy a entrar un poco más a los detalles de la historia para poder explicarme (SPOILERS).

Marianne Jean-Baptiste y Brenda Blethyn

La película para mí comete el primer error en relacionar a los personajes rápidamente y con cierta obviedad pues mientras vemos como Hortense en su investigación descubre que su madre biológica es blanca, Maurice y su esposa Monica (Phyllis Logan) comentan sobre un 'secreto' que Cynthia le ha estado guardando a su hija Roxanne.

En este punto inmediatamente he pensado que Hortense debe ser hija de Cynthia, habiéndola dado en adopción por ser muy jovencita al haberse embarazado, todas estas deducciones salen del desarrollo que se le da al personaje de Cynthia como una mujer promiscua e inestable. Si bien aquellas ideas mías pudieron haber sido erradas, de alguna manera el director ya te las pone en la cabeza por como va a enlazando su historia.

A pesar de aquel traspié la historia continúa con mucho interés, la atmósfera de la película es de desolación, ningún personaje esta satisfecho con su vida, algo los aqueja más allá del éxito o fracaso. Un punto muy, pero muy a tener en cuenta, son las impresionantes actuaciones que tiene la película, todos los actores están soberbios, en especial Brenda Blethyn que además se llevó el premio a mejor actriz de Cannes.

Hay una conmovedora y potente escena del reencuentro entre Maurice y su hermana Cynthia, que es de lo mejor se haya hecho en el cine, (al menos de lo que yo he visto) realmente toca tu corazón, impresionante, brutal, magistral momento de la película, que muy a mi pesar llega muy rápido y desequilibra la historia, porque ¿cómo superas eso luego?

Otro de los aspectos positivos de la película viene en el plano técnico, su sobrio planteamiento visual en cuanto a planos, potencia muy bien en conjunto con aquella fotografía parca la esencia de la película, ese clima gris de Londres que tan a pelo queda con la historia, realmente tiene un muy buen aspecto la película, además de que sostiene perfectamente el conjunto narrativo.

La cinta comete otro error, que una vez desarrollado el personaje de Cynthia por completo, cae en una redundancia respecto al mismo, siguen apareciendo escenas dramáticas en torno a este personaje, pues tiene problemas con su hija, con su hermano, con su cuñada, con su pasado, y la película te lo recalca constantemente con lloriqueos y peleas, recurso que siempre puede ayudar a darle intensidad a una determinada escena, pero si se aplica adecuadamente y con mesura.

No es posible que cada 10 minutos haya un griterío en la película, porque esto pasa de ser un drama a una broma. Aquel maravilloso momento que comparten los dos hermanos, pierde su fuerza y se repite una y otra vez hasta el final de la película a tal punto que se hace incómodo, cansa y quita las ganas de seguir viendo la película, cuya seriedad y profundidad ya no te las crees.

Finalmente hay una 'reunión familiar' final a razón del cumpleaños 21 de Roxanne, dónde se hacen todas las revelaciones de la película, dónde se desenvuelven aquellas mentiras y secretos que han estado guardados por los personajes durante toda su vida. Y el final de la película termina siendo un tanto flojo, todos contentos, sus conflictos resueltos y la 'lección aprendida'. Todo perfecto. Esto se contrapone totalmente con el realismo que presenta el planteamiento inicial de la historia.

No es real perdonar a tu madre el mismo día por una mentira que te ha guardado toda la vida, o aceptar a un hijo o hermano que nunca has visto así tan de repente. Y es en este punto dónde la película me termina de decepcionar y me recuerda claramente a Vera Drake, pues aquella película también tenía un lloriqueo insoportable.

Los picos dramáticos resultan excesivos, ciertamente es el mejor adjetivo para esta pelicula, es excesivamente dramática, yo me esperaba una historia dramática de una profundidad y valor universales, y lo que me encontré fue un decepcionante y vulgar melodrama, y molesta porque la historia es buenísima, pero se hubiera podido aprovechar de otra manera.

Luego de verla, yo debo decir que entre Rompiendo las olas, que también era una historia muy dramática, yo me quedo con la obra del danés, quizá también tiene sus problemas con el realismo, pero él no va por esa línea, y si por la del melodrama desde un inicio, a pesar de lo cuál se contiene y no es tan barroquista en el despliegue emocional, como sí su par inglés.

En general, es una película que si recomendaría, pero que por su extensión (142 minutos) y por sus insufribles griteríos llega a cansar, con un poco de mesura los actores se hubieran llevado tranquilamente muchos más galardones. A propósito Brenda Blethyn estuvo nominada al Óscar de 1997 como mejor actriz junto a Emily Watson, protagonista de Rompiendo las olas, pero como todos ya saben, de manera insólita aquel premio se lo dieron a Frances McDormand por su discreta actuación en Fargo de los hermanos Coen.

Essential Killing (2010) - Jerzy Skolimowski

Film protagonizado por Vincent Gallo, como un fugitivo árabe que huye de alguna fuerza militar en una zona rural durante el invierno. Una premisa bastante abstracta si se quiere, que busca ir a la vena del sentir humano casi sin referencias de contexto.

El director aduce que buscaba no politizar la película en base a omitir todo tipo de referencias, aunque esto resulta inútil, o bien una mentira, lo cierto es que Vincent Gallo siendo un actor americano calza perfectamente como hombre árabe.

La película intenta ser un acercamiento bastante minimalista a la experiencia de un fugitivo, casi no hay diálogos en la película, de hecho no hay intercambio de palabras, por cuestiones de guión, siempre unos actores se dirigen a otro sin recibir respuesta, lo cuál pudiendo ser algún tipo de metáfora interpretable a gusto de cada quién, queda perfecto en el guion.

A mi criterio la película tiene sus virtudes como también algunos defectos, si bien la premisa es bastante interesante, además del gancho que me jaló para verla (sin mencionar al director claro) que fue la Coppa Volpi que mereció la interpretación de Vincent Gallo en la edición de 2010 de Venezia, sin decir una sola palabra. La película deja bastante en evidencia que tal galardón es muy merecido.

De hecho el papel que ofrece aquí Vincent Gallo es bastante exigente, tanto físicamente pues tuvo que filmar descalzo y mal vestido en un bosque cubierto de nieve, así como diversas escenas de bastante demanda física, por otro lado hay momentos dónde se ve inmerso en evocaciones del pasado, las cuáles si bien son apoyadas con imágenes oníricas obligan al actor a expresar con el rostro la pesadumbre del personaje.

La dirección de la película es bastante competente, de hecho Jeremy Thomas (The rocky horror picture show, Bad Timing, Crash) alentó a Skolimowski a engrandecer la producción de la película, por lo que fueron posibles tomas de helicoptero, grua, cámara al hombro y diversas técnicas de filmación, lo cuál da más valor de producción a la película al ya no tratarse nada de más de un modesto film independiente europeo.

Entonces que falla en la película al tener una impecable producción (si hasta se recrearon varios ambientes militares y persecuciones tácticas), sencillamente y voy dejar en claro que esta es mi valoración personal, pues aquí ya entra el criterio de cada uno, y podría ser que me equivoque, pero daré mis argumentos de porque la cinta para mi no es más que una película del montón.

Suena un poco fuerte, y hasta atrevido de mi parte si consideramos que Essential Killing se llevó además el Premio Especial del Jurado en Venezia 2010. Pero en mi opinión la película se queda a medio camino entre una película de espionaje/thriller y una película contemplativa europea.

El principal problema para mi es el guion. Durante toda la historia se dan muchas casualidades que hacen progresar la historia, por poner un ejemplo aislado, en cierto momento el protagonista se encuentra perdido y sin esperanza de sobrevivir, y de pronto se encuentra a dos militares distraídos en un automóvil, evidentemente el personaje tiene la capacidad de aprovechar esto para continuar su camino luego de 'deshacerse' de aquellos dos hombres, esta escena no se sostiene ni con pinzas, pero coincidencias de esas suceden varias en la película.

La historia se apoya mucho en sucesos muy precisos que no resultan creíbles, y se suceden "uno detrás de otro", que es como suelo referirme a este tipo de recursos que a veces usan los guionistas para darle movilidad a su historia con facilidad, pero sin sustancia. Pero sobre todo, si bien el objetivo del protagonista, de acuerdo a como lo plantea el director es sobrevivir, realmente el insurgente árabe no tiene ningún propósito establecido, lo cuál nos hace partícipes de su travesía sin tener idea de a dónde va. Tal vez esto último pueda ser ambiguo, y no necesariamente un error.

Además de eso, la película se aletarga por momentos, prolongando escenas dónde el personaje reflexiona sobre su existencia, que se hacen como mínimo pesados. Constantemente le vemos al tipo solo y perdido, sin saber que hacer y remitiéndose a los recuerdos de una esposa en su país natal tal vez, tal vez podríamos aceptar que su objetivo es sobrevivir para regresar al encuentro del ser amado.

En mi opinión se debería a haber construido una historia un poco más "interesante", para reforzar la historia de supervivencia. Es aquí que debo mencionar la secuencia final, en la que aparece la actriz francesa Emmanuelle Seigner, que precísamente hace de muda, que además también aparece por casualidad en el camino del protagonista, en este momento para mi se desperdicia algo que podría haber sido el momento de más potencia y profundidad de la película.

De pronto Vincent Gallo llega a una cabaña en medio de un bosque helado, y ve como una mujer expulsa de la misma a dos borrachos, él, que está malherido y no da más llega a tocar la puerta en busca de ayuda, la mujer le abre con un poco de temor y lo cobija. Luego de revisarlo, curarle las heridas y ofrecerle un poco de comida, además de un pequeño momento de tensión en el que llegan militares a preguntar por el fugitivo (¡y que con semejante amenaza suelta ni siquiera piden permiso para revisar la cabaña!), se miran un rato, luego el árabe se para y se retira en un caballo que ella le obsequia.

Ese momento para mi fue un tanto decepcionante porque se desaprovecha aquel choque de dos realidades (el terrorista y la ama de casa muda), para ofrecer un pequeño momento mágico, y en lugar de eso la escena queda bastante vacía y de trámite.

A mi se me ocurre algo como que la mujer está sacando de la cabaña a su marido, al cuál detesta además de soportar sus golpes, y que luego de curar al hombre por puro instinto humano y maternal si se quiere, le deja ir, este en agradecimiento va y busca al marido ebrio y lo mata, después de todo lo que se ha visto el tipo no puede ser incapaz de aquello. Este hubiera sido un planteamiento mucho más interesante a mi modo de verlo, generas un nexo entre ambos personajes y hay un pago por la ayuda, sin escenitas de amor ni tonterías.

En general, el concepto de la película tiene mucha tela para cortar, pero el planteamiento en el guion no me resulta convincente, la película se siente larga y dura solo 84 minutos. Visualmente está muy bien, tiene buenos momentos de tensión, pero estos se ven mermados por otros que ralentizan los sucesos.

Jerzy Skolimowski dice que lo que quería plasmar en su película era la historia de un hombre que se ve forzado a matar en busca de sobrevivir, si el personaje hubiera sido una secretaria no hubiera sido creíble, por eso se emplea a un terrorista islámico o algo por el estilo, incluso hasta ese hombre que debe haber matado a docenas de hombres en nombre de Allah, es capaz de conmoverse y llorar luego de forzar a punta de pistola a que una mujer que está dando de lactar a su bebé lo amamante a él también pues lleva días sin comer nada, ¡simplemente brutal!

La película podría haber sido mucho más impactante, sin descuidar los conceptos que se querían abordar y manteniendo la misma premisa, añadiendo un poco de narrativa y diseñando mejor algunas escenas, pero bueno, cada quién entiende el cine a su manera y esta es la mía.

Cómo comentario final quería añadir que mientras vi la película no pude evitar recordar la película El renacido (2015), "un tipo perdido en un bosque nevado tratando de sobrevivir", ¿bastante similar no? No me sorprendería que Alejandro González Iñárritu hubiera tomado algunas ideas de esta película de 2010, que tienen bastantes momentos muy similares, si bien aquí no hay osos.

Todos lo saben (2018) - Asghar Farhadi

Esta es la octava película de Asghar Farhadi, director iraní que saltó a la fama tras adjudicarse el Óscar a la mejor película extranjera en 2012 por La separación (2011). Hace un par de años volvió a llevarse el mismo premio por El cliente (2016) además del premio a mejor guion en el Festival de Cannes de aquella temporada.

Antes de entrar en materia debo comentar unas cosas, conocí el cine de Asghar Farhadi precísamente por el oscar que le mereció La separación, y al verla quedé maravillado el realismo y cercanía que proyectaba aquella historia de un matrimonio que por desavenencias decidía terminar su relación, un tema universal que puede aplicar para cualquier pareja del mundo, sea heterosexual o no incluso, pero que gana mucha potencia e interés con el matiz que añade la sociedad iraní como contexto.

Posteriormente vi su siguiente película El pasado (2013) y aquí lo interesante era que si bien seguía abordando conflictos de pareja, introducía algo nuevo, la relación entre franceses y árabes. Luego pude ver una película un poco más antigua Sobre Elly (2009), la cuál me dejó maravillado porque además de mostrar también de cerca la realidad de Irán, su guion muy apoyado en el suspenso y trabajado al milímetro, hacen de la película una experiencia trepidante.

A partir de ahí me convertí en fanático empedernido del señor Farhadi y me ví todas las películas que pude conseguir de él. Su trabajo tiene varias constantes, los conflictos emocionales en las relaciones de pareja, los fallos de la sociedad iraní, las diferencias entre hombres y mujeres como fuente de conflicto, y sobre todo casi todas sus películas tienen una marcada aura de suspenso que siempre se basa en la ruptura de las convenciones y normas sociales.

Entonces tenemos que este señor ha dirigido seis películas en Irán y una en Francia. No siendo su primera película fuera de Irán, si se trata de la primera totalmente desconectada de Irán o de la realidad iraní, en este caso se trata de una película española. Siempre me imaginé que podría regresar a filmar a francia, o quizá al no ser una posibilidad Estados Unidos, ir al Reino Unido para filmar en inglés, pero jamás me imaginé que su siguiente proyecto se tratara de una película en español.

Además no solo eso, si no que los protagonistas son nada más y nada menos que Penelope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín. ¿Fuerte no? Debo decir que cuando me enteré de aquello estaba excitadísimo, quería ver la película ya mismo, lo cuál no me ha sido posible si no hasta hace un par de semanas.

Entonces, dicho todo lo anterior ¿qué me ha parecido la película?¿La recomiendo?¿Es buena, es mala? La verdad es que no es facil contestar, pero debo adelantar que la película me ha dejado un tanto decepcionado, y me jode porque tenía todos los elementos para ser un nuevo hito dentro de su carrera, pero lo cierto es que Asghar Farhadi ha dado un traspié con Todos lo saben.

No solo lo digo yo, la crítica ha recibido con cierta frialdad este trabajo, por citar una muestra, solo un 64% la recomienda en Rotten Tomatoes, con una puntuación de 6.3/10, mintras que en Filmaffinity tiene una media de 6.7/10. Es claro que es su trabajo más flojo en muchos años, sobre todo cuando ya nos tenía acostumbrados entregar cintas de altísima factura.

Para entender cuáles son los fallos como los veo yo, hay que fijarnos en ciertas decisiones que voy a tocar una tras otra.

Los errores para mí empiezan con la idea de ir a filmar a España, se opta por un pueblo retirado de la ciudad un poco similar a los escenarios modestos que se ven en sus películas iraníes. El problema no es tanto que se filme en España, que además es una sociedad ajena a Farhadi, más bien el tema es que la película tiene una estructura bastante similar a sus películas anteriores, por ejemplo Sobre Elly, que empieza con una secuencia larga de un paseo, dónde los personajes van compartiendo un momento en familia, que se mantiene durante media hora hasta que aparece el gran detonador dramático.

Todos lo saben empieza con una larga secuencia dónde Laura (Penelope Cruz) regresa a su pueblo natal luego de años de vivir en Argentina, evidentemente Ricardo Darín hace del esposo, como secundario. En esa comunidad se va a celebrar un matrimonio, durante el cuál va a suceder el desencadenante de toda la tensión dramática. En Sobre Elly hay varias parejas durante un fin de semana en la playa, aquí se trata también de varias parejas durante un matrimonio celebrado en las afueras de la ciudad. Premisas bastante similares.

Entonces Asghar Farhadi dedica muchos minutos de la película a presentarnos muchos personajes pertenecientes a una realidad que no es la suya y con la que el mundo (sobre todo de habla hispana) está bastante más familiarizado, razón por la que se hace un poco extenso e innecesario, a diferencia de sus películas anteriores pues la realidad iraní es bastante más obscura para el espectador occidental. El resultado es una arranque ralentizado y poco matizado por los personajes, los cuales el director suele aprovechar para adelantar ciertos conflictos internos generando interés en el espectador.

El segundo problema que tiene la película es que indudablemente repite conceptos del pasado, especialmente en el caso de Sobre Elly, el incidente incitador es tal cuál, el mismo recurso dramático. Otro concepto, que además es usual en la filmografía de este creador, es el de la 'mujer problema', en muchas de sus películas las acciones de la mujer desencadenan toda la historia, o entorpecen los objetivos de los protagonistas. Pero en esta película se repiten muchas ideas de Sobre Elly.

Las actuaciones son otro punto decepcionante, cumplen, pero no destacan, y lo más lamentable es que tenemos a tres pesos pesados de la interpretación, pero que aquí están desperdiciados, el peor caso es el de Darín, que tiene un personaje bastante desdibujado que no le da oportunidad a mostrar sus mejores registros. Javier Bardem está un poquito mejor, pero sin destacar, y Penelope Cruz está bastante mejor que ambos, pero tampoco da para mucho.

La historia es otro punto flojo, pues en determinado momento se hace predecible y eso es algo que a este señor no se le puede perdonar, no se le puede perdonar, por el talento descomunal que ha mostrado en entregas previas, es por esto que la película es decepcionante para mi, y para muchos otros.

Ahora, ¿se trata de una mala película? Pensándolo pues realmente no lo es, si se tratase de una ópera prima, diría que se trata de una gran película (ni así da para "obra maestra"), pues tendría mucho mérito el haber conseguido todo aquello siendo un director novel, pero en el caso de Asghar Farhadi es increíble que haya cometido semejante despropósito.

En términos de la propia película, realmente es interesante, pero no deja de tener un arranque lento, tiene muchos giros que generan interés, pero no deja de tener una resolución floja y predecible. El apartado visual está muy conseguido y es muy agradable a la vista, pero las actuaciones no convencen, en conclusión estamos ante una película mediocre, yo lo siento mucho pero tengo que decir las cosas como son, tal vez alguien que la haya visto y no conozca el trabajo de Asghar Farhadi, pensará que estoy equivocado que exagero, pero yo digo que no, las fallas están ahí, cuando vez películas como La Separación o El pasado, ves una potencia en sus conceptos que aquí no están ni por asomo, y menos con la originalidad que si tienen las otras.

Para terminar, debo decir que si eres alguien que está comenzando a ver cine de calidad, cine independiente, cine europeo, extranjero, etc. pues esta película si está bien para ver una vez, pero lo cierto es que se trata de un tropiezo para su director, el cuál espero que se tome su tiempo para idear una nueva historia que tenga la fuerza y una pizca de originalidad y consiga la tan ansiada Palma de Oro por la que ya ha competido en varias ocasiones y le ha sido esquiva.

Por cierto, el título es malísimo, depedaza la trama.