A Star Is Born (2018) - Bradley Cooper

En un inicio, no me llamaba la atención para nada ver a Lady Gaga cantando en una película, lo único que tal vez me hubiera podido motivar a verla era que se trata de debut de Bradley Cooper dirigiendo, por otro lado sospechaba que probablemente estuviera nominada al Óscar por todo el barullo que hubo al respecto, razón por la que de todos modos iba a tener que verla para tenerla comentada aquí.

Cómo a priori no estaba muy animado para ver la película decidí hacer un ejercicio interesante y ver primero las 3 versiones predecesoras producidas en Estados Unidos (pues existe también una especie de adaptación india, pero que no es propiamente parte de esta 'saga' pues se trata de una secuela de otra película que toma elementos de la historia) y hacer una comparativa a través de los años y guardando las distancias de cada época, para hacerme una idea más justa de la película de Bradley Cooper.

Entonces llegamos a 2018 y tenemos que después de 42 años un nuevo remake de esta película, ya casi quemada, ha visto la luz. ¿Cómo se podía ofrecer algo nuevo y no visto antes? No lo sé y me quedaré sin saberlo tal vez, porque esta película está directamente relacionada con la versión del 76 y poco a nada tiene que ver ya con las dos primeras, pero sobre todo no ofrece mucho más que su antecesora, salvo algunos detalles que me han parecido acertadísimos.

Esta producción llevaba muchísimos años retrasándose una y otra vez en cierto momento se tenía como director nada menos que a Clint Eastwood, con Beyoncé de protagonista y barajándose varios nombres para el otro personaje como Christian Bale o Will Smith, pero nunca llegó a concretarse la producción, finalmente se contactó a Bradley Cooper para papel masculino, además de para dirigir el proyecto, algo sorprendente considerando que es un novato.

Algo que le reclamaba a las tres películas anteriores, sobre todo a la de 1976 era que no profundizaban en el personaje de Norman Maine/John Norman, y los origines y razones de su conducta autodestructiva que le han llevado a hacer añicos su carrera a través del alcohol. Aquí Bradley Cooper interpreta a Jackson Maine (ya no es Norman), un músico de Country Rock cuyo medio hermano, interpretado por Sam Elliott, lleva su carrera, y bueno lo mismo de siempre, luego de un concierto va a un bar de drag queens en el que se presenta Ally (Lady Gaga), quien trabaja como camarera en un restaurant.

No voy a ahondar en el resto de la historia pues ya se sabe como termina, pero lo más importante aquí es que Jack Maine tiene un conflicto muy interesante, pues el tipo tiene una enfermedad degenerativa que le está dejando sordo, sumado a eso tenemos que su relación con Bobby, su hermano y manager, no es la mejor, pues este vive con la herida de no haber sido cantante el mismo, a pesar de lo cuál es fiel a su hermano.

La narración de la película además está mejor equilibrada en esta versión, cada escena encaja en perfecta armonía unas con otras, no sentimos que la película se quede demasiado en un lugar, la historia es dinámica, incluso las secuencias musicales están muy bien colocadas y la película casi no se siente como un musical, si bien hay suficientes números como para considerarla un musical, las canciones están bien balanceadas con el progreso de la historia y están implicadas con determinados sucesos de la película.

A nivel de actuaciones debo decir que Bradley Cooper hace un señor papel, como ese cantante sureño imitando un poco ese acento que tiene por ejemplo Jeff Bridges, engrosando más la voz, la forma de caminar, la manera de interpretar los temas en el escenario, muy buena actuación. Lady Gaga cumple con su rol perfectamente, no voy a decir que es la mejor actriz del momento, pero está más que bien, sobre todo si consideramos que realmente ella no es actriz, aunque haya participado en algunas producciones. Cómo cereza en el pastel tenemos a un muy buen Sam Elliott, que interpreta con el corazón y los pocos minutos que aparece es muy conmovedor.

La banda sonora de la película es otro punto bastante positivo, las canciones no son muy de mi gusto pero van muy bien con la película, y tanto Cooper como Gaga potencian muy bien los temas, en especial me gustó el tema inicial, una especie de country rock estilo texas muy potente y como arranque está muy bueno. Un aspecto que no destaca especialmente pero es para tener en cuenta es la dirección de Bradley Cooper, ofrece un tratamiento muy moderno con diversos recursos, dolly, grúas, cámara al hombro, lo cuál facilita un montaje muy dinámico.

Luego de haber visto todas las películas debo decir que esta es la que más me ha convencido, y por supuesto que la recomiendo, no hagan caso a la gente que dice que si aburre, que si no vale, que si Lady Gaga esto o lo otro, la película está muy bien, el que no la valore será por otras cuestiones más subjetivas. Si tuviera que ordenar todas las películas de esta historia, esta la pondría como la mejor, definitivamente, luego colocaría a la versión de 1976, en tercer lugar al original y en cuarto lugar a la versión de 1954 dirigida por George Cukor.

La película, con un presupuesto de 36 millones de dólares ha recaudado un total aproximado de unos 400 millones de dólares en todo el mundo, por lo cuál no descartaría que volviéramos a ver en un futuro no muy lejano a Lady Gaga protagonizando otro musical o con algún otro papel importante en Hollywood, desde luego Bradley Cooper tiene una carrera asegurada como director, y como actor para mi ya ha demostrado que es un tipo que vale y puede hacer mucho más que comedias y payasadas.

A Star Is Born (1976) - Frank Pierson

Ya estoy aquí para comentar el segundo remake, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en los . Esta tercera versión se distancia de las dos primeras buscando modernizar la historia y adaptarla a los tiempos del hipismo y de la contracultura, ya en decadencia en los años 70 enclaustrando la historia en el negocio de la música. La película fue producida por Jon Peters y Barbra Streisand.

Aquí ya nos olvidamos de Norman Maine y en su lugar tenemos a ¡John Norman Howard Speedway! (tremendo nombre ¿no?), una estrella de rock interpretada con gran acierto por Kris Kristofferson el famoso cantante de folk de aquellos años, leyenda de la música y el cine. La historia nos cuenta como esta estrella de rock perdida en el alcohol y las drogas llega por casualidad a un pequeño bar dónde ve interpretar a una joven cantante llamada Esther Hoffman (Streisand), más o menos lo mismo que las anteriores.

Esta producción es impecable, filmada muy al estilo documentario de los setentas, todas las escenas de conciertos recuerdan un poco a momentos de Woodstock. Los temas musicales son impecables y muy enérgicos, se siente la vibra de la película, que es mucho mayor que en las otras dos anteriores, por más que Judy Garland se haya dejado la vida en su momento.

Esta película en mi opinión tenía todo para ser muy superior a sus antecesoras, pero no termina de profundizar en el conflicto de Norman y el origen de sus problemas con el alcohol, el cuál terminan destruyendo su relación Esther. Hay varios detalles distintos en esta historia que responden a la necesidad de adaptar la historia a un contexto musical, lo cuál está bien pues le da personalidad propia a esta producción.

Los actores están bastante bien, tanto Kris Kristofferson y Barbra Streisand brillan en pantalla, lucen sus voces, y muestran mucha química y carisma. Como curiosidad habría que mencionar que al inicio aparece Robert Englund en un pequeño papel, el actor que interpretó a Freddy Krueger en las primeras películas de Pesadilla en la calle Elm.

Hay que destacar que esta película que Barbra Streisand fue la primera mujer nominada y ganadora de un Óscar como compositora, por el tema Evergreen, junto a Paul Williams, famoso compositor de los años setenta que trabajó con los Carpenters por ejemplo. También cabe mencionar que la película con un presupuesto de 6 millones de dólares recaudó 80 millones de dólares en cines de Estados Unidos, sobrepasando probablemente los 100 millones a nivel mundial.

Un gran éxito de taquilla, que la crítica no valoró de forma tan positiva más allá de reconocer el innegable talento de la señora Streisand. No está mal está película, si les gusta Barbra Streisand, Kris Kristofferson y el rock de los setenta, pues se lo van a pasar bien.

The Mule (2018) - Clint Eastwood

Vengo al cine luego de un buen tiempo. La última vez fui a ver A Quiet Place (2018). Debo reconocer que me lo he pasado bien a pesar de las circunstancias (estaba sentado en la segunda fila, hacia un costado). El plan original era ir a ver Glass (2019), la cuál pensaba comentar, y seguramente haré en un futuro cercano, pero las cosas no salen como uno las planea y no habían entradas, entonces de rebote hemos caído a ver la más reciente película de Clint Eastwood.

Creo que había visto algún momento de el trailer, pero no tenía ni idea del argumento de la película, así que he ido descubriendo la historia estando ahí en la sala. Algo que me llamó la atención es que Clint Eastwood no solo dirige si no que protagoniza la historia, recuerdo que hace unos años escuché que luego de Gran Torino (2008) se retiraba de la actuación, pero luego lo fui viendo una y otra vez en película tras película y hemos llegado al 2019 y el señor a puertas de los 89 años no para.

La película más o menos cuenta un hecho real. Leo Sharp fue un veterano de guerra que trabajó para el Cartel de Sinaloa como 'mula' durante 10 años, llegando a transportar más de 300 kilos de cocaína en un solo viaje a bordo de su camioneta Lincoln. A los 87 años, Sharp fue arrestado por la DEA y procesado por transportar droga para el Cartel, saliendo en libertad en 2015 por complicaciones en su salud y habiendo cumplido un año de sus sentencia.

Pero volviendo a la película, ¿es recomendable? Honestamente, la recomiendo para ir a ver con la familia o pasar un domingo por la tarde en casa, y poco más. No es de las mejores películas de Clint Eastwood, no cuenta la historia con profundidad, se limita a ofrecer una visión entretenida y amable de los hechos apoyándose únicamente en el mensaje de que la familia debe prevalecer por encima de cualquier actividad que realicemos en nuestra vida.

Llama la atención algunos nombres en el casting, como Laurence Fishburn, Dianne Wiest, Bradley Cooper, Michael Peña y Andy García. Ninguna actuación realmente convence, salvándose por mero carisma tanto Eastwood como el propio Andy García, quien en los pocos minutos que aparece convence y genera sonrisas por su despliegue tan escalofriante como simpático.

A nivel visual la película no ofrece nada impresionante, bonitos paisajes del sur de Estados Unidos, que vemos a bordo de la pickup de Earl Stone (Clint Eastwood), pero poco más, el trabajo de fotografía está bien, pero no mata. La banda sonora de la película cumple un rol muy pobre, intentando remarcar a la fuerza la intención emocional de ciertas escenas, que no funciona con la naturalidad que debería producto de un buen guion.

La película se hace larga por momentos y poco interesante, es más como un paseo con tu abuelito, pero realmente no está aburrida, como digo se hace entrañable el personaje de Earl, que apoyado en múltiples golpes de comedia logra generar sonrisas. La historia además nos ofrece un conflicto muy interesante, pues el señor Stone ha sido un padre y esposo ausente que ha dedicado más su tiempo al trabajo, esta idea es muy interesante, pero está muy desaprovechada en la película, pues empieza con esto, luego saltamos a los viajes, y al final se retoma de una manera muy pobre y apresurada. Hay cierto momento crucial de la historia, que podría haberse aprovechado temprano en la película como elemento para generar suspenso e interés y al mismo tiempo trabajar el conflicto principal de los personajes, pero llega muy tarde y de manera apresurada.

Realmente se trata de una película más que no recordaremos especialmente, no está al nivel del mejor Clint Eastwood, ni como actor y muchos menos como director, pero se puede tomar como una oportunidad para pasar un momento agradable en familia si dejamos a un lado las pretensiones y exigencia por el acabado de calidad y la profundidad narrativa, si así lo deciden vayan a verla.

A Star Is Born (1954) - George Cukor

Luego de haber comentado la versión original de A Star Is Born, estrenada en 1937 y producida por el legendario David O. Selznick, tuve que tomarme un descanso por mi cumpleaños, y ahora luego de una semana, regreso para comentar la segunda versión de esta clásica historia.

Básicamente, en 1952 se le propuso al experimentado George Cukor dirigir un remake (Si, ya existían en esos tiempos) de A Star Is Born (1937) protagonizado por la también legendaria Judy Garland (El mago de Oz), Cukor no estaba muy animado de trabajar con Garland quién en ese tiempo ya tenía fama de inestable y problemática, pero dado que el productor, Sidney Luft, entonces esposo de ella no iba a ceder, Cukor vio en esta película una oportunidad para dirigir su primer musical, además en color.

La película se estrenó en 1954, con Judy Garland y James Mason en los protagónicos. Lo primero que tengo que que nada más empezar es que el acabado visual de la película es infinitamente superior, pero no solo a nivel tecnológico, si no que más allá de compararla con el original, lo cuál sería injusto, la película a nivel de producción y de enfoque visual, se siente muy adelantada a su tiempo para haber sido filmada en 1953.

Las primeras diferencias en la historia, parten del punto de vista que esta película es un musical, por tanto Esther Blodgett/Vicki Lester (Judy Garland) en esta película va a ser una actriz de musicales. Esther trabaja como cantante de una orquesta que se dedica a viajar por el país, presentándose en cuanto lugar encuentran, en esta película dicha orquesta participan en un evento de Hollywood dónde Esther protagoniza un número musical interrumpido por un ebrio Norman Maine, es de este modo que se conocen nuestro personajes.

El primer acto acaba con la propuesta de Norman Maine a Esther para hacer un casting. De hecho los momentos esenciales del original están en este primer remake, las únicas diferencias recaen en el hecho de que al ser un musical y Esther un personaje que actúa en musicales, pues hay ciertos detalles que se tienen que adaptar para este tipo de historia, y lógicamente añadir los números musicales.

Hay un tema muy curioso con esta película y es que su metraje original fue de 196 minutos, luego reducido a 182 minutos para su estreno, llegando finalmente a un corte final de poco más de 150 minutos para distribución genera. Precisamente, tal vez la cosa más negativa que tenga esta película sea su versión "restaurada". En 1983 hubo cierta demanda para que se restaurara la película incluyendo varios números musicales, un poco a modo de recuerdo pues Judy Garland ya llevaba casi 15 años de fallecida.

Se recurrió a fotografías del rodaje para incluir secuencias cuyo metraje no apareció, pero del que sí se tenía registro de sonido. El resultado es, a mi modo de verlo, un completo desastre, en ese punto la película se me hizo confusa, además de estéticamente ser horrible el resultado, pues las fotografías no son muchas y son en blanco y negro, un verdadero despropósito que me dejó con la curiosidad de ver la versión de 154 minutos.

Los números musicales demuestra la destreza, energía y habilidad de Judy Garland y porque tiene el lugar que tiene en a historia del cine americano, hay un momento en concreto de una secuencia muy poco ortodoxa filmada en una especie de sala, dónde la mujer se da mil vueltas, mientras que va de un lado a otro y manteniendo siempre el personaje, realmente fue el momento musical que más me llamó la atención.

En general, esta película esta tan bien como la primera, evidentemente sin considerar las distancias del tiempo, lo único negativo es el detallito que comenté de la restauración, pero en general se mantiene el mismo esquema del original, funcionando como drama, como musical y como tragedia.

A Star Is Born (1937) - William A. Wellman

Estos meses de verano voy a estar comentando películas de la temporada de premios, más allá de mis intereses personales, siempre me doy el trabajo de ver las películas que se premian en Estados Unidos durante enero y febrero. A pesar que se le critica con más o menos razón, Hollywood es una de las referencias históricas y personalmente siempre me interesa ver que se hace y por dónde van los tiros.

Una de las películas que más ha resonado durante estas semanas ha sido la nueva versión de A Star Is Born (2018), por múltiples razones. Se trata del debut como director de Bradley Cooper, un actor con una carrera muy estimable, además la amada y odiada Lady Gaga estelariza la cinta. Este proyecto ha generado muchos premios y buenos comentarios.

Aunque la película no me llamaba la atención especialmente, tenía que verla de todos modos, por esto se me ocurrió hacer una excepción y comentar las 4 versiones americanas (existe una versión india de 2013) aquí para hacer una comparativa interesante y ver cuáles son mejores o peores en sus diversos aspectos y de acuerdo a los estándares de cada época.

Entonces tenemos que en 1937 se estrenó esta primera versión dirigida por William A. Wellman con Janet Gaynor como actriz principal, esta mujer fue la primera actriz de la historia en hacerse con el Oscar a la mejor interpretación femenina en 1929 por tres películas. Fredric March su co-protagonista también había ganado un Óscar a mejor actor principal en 1932 por su doble papel Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1931) y repetiría el plato por The Best Years Of Our Lives (1946).

La película nos cuenta la historia de Esther Blodgett, una jovencita que vive en las afueras y sueña con ser una actriz de éxito en Hollywood. Al llegar conoce a Norman Maine, un reconocido actor cuyo problema con la bebida lo va llevando cuesta abajo, pero que ve en ella condiciones para la actuación y la ayuda a conseguir su primer contrato.

Hay que ver la película "con ojos de la época", evidentemente le han pasado los años y narrativamente es bastante básica, Luego del primer acto la película decae un poquito en interés profundizando en el romance, pero luego lo retoma cuando la historia da un giro y la novel actriz se ve en cierta encrucijada. De las pocas películas de los años 30 que he visto esta es quizá la más sólida.

Es interesante que aunque la película se llama 'Ha nacido una estrella' en referencia a la protagonista, a la par que ella va ascendiendo en su carrera, su marido va en picado hacia la nada, ahí es dónde entra en conflicto Esther y debe decidir entre cuidar de su esposo o consagrarse como estrella de cine, ella en un acto de gran compasión se decide por lo primero.

Esta historia me ha dejado con muchas ganas de ver las demás versiones, qué variaciones se han empleado, como se han trabajado los conflictos o que conflictos nuevos se han trabajado o cómo se ha modificado la historia, en especial la versión de 1954 me llama la atención pues la dirige George Cukor, un director muy de la era del Hollywood clásico.

Recomiendo A Star Is Born con seguridad, es una película bonita, con sus conflictos, no tan profundos como el cine posterior, pero para la época está muy bien, hay que tener en cuenta que en su día la crítica se rindió ante la película, cosechó 8 nominaciones al Óscar de 1938 incluyendo mejor director, mejor actriz, mejor actor y mejor guion, pero solo se llevó el galardón a mejor argumento, premio que ya no existe hoy en día.

Boy Erased (2018) - Joel Edgerton

Hacía meses que tenía ganas de ver esta película, ni sabía de que trataba, aunque el título es muy sugerente, pero lo que si sabía y me entusiasmaba es que se trata nada menos que de la nueva película de Joel Edgerton, quién 'apareció' en 2015 con The Gift, un thriller que estaba bastante bien y que mostraba a un sorprendente Jason Bateman en el protagónico, además de Rebecca Hall y el propio Edgerton como secundario.

Entonces estamos hablando de un director relativamente nuevo, que ya ha mostrado cierto talento dirigiendo, además también escribiendo pues ha escrito ambas películas. Tenemos también que Lucas Hedges (Manchester frente al mar) es el protagonista de esta película, con Nicole Kidman y Russell Crowe haciendo de sus padres. Es evidente que con esos actores el presupuesto ha sido más elevado.

La película se basa en una novela sobre la experiencia real de Garrard Conley y su sufrimiento por ser homosexual y como sus padres lo enviaron a instituciones para que lo 'sanaran'. En el film, Jared Eamons es un joven cuyos padres lo inscriben en un programa privado de reconversión sexual, en el cuál vemos como un grupo de muchachos, mayoritariamente hombres y una que otra mujer, son sometidos a una serie de "tratamientos" para revertir su condición.

Pero no solo es el tema de la homosexualidad y como 'curarla', además el punto aquí es que este tipo de instituciones están apoyadas o basan toda su parafernalia en la fe cristiana. Y en la película nos cuentan que hay un tipo que aparentemente es un pastor que es el que conduce estas sesiones de 'cura', siempre enfocándolo todo en nombre dios, y que dios te quiere y todo ese cuento.

Lo que más resalta de la película son las interpretaciones, todos los actores están a un nivel excelente, desde Lucas Hedges, que fue nominado al Globo de Oro por su papel como Jared Eamons, que además ya ha estado nominado al Óscar hace un par de años, Nicole Kidman está muy bien, la verdad yo no recuerdo que ofreciera semejantes actuaciones de joven, Joel Edgerton está muy bien, como el director de la institución 'Love in Action' y sobre todo Russell Crowe hace un papel impresionante como el Sr. Eamons, realmente de lo mejor que ha hecho en su carrera. Cómo curiosidad también aparecen los no menos importantes Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers) y el laureado cineasta canadiense Xavier Dolan, ambos en unos papeles bastante curiosos e inquietantes.

El principal mensaje de la película es que sobre cualquier creencia lo que siempre debe primar es el amor y el respeto, a los hijos hay que aceptarlos como son, con sus gustos y sus intereses, porque de lo contrario solo se les aleja. La película no trata tanto sobre la homosexualidad en sí, si no en el querer modificar conductas ajenas en nombre de la fe y sobre aceptar renunciar a uno mismo para complacer a otras personas, lo cuál nunca nos va a llevar a la felicidad.

En general, la película está muy recomendable, animo a todo aquel que esté por aquí a que la vea. Joel Edgerton es un director con muchísima proyección que aun no ha mostrado su mejor trabajo, le tengo bastante fe y desde ya espero con ansias su siguiente proyecto. De cara a los Óscar es probable que se cuelen nominaciones para Hedges, Russell Crowe y Nicole Kidman, como actor principal y secundarios respectivamente, incluso que Crowe se llevara el galardón no me molestaría, aunque Mahershalla Ali viene fuerte al haber arrasado con todo mundo, por su papel de chófer en Green Book (2018).

BlacKkKlansman (2018) - Spike Lee

La verdad es que no tenía ni media gana de ver esta película, Spike Lee es un tío al que le tengo manía, y un poco de prejuicio también, lo acepto. El tipo siempre anda polemizando sobre el racismo, usando el cine como cruzada, hace un par de años estuvo haciendo campaña para boicotear los Óscar por ser muy 'blancos', en fin, cosas que nada tienen que ver con cine.

Sumado a esto tenemos el antecedente de que este señor firmara el remake de la afamada película coreana Old Boy (2003). Sin comentarios. En general nada me ha motivado nunca a abordar la filmografia de este realizador a pesar de que tiene una larga carrera y títulos muy en consideración por la crítica como Do The Right Thing (1988).

El punto es que su última cinta, BlacKkKlansman, ha consechado muchos elogios, estuvo en las ternas a mejor película del Globo de Oro y de los Critics Choice Awards y de los SAG Awards, así como menciones para Adam Driver y John David Washington, sus protagonistas, pero sobre todo la película se llevó nada menos que el Grand Prix en el Festival de Cannes de 2018.

En tal sentido la crítica ha apoyado la película, algo que da cierta confianza para verla, pero aun así sus posters y material promocional me la vendían como una especie de comedia negra, y las comedias nunca me antojan de primera, siempre me lo pienso bastante antes de ver una.

Finalmente ayer por fin me decidí a darle una oportunidad justa a Spike Lee y esta su película, dado que muy probablemente consiga una nominación a los Premios de la Academia, pues voy a tener que verla si o si, como cada año, hago mi balance de las nominadas y me gusta a modo de juego hacer mis predicciones, las cuáles estarán aquí en el blog cuando la ceremonia se encuentre más cerca.

Mis primeras impresiones de la película son muy obvias, la película está muy bien filmada, tiene un aspecto muy bonito, con tonos ocres, rojizos, de alguna manera a mi me transmiten que Lee es un tipo muy orgulloso de ser negro, porque aunque esto suene ridículo, resalta bastante los tonos de piel de los actores afroamericanos, hay toda una paleta de colores que refuerza esto.

La película está contada con mucho estilo, el tempo de la película es muy bueno, como va fluyendo la historia, los actores están muy bien, carismáticos todos, incluso hasta los 'tipos malos' son divertidos. No se trata exactamente de una comedia, pero si tiene ciertos matices cómicos, sobre todo en la forma que se presenta la historia, y en la historia misma.

Aquí se nos cuenta un suceso real. A finales de los años setenta un policía afroamericano (novato y primer afroamericano en ser policía en la historia de esa ciudad) del departamento de Colorado Springs, de nombre Ron Stallworth contactó por teléfono con una sede local del KKK, logrando infiltrarse en aquella organización con la ayuda de un compañero del área de Narcóticos, quién fue el que asistía personalmente a las reuniones, además de nunca haber salido del anonimato por temor a represalias de los grupos extremistas pro blancos.

Que un oficial negro se infiltre en una división del KKK desde ya resulta risible e imposible, pero esto sucedió y así lo cuenta la novela Black Klansman del propio Stallworth, ya retirado. Sin embargo la película funciona muy bien como testimonio de un hecho histórico, como entretenimiento y sobre todo lo que le interesa a Spike Lee, funciona como sátira y conscientización de que los grupos extremistas aun existen y que a su juicio pues hay que erradicar esto definitivamente.

La película puede parecer un poco lenta, pero cuando parece que empieza a flojear y aburrir, da un salto y pasamos a otra cosa, dando equilibrio al conjunto, ningún personaje sobra o aparece poco. Tal vez hay algunas cosas que  puedan parecer un poco inverosímiles, pero dado que la película está narrada en clave de sátira pues se tolera.

Personalmente, la película me gustó, me entretuvo, y sí que la recomendaría, la única parte de la película a la que le pongo peros, y esta es mi opinión personal, es el politiqueo que se le quiere imprimir a la fuerza, sobre todo con esas escenas finales de sucesos finales acaecidos en 2017, dónde en unas protestas y marchas falleció una mujer a consecuencia de actos de violencia de grupos extremistas, yo soy de la idea de que el cine y la política no deberían mezclarse en lo posible.

La historia termina con una especie de "final feliz" con Stallworth logrando poner en evidencia frente a todo el departamento a un oficial racista que además cometía abusos de autoridad, de este modo expulsándolo del departamento, además de estrechar su relación con una jovencita presidente del sindicato de estudiantes negros. Pero el señor Lee no conforme mete a la mala imágenes muy condenables y lamentables sobre protestas violentas y todo un rollo que a pesar de estar relacionado con la película no encaja con el tono, pues la película no es un drama histórico o un documental, es una muy ficcionada historia en clave de comedia, para tal caso haz un documental con seriedad y no vendas tu película como una experiencia divertida, pero bueno, esa es mi opinión

Si no la han visto, denle una oportunidad, se pasa un buen rato y está muy bien esta película.

First Man (2018) - Damien Chazelle

Esta es la más reciente película del ya reconocido Damien Chazelle, un director muy joven que sorprendió en 2014 con la vertiginosa Whiplash, un viaje musical digno de compararse con el mejor cine de otros épocas, dos años más tarde regresó con La La Land, película que causó polémica pues para muchos se trataba de un refrito de los mejores tiempos del musical americano, pero que cosechó suficientes halagos y premios como para sostenerse por mérito propio.

En lo personal disfruté mucho de Whiplash, si bien el guion no me termina de convencer en su acto final, la película está muy sobresaliente sobre todo cuando se trata de su segunda producción, y la primera en Hollywood. Con La La Land me terminó de confirmar su enorme talento, a pesar de lo que digan otros, el tipo tiene capacidad y lo ha demostrado, yo soy admirador de su trabajo.

Este año Damien Chazelle, ganador del Óscar a mejor director en 2017, vuelve con First Man un drama que se centra en contar la historia de Neil Armstrong y su trabajo en la NASA, abordando además el programa Apollo 11, uno de los momentos más importantes de la humanidad y de la historia de los Estados Unidos.

Mis impresiones a grandes rasgos son que es una película, como mínimo, decepcionante. Se comete un error muy frecuente en este tipo de proyectos: Se pretende abarcar periodos de tiempo muy extensos, que no resultan equilibrados en la narración y el producto final termina siendo una historia desabrida que busca abarcar mucho y termina profundizando muy poco.

La película busca acercarnos a los momentos más íntimos del fallecido astronauta, desde su relacion familiar, con su esposa, hijos, la pérdida de su hija, y por supuesto sus inicios como piloto de pruebas en 1961 hasta llegar a su destino como primer hombre en pisar la luna en 1969. La película muestra a muchas figuras históricas que fueron compañeros de trabajo de Neil Armstrong, pero como digo no termina de profundizar en ningún aspecto de estas relaciones.

El resultado es una película que no se sostiene ni si quiera a través de sus secuencias espaciales, que son muy pocas y plasmadas con poca originalidad, es que usan los planos típicos ya vistos en 2001: Una odisea espacial o Interestelar.

Un aspecto muy positivo de la película fue precísamente que está filmada en película granulada, con un estilo visual muy de los años 70, tipo documental, algo que le hace a uno abrir los ojos y lamentar que la industria se haya decantado por la fotografia digital, cuando el aspecto del celuloide es insuperable. Es de lo más resaltante de la película.

El sonido y la música de la banda sonora también destacan. Debo decir que el inicio de la película es bastante sugerente y emociona, sugiere una experiencia maravillosa, pero  luego la película va por otros derroteros más alejados del espectáculo, y es quizá este el problema principal de la película que no sabe bien si ubicarse del lado del espectáculo o del lado de la profundidad y termina naufragando en tierra de nadie.

Las actuaciones no están mal, pero tampoco ofrecen mucho, Ryan Gosling está bien, pero no mata, ofrece una interpretación muy contenida, habría que preguntarse como fue el verdadero Neil Armstrong, pero aquí se ve a un tipo que no expresa sus emociones y se guarda todo para adentro, de igual manera Claire Foy y el resto del elenco que incluyen a unos efímeros Patrick Fugit, Jason Clark y Christopher Abbott, todos cumplen, pero hasta ahí.

La película salta de un acontecimiento a otro muy rápido sin ofrecer mucho, esto es algo que en su momento le observé también a Boyhood (2014), película que si bien era un concepto totalmente distinto pecaba en lo mismo, intentaba abarcar varios años en una película de más de dos horas, y lo que conseguía era un conjunto de escenas inconexas que no se sostenían unas con otras.

Poco más hay por destacar en esta película pues como ya he comentado antes intenta ser profunda fracasando miserablemente, y lo importante que son los eventos del alunizaje se muestran muy rápido de una manera poco interesante y ya está. Aunque parezca increíble a esta película le faltan muchos minutos, sobre todo si quieres abarcar periodos de tiempo tan extensos.

Es realmente decepcionante que un hombre como Damien Chazelle, que nos había ofrecido dos espectáculos impresionantes, vuelva con un proyecto un poco extraño para lo que nos tenía acostumbrado, claro que puede decidirse por abordar distintas historias, pero en mi opinión se desvía mucho del estilo que ya lo había llevado a lo más alto.

No veo a esta película con mucho futuro de cara a los próximos Premios de la Academia, cómo mucho (siempre en mi opinión), esta película puede recibir una nominación a la banda sonora, y tal vez a la edición, pero poco más.

Possession (1981) - Andrzej Zulawski

Cuando empecé a 'ver cine' en algún punto recordé que en el recordado programa mexicano Chespirito en algún episodio mencionaban la película El bebé de Rosemary (Rosemary's Baby, 1968), y en cierto momento de mi incursión en el cine, recordé el mencionado título y con él me introduje a la filmografía del gran director franco-polaco.

Posteriormente di con The Tenant (1976), película dirigida y protagonizada por Roman Polanski, incluía como secundaria a una actriz desconocida para mi hasta ese momento, Isabelle Adjani. Me llamó mucho su apariencia y su interpretación como la impredecible Stella, desde aquel momento quedé prendado del talento y belleza de la actriz que en aquella película tenía apenas 20 años y una nominación al Óscar a cuestas.

Luego de averiguar un poco sobre su carrera, me enteré de que era la actriz con más Césares de la historia (equivalente al Óscar en Francia), cinco en total, además de que en 1981 se había llevado el premio a mejor actriz protagónica en el Festival de Cannes, ¡por dos películas! Una era Quartet un drama de época dirigido por James Ivory, la otra se llamaba simplemente Possession.

Es aquí dónde entramos en la película que nos compete hoy. Muchas veces ha pasado que uno cree haberlo visto todo, respecto a distintos aspectos de la vida, al actuar de las personas, fenómenos de la naturaleza, las artes, etc. Y algo así me pasó cuando vi por primera vez esta película cuya historia además no deja de ser interesante.

Estrenada en 1981, es la cuarta película de Andrzej Zulawski, cineasta polaco fallecido en 2016, cuya carrera fue un tanto accidentada y polémica. Sus películas durante los años 70 fueron censuradas por el gobierno comunista por ser tachadas de ir contra el régimen o querer implantar ideas en el público. El caso más extremo sucedió precísamente con su cuarto proyecto On The Silver Globe, el cuál se trataba de una adaptación de una novela de su abuelo, una película de ciencia ficción que fue entendida como una crítica hacia el gobierno.

En resumen el Ministerio de Cultura, que entonces controlaba todas las producciones polacas, mandó a quemar los negativos de aquel film, quedando parcialmente destruido, pues lo que quedó fue reestrenado con un montaje especial en el Festival de Cannes de 1988, diez años después de aquel atentado contra la cultura, lamentablemente la película quedó mutilada.

Mientras sucedía todo esto la esposa de Zulawski, la actriz Malgorzata Braunek que además había trabajo con él en sus primeros trabajos, lo abandonó llevándose a su hijo. Desecho por las circunstancias el realizador aceptó una invitación de unos amigos para trabajar Estados Unidos, lo cuál se trató nada más que de mentiras para distraerlo de semejante malestar.

Es en este contexto que empieza a germinar en la cabeza de este creador la película en cuestión, entre el ataque del gobierno comunista y su divorcio se mezclaron ideas que fueron dando forma a lo que se convertiría en el guion de la película, mismo que co-escribió con el escritor americano Frederic Tuten.

La película es una amalgama inclasificable que parte como drama centrado en la historia de un triangulo amoroso. La historia sucede en Berlín, donde Mark (Sam Neill) regresa de una "misión fuera del país" luego de un año aproximadamente, y a su regreso su mujer Anna (Isabelle Adjani) no se muestra muy entusiasmada, rápidamente nos cuentan que Anna ha estado teniendo una aventura con Heinrich (Heinz Bennent) un hombre adepto a consumir hongos y drogas alucinógenas para enriquecer sus experiencias sexuales.

Para muchos los primeros 40 minutos de la película retratan con bastante fidelidad la ruptura amorosa, y ciertamente cuando vi aquello yo me quedé abrumado, puede resultar una experiencia bastante fuerte para el que haya vivido una experiencia similar, pero lo interesante de la película viene cuando se introduce la idea de que Anna no ha estado viendo a Heinrich, pues este ha estado de viaje en Hamburgo, si no a "alguien más".

A partir de aquí la historia toma un cariz distinto, abandonando por completo el melodrama y adoptando un clima enrarecido, pues en determinado momento Mark manda a seguir a su esposa con la esperanza de descubrir dónde y con quien se ve diariamente, y el detective contratado descubre que la mujer esconde en su apartamento a un monstruo.

Lo que sigue a partir de este punto son unas vueltas extrañísimas en el guion, pasando del drama al terror, del terror a la intriga policíaca, e incluso hipotéticamente luego del final se convertiría en una película bélica. Los actores hacen un despliegue de registros impresionante, hay que decir ya que cuando uno ve a película comprende inmediatamente los galardones que recibiera la actriz francesa que entonces tenía 25 años, su interpretación es sencillamente descomunal.

Voy a evitarme despedazar el argumento de la historia en exceso, prefiero dejar a los que no la hayan visto todo el placer de descubrir esta historia por sí mismos. Es una cinta que definitivamente no deja indiferente a nadie, puede que te parezca una obra maestra, que te parezca una porquería, una cosa rara o maravillosa, pero no hay medias tintas.

La música de la banda sonora está bastante curiosa, realizada en sintetizadores (Algo muy de los ochenta), refuerza muy bien los momentos de la película, aquellos en los que aparece porque también hay momentos que no utilizan temas musicales y quedan perfectos de ese modo. Algo que no pude evitar notar es que uno de los temas que se repite varias veces durante la película inicia con las mismas notas de uno de los temas del padrino.

Cabe mencionar que la película fue un fracaso total de taquilla en Estados Unidos, pues se estrenó una versión radicalmente mutilada, cuyos 97 minutos no equiparaban en absoluto la calidad del montaje original de 123 minutos.

Recomiendo encarecidamente esta experiencia, que afortunadamente fue remasterizada para bluray en el año 2014 con la aprobación de su director, existe una edición muy bonita en una caja que incluyen la película, la música, y un documental que cuenta toda la historia de la película, y más importante aun deja testimonio de las razones del director para tomar ciertas decisiones, revelando las verdades detrás de todos aquellos detalles crípticos que quedan sin explicación en la película pero que engrandecen su misticismo, no dejen de darle una mirada si pueden.

Secrets & Lies (1996) - Mike Leigh

Hace algunos años estaba desarrollando una idea para una posible historia que quería plasmar en un futuro guion. La historia giraba entorno a una madre que comete un crimen. Un día mientras estaba buscando películas me topé con Vera Drake (2004), película que por cierto está protagonizada por Imelda Staunton, recordada como la infame Profesora Dolores Umbridge de las películas de Harry Potter.

Dos detalles en especial llamaron mi atención de aquella película. En principio la historia, sobre una madre de familia juzgada por asesinato, lo cuál me interesaba como referencia para mi historia, aunque la premisa y conflicto eran distintos a lo mio. El segundo detalle era que esta película estaba dirigida por Mike Leigh, realizador inglés que en 1996 se llevó nada más y nada menos que la Palma de Oro por la película que voy a comentar en esta ocasión.

Me causaba mucha curiosidad que película había sido capaz de quitarle la Palma de Oro a Rompiendo las Olas de Lars von Trier (que se llevó el Grand Prix) y a Crash de David Cronenberg (que ganó1 el Premio Especial del Jurado), dos películas que son de mis predilectas. El punto es que Vera Drake me decepcionó, ni siquiera terminé de ver la película, porque me parecía un melodrama del montón, sin profundidad y con esto se fueron mis ganas de volver a ver ninguna película del señor Leigh... Hasta ayer.

El estimado Manolito me insistió en que viera esta película, que era muy buena... y que no se que. Y aunque hace un tiempo ya había visto otra película de Leigh, Naked (1993) que por razones distintas tampoco me convenció, pues decidí darle una oportunidad a la recomendación de El Manolito. Me parece justo mencionar que por alguna razón nunca he comulgado con los directores ingleses, si acaso el único (aunque trabajó sobre todo en Hollywood) al que me rindo es Sir Alfred Hitchcock.

Entonces, ante la sugerencia de mi buen amigo, decidí darle una oportunidad seria a Secretos y Mentiras de Mike Leigh.

La película es un drama familiar, que en un inicio da la impresión de ser una gran película coral, la típica historia de muchos personajes variopintos, conflictos múltiples y lineas de tiempo cruzadas, sin embargo no es el caso realmente, simplemente tenemos una compleja historia que abarca a varios personajes, cada uno con su conflicto eso sí, pero que van a enfrentar un destino y un conflicto superior afines.

La historia empieza con un funeral, la madre de Hortense (Marianne Jean-Baptiste) ha fallecido y con ello despierta en ella una curiosidad muy humana, la de conocer a su verdadera madre, pues ella fue adoptada. Por otro lado está Maurice (Timohty Spall) un fotógrafo de unos 35 o 37 años que no lleva una vida conyugal muy satisfactoria. Y finalmente tenemos a Cynthia (Brenda Blethyn) una mujer madura cuya relación con su hija no va muy bien y que vive tocada por la falta de afecto familiar.

En principio la historia me encanta, soy muy adepto a las historias de familia o sus derivados, como por ejemplo El Padrino (1972), una película de mafiosos sí, pero cuyo peso e importancia histórica radica en el ángulo que supo darle Francis Ford Coppola con la historia de una familia y los conflictos universales que implica, de ahí el tremendo éxito que cosechara.

Otro de los grandes temas de la película además de 'La familia', sería 'La paternidad' más que otro tipo de lazos y relaciones la película se apoya claramente en la relación madre-hijo y en como esto marca a ambos miembros de esa relación. Cómo la falta de uno o de otro mueve y altera la vida del que está solo.

Durante el inicio de la película me emocionó ver el tipo de historia que se trataba y me vi venir un peliculón. Lamentablemente el desarrollo de la película luego de presentados los personajes y las ideas iniciales, me fue decepcionando poco a poco.

Voy a entrar un poco más a los detalles de la historia para poder explicarme (SPOILERS).

Marianne Jean-Baptiste y Brenda Blethyn

La película para mí comete el primer error en relacionar a los personajes rápidamente y con cierta obviedad pues mientras vemos como Hortense en su investigación descubre que su madre biológica es blanca, Maurice y su esposa Monica (Phyllis Logan) comentan sobre un 'secreto' que Cynthia le ha estado guardando a su hija Roxanne.

En este punto inmediatamente he pensado que Hortense debe ser hija de Cynthia, habiéndola dado en adopción por ser muy jovencita al haberse embarazado, todas estas deducciones salen del desarrollo que se le da al personaje de Cynthia como una mujer promiscua e inestable. Si bien aquellas ideas mías pudieron haber sido erradas, de alguna manera el director ya te las pone en la cabeza por como va a enlazando su historia.

A pesar de aquel traspié la historia continúa con mucho interés, la atmósfera de la película es de desolación, ningún personaje esta satisfecho con su vida, algo los aqueja más allá del éxito o fracaso. Un punto muy, pero muy a tener en cuenta, son las impresionantes actuaciones que tiene la película, todos los actores están soberbios, en especial Brenda Blethyn que además se llevó el premio a mejor actriz de Cannes.

Hay una conmovedora y potente escena del reencuentro entre Maurice y su hermana Cynthia, que es de lo mejor se haya hecho en el cine, (al menos de lo que yo he visto) realmente toca tu corazón, impresionante, brutal, magistral momento de la película, que muy a mi pesar llega muy rápido y desequilibra la historia, porque ¿cómo superas eso luego?

Otro de los aspectos positivos de la película viene en el plano técnico, su sobrio planteamiento visual en cuanto a planos, potencia muy bien en conjunto con aquella fotografía parca la esencia de la película, ese clima gris de Londres que tan a pelo queda con la historia, realmente tiene un muy buen aspecto la película, además de que sostiene perfectamente el conjunto narrativo.

La cinta comete otro error, que una vez desarrollado el personaje de Cynthia por completo, cae en una redundancia respecto al mismo, siguen apareciendo escenas dramáticas en torno a este personaje, pues tiene problemas con su hija, con su hermano, con su cuñada, con su pasado, y la película te lo recalca constantemente con lloriqueos y peleas, recurso que siempre puede ayudar a darle intensidad a una determinada escena, pero si se aplica adecuadamente y con mesura.

No es posible que cada 10 minutos haya un griterío en la película, porque esto pasa de ser un drama a una broma. Aquel maravilloso momento que comparten los dos hermanos, pierde su fuerza y se repite una y otra vez hasta el final de la película a tal punto que se hace incómodo, cansa y quita las ganas de seguir viendo la película, cuya seriedad y profundidad ya no te las crees.

Finalmente hay una 'reunión familiar' final a razón del cumpleaños 21 de Roxanne, dónde se hacen todas las revelaciones de la película, dónde se desenvuelven aquellas mentiras y secretos que han estado guardados por los personajes durante toda su vida. Y el final de la película termina siendo un tanto flojo, todos contentos, sus conflictos resueltos y la 'lección aprendida'. Todo perfecto. Esto se contrapone totalmente con el realismo que presenta el planteamiento inicial de la historia.

No es real perdonar a tu madre el mismo día por una mentira que te ha guardado toda la vida, o aceptar a un hijo o hermano que nunca has visto así tan de repente. Y es en este punto dónde la película me termina de decepcionar y me recuerda claramente a Vera Drake, pues aquella película también tenía un lloriqueo insoportable.

Los picos dramáticos resultan excesivos, ciertamente es el mejor adjetivo para esta pelicula, es excesivamente dramática, yo me esperaba una historia dramática de una profundidad y valor universales, y lo que me encontré fue un decepcionante y vulgar melodrama, y molesta porque la historia es buenísima, pero se hubiera podido aprovechar de otra manera.

Luego de verla, yo debo decir que entre Rompiendo las olas, que también era una historia muy dramática, yo me quedo con la obra del danés, quizá también tiene sus problemas con el realismo, pero él no va por esa línea, y si por la del melodrama desde un inicio, a pesar de lo cuál se contiene y no es tan barroquista en el despliegue emocional, como sí su par inglés.

En general, es una película que si recomendaría, pero que por su extensión (142 minutos) y por sus insufribles griteríos llega a cansar, con un poco de mesura los actores se hubieran llevado tranquilamente muchos más galardones. A propósito Brenda Blethyn estuvo nominada al Óscar de 1997 como mejor actriz junto a Emily Watson, protagonista de Rompiendo las olas, pero como todos ya saben, de manera insólita aquel premio se lo dieron a Frances McDormand por su discreta actuación en Fargo de los hermanos Coen.

Essential Killing (2010) - Jerzy Skolimowski

Film protagonizado por Vincent Gallo, como un fugitivo árabe que huye de alguna fuerza militar en una zona rural durante el invierno. Una premisa bastante abstracta si se quiere, que busca ir a la vena del sentir humano casi sin referencias de contexto.

El director aduce que buscaba no politizar la película en base a omitir todo tipo de referencias, aunque esto resulta inútil, o bien una mentira, lo cierto es que Vincent Gallo siendo un actor americano calza perfectamente como hombre árabe.

La película intenta ser un acercamiento bastante minimalista a la experiencia de un fugitivo, casi no hay diálogos en la película, de hecho no hay intercambio de palabras, por cuestiones de guión, siempre unos actores se dirigen a otro sin recibir respuesta, lo cuál pudiendo ser algún tipo de metáfora interpretable a gusto de cada quién, queda perfecto en el guion.

A mi criterio la película tiene sus virtudes como también algunos defectos, si bien la premisa es bastante interesante, además del gancho que me jaló para verla (sin mencionar al director claro) que fue la Coppa Volpi que mereció la interpretación de Vincent Gallo en la edición de 2010 de Venezia, sin decir una sola palabra. La película deja bastante en evidencia que tal galardón es muy merecido.

De hecho el papel que ofrece aquí Vincent Gallo es bastante exigente, tanto físicamente pues tuvo que filmar descalzo y mal vestido en un bosque cubierto de nieve, así como diversas escenas de bastante demanda física, por otro lado hay momentos dónde se ve inmerso en evocaciones del pasado, las cuáles si bien son apoyadas con imágenes oníricas obligan al actor a expresar con el rostro la pesadumbre del personaje.

La dirección de la película es bastante competente, de hecho Jeremy Thomas (The rocky horror picture show, Bad Timing, Crash) alentó a Skolimowski a engrandecer la producción de la película, por lo que fueron posibles tomas de helicoptero, grua, cámara al hombro y diversas técnicas de filmación, lo cuál da más valor de producción a la película al ya no tratarse nada de más de un modesto film independiente europeo.

Entonces que falla en la película al tener una impecable producción (si hasta se recrearon varios ambientes militares y persecuciones tácticas), sencillamente y voy dejar en claro que esta es mi valoración personal, pues aquí ya entra el criterio de cada uno, y podría ser que me equivoque, pero daré mis argumentos de porque la cinta para mi no es más que una película del montón.

Suena un poco fuerte, y hasta atrevido de mi parte si consideramos que Essential Killing se llevó además el Premio Especial del Jurado en Venezia 2010. Pero en mi opinión la película se queda a medio camino entre una película de espionaje/thriller y una película contemplativa europea.

El principal problema para mi es el guion. Durante toda la historia se dan muchas casualidades que hacen progresar la historia, por poner un ejemplo aislado, en cierto momento el protagonista se encuentra perdido y sin esperanza de sobrevivir, y de pronto se encuentra a dos militares distraídos en un automóvil, evidentemente el personaje tiene la capacidad de aprovechar esto para continuar su camino luego de 'deshacerse' de aquellos dos hombres, esta escena no se sostiene ni con pinzas, pero coincidencias de esas suceden varias en la película.

La historia se apoya mucho en sucesos muy precisos que no resultan creíbles, y se suceden "uno detrás de otro", que es como suelo referirme a este tipo de recursos que a veces usan los guionistas para darle movilidad a su historia con facilidad, pero sin sustancia. Pero sobre todo, si bien el objetivo del protagonista, de acuerdo a como lo plantea el director es sobrevivir, realmente el insurgente árabe no tiene ningún propósito establecido, lo cuál nos hace partícipes de su travesía sin tener idea de a dónde va. Tal vez esto último pueda ser ambiguo, y no necesariamente un error.

Además de eso, la película se aletarga por momentos, prolongando escenas dónde el personaje reflexiona sobre su existencia, que se hacen como mínimo pesados. Constantemente le vemos al tipo solo y perdido, sin saber que hacer y remitiéndose a los recuerdos de una esposa en su país natal tal vez, tal vez podríamos aceptar que su objetivo es sobrevivir para regresar al encuentro del ser amado.

En mi opinión se debería a haber construido una historia un poco más "interesante", para reforzar la historia de supervivencia. Es aquí que debo mencionar la secuencia final, en la que aparece la actriz francesa Emmanuelle Seigner, que precísamente hace de muda, que además también aparece por casualidad en el camino del protagonista, en este momento para mi se desperdicia algo que podría haber sido el momento de más potencia y profundidad de la película.

De pronto Vincent Gallo llega a una cabaña en medio de un bosque helado, y ve como una mujer expulsa de la misma a dos borrachos, él, que está malherido y no da más llega a tocar la puerta en busca de ayuda, la mujer le abre con un poco de temor y lo cobija. Luego de revisarlo, curarle las heridas y ofrecerle un poco de comida, además de un pequeño momento de tensión en el que llegan militares a preguntar por el fugitivo (¡y que con semejante amenaza suelta ni siquiera piden permiso para revisar la cabaña!), se miran un rato, luego el árabe se para y se retira en un caballo que ella le obsequia.

Ese momento para mi fue un tanto decepcionante porque se desaprovecha aquel choque de dos realidades (el terrorista y la ama de casa muda), para ofrecer un pequeño momento mágico, y en lugar de eso la escena queda bastante vacía y de trámite.

A mi se me ocurre algo como que la mujer está sacando de la cabaña a su marido, al cuál detesta además de soportar sus golpes, y que luego de curar al hombre por puro instinto humano y maternal si se quiere, le deja ir, este en agradecimiento va y busca al marido ebrio y lo mata, después de todo lo que se ha visto el tipo no puede ser incapaz de aquello. Este hubiera sido un planteamiento mucho más interesante a mi modo de verlo, generas un nexo entre ambos personajes y hay un pago por la ayuda, sin escenitas de amor ni tonterías.

En general, el concepto de la película tiene mucha tela para cortar, pero el planteamiento en el guion no me resulta convincente, la película se siente larga y dura solo 84 minutos. Visualmente está muy bien, tiene buenos momentos de tensión, pero estos se ven mermados por otros que ralentizan los sucesos.

Jerzy Skolimowski dice que lo que quería plasmar en su película era la historia de un hombre que se ve forzado a matar en busca de sobrevivir, si el personaje hubiera sido una secretaria no hubiera sido creíble, por eso se emplea a un terrorista islámico o algo por el estilo, incluso hasta ese hombre que debe haber matado a docenas de hombres en nombre de Allah, es capaz de conmoverse y llorar luego de forzar a punta de pistola a que una mujer que está dando de lactar a su bebé lo amamante a él también pues lleva días sin comer nada, ¡simplemente brutal!

La película podría haber sido mucho más impactante, sin descuidar los conceptos que se querían abordar y manteniendo la misma premisa, añadiendo un poco de narrativa y diseñando mejor algunas escenas, pero bueno, cada quién entiende el cine a su manera y esta es la mía.

Cómo comentario final quería añadir que mientras vi la película no pude evitar recordar la película El renacido (2015), "un tipo perdido en un bosque nevado tratando de sobrevivir", ¿bastante similar no? No me sorprendería que Alejandro González Iñárritu hubiera tomado algunas ideas de esta película de 2010, que tienen bastantes momentos muy similares, si bien aquí no hay osos.

Bird Box (2018) - Sussane Bier

En este caso muchos han dicho que no vale mucho, que bebe de otras películas, que está muy buena, que no es nada del otro mundo, una vez más vengo a dar puntos por los cuáles en mi opinión no es preciso irse a los extremos con esta producción.

Bird Box es un reciente estreno de Netflix que ha tenido bastante acogida, como es usual en la plataforma digital cuyo público es mayoritariamente joven y desmesurado, para o bien o para mal, salen rápidamente defensores y detractores por igual a valorar una película (o serie) con bastante más tripa que seso.

En principio tengo que decir, que es una película muy entretenida, cumple su propósito, generar interés y se hace muy visionable, para nada aburre. ¿Qué la película repite ideas de otras películas? Si ¿Es esto un demérito? No. Si bien no hay nada innovador en la historia de la película, dentro de su propuesta cumple como fuente de entretenimiento.

La historia es muy similar a la novela Cell de Stephen King, de pronto, sin razón alguna la gente empieza a enloquecer de manera masiva (y a suicidarse violentamente), la 'epidemia' que empieza en Rusia, pronto llega a los Estados Unidos donde Sandra Bullock, que interpreta a Malorie, una artista embarazada que en un inicio se muestra apática respecto a la desgracia cuando la ve por televisión.

La locura estalla en el hospital dónde Malorie ha ido a hacerse su control. Luego de perder a su hermana (Sarah Paulson) que se ha visto imbuida por esta 'posesión' termina dentro de una casa con un grupo de extraños, y aquí claramente entramos en la configuración clásica de las películas de George Romero: Un grupo de extraños escondidos en una casa.

El otro protagonista de la historia es Trevante Rhodes (Moonlight, The Predator), actor afroamericano, también en referencia a la innovadora jugada de Romero en su Night of the Living Dead (1968), dónde el héroe era negro. Otros nombres del elenco incluyen a John Malkovich como contraparte conflictiva, y una sosegada Jacki Weaver.

El concepto de la película ha sido comparado por muchos con la película A Quiet Place por la actitud sigilosa de los protagonistas al moverse dentro de sus entornos, con la diferencia de que en aquella película los personajes tenían que guardar silencio, mientras que aquí cerrar los ojos. Por otra parte en Bird Box hay una especie de entidades  espectrales que toman posesión de sus huespedes a través de la vista, en la película de John Krasinski se trata de criaturas reales que pueden tocarte y devorarte. En mi opinión ninguna tiene nada que ver con la otra.

En cierto momento de la historia hay otra referencia a George Romero con aquella incursión en un supermercado tan usual que se ha convertido en un cliché en las películas de temática 'post-apocalíptica', recientemente se vió en la serie The Walking Dead o en películas como La Niebla (2007).

El guion de la película es bastante sólido, cada acto está equilibrado y muy bien definido, la película no tiene escenas aburridas o sobrantes, los diálogos incluso están batante bien, en ese sentido las interpretaciones están más que bien, todos los actores le ponen empeño, en especial John Malkovich y la propia Sandra Bullock.

Para terminar debo decir que algo que me sorprendió muchísimo era la calidad visual y narrativa de la película, y grande fue mi sorpresa al notar quién dirigía esta cinta, nada menos que Sussane Bier, la cineasta danesa quien en 2011 se llevó el Óscar a la mejor película extranjera por In a better world (2010), sabia decisión de Netflix el haber asegurado a una realizadora de semejante calidad para evitar desastres como ya se ha visto antes en otras de sus producciones.

En general, se trata de una película que toma muchas cosas de material previo, pero que lo utiliza de manera ingeniosa y con un guion cohesivo logra una película bastante estimable. Dado que se trata de una película nueva, pues no ahondaré mucho en la historia, pero realmente vale la pena darle una oportunidad para un domingo por la tarde o quizá un sábado en casa está bastante bien.

Todos lo saben (2018) - Asghar Farhadi

Esta es la octava película de Asghar Farhadi, director iraní que saltó a la fama tras adjudicarse el Óscar a la mejor película extranjera en 2012 por La separación (2011). Hace un par de años volvió a llevarse el mismo premio por El cliente (2016) además del premio a mejor guion en el Festival de Cannes de aquella temporada.

Antes de entrar en materia debo comentar unas cosas, conocí el cine de Asghar Farhadi precísamente por el oscar que le mereció La separación, y al verla quedé maravillado el realismo y cercanía que proyectaba aquella historia de un matrimonio que por desavenencias decidía terminar su relación, un tema universal que puede aplicar para cualquier pareja del mundo, sea heterosexual o no incluso, pero que gana mucha potencia e interés con el matiz que añade la sociedad iraní como contexto.

Posteriormente vi su siguiente película El pasado (2013) y aquí lo interesante era que si bien seguía abordando conflictos de pareja, introducía algo nuevo, la relación entre franceses y árabes. Luego pude ver una película un poco más antigua Sobre Elly (2009), la cuál me dejó maravillado porque además de mostrar también de cerca la realidad de Irán, su guion muy apoyado en el suspenso y trabajado al milímetro, hacen de la película una experiencia trepidante.

A partir de ahí me convertí en fanático empedernido del señor Farhadi y me ví todas las películas que pude conseguir de él. Su trabajo tiene varias constantes, los conflictos emocionales en las relaciones de pareja, los fallos de la sociedad iraní, las diferencias entre hombres y mujeres como fuente de conflicto, y sobre todo casi todas sus películas tienen una marcada aura de suspenso que siempre se basa en la ruptura de las convenciones y normas sociales.

Entonces tenemos que este señor ha dirigido seis películas en Irán y una en Francia. No siendo su primera película fuera de Irán, si se trata de la primera totalmente desconectada de Irán o de la realidad iraní, en este caso se trata de una película española. Siempre me imaginé que podría regresar a filmar a francia, o quizá al no ser una posibilidad Estados Unidos, ir al Reino Unido para filmar en inglés, pero jamás me imaginé que su siguiente proyecto se tratara de una película en español.

Además no solo eso, si no que los protagonistas son nada más y nada menos que Penelope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín. ¿Fuerte no? Debo decir que cuando me enteré de aquello estaba excitadísimo, quería ver la película ya mismo, lo cuál no me ha sido posible si no hasta hace un par de semanas.

Entonces, dicho todo lo anterior ¿qué me ha parecido la película?¿La recomiendo?¿Es buena, es mala? La verdad es que no es facil contestar, pero debo adelantar que la película me ha dejado un tanto decepcionado, y me jode porque tenía todos los elementos para ser un nuevo hito dentro de su carrera, pero lo cierto es que Asghar Farhadi ha dado un traspié con Todos lo saben.

No solo lo digo yo, la crítica ha recibido con cierta frialdad este trabajo, por citar una muestra, solo un 64% la recomienda en Rotten Tomatoes, con una puntuación de 6.3/10, mintras que en Filmaffinity tiene una media de 6.7/10. Es claro que es su trabajo más flojo en muchos años, sobre todo cuando ya nos tenía acostumbrados entregar cintas de altísima factura.

Para entender cuáles son los fallos como los veo yo, hay que fijarnos en ciertas decisiones que voy a tocar una tras otra.

Los errores para mí empiezan con la idea de ir a filmar a España, se opta por un pueblo retirado de la ciudad un poco similar a los escenarios modestos que se ven en sus películas iraníes. El problema no es tanto que se filme en España, que además es una sociedad ajena a Farhadi, más bien el tema es que la película tiene una estructura bastante similar a sus películas anteriores, por ejemplo Sobre Elly, que empieza con una secuencia larga de un paseo, dónde los personajes van compartiendo un momento en familia, que se mantiene durante media hora hasta que aparece el gran detonador dramático.

Todos lo saben empieza con una larga secuencia dónde Laura (Penelope Cruz) regresa a su pueblo natal luego de años de vivir en Argentina, evidentemente Ricardo Darín hace del esposo, como secundario. En esa comunidad se va a celebrar un matrimonio, durante el cuál va a suceder el desencadenante de toda la tensión dramática. En Sobre Elly hay varias parejas durante un fin de semana en la playa, aquí se trata también de varias parejas durante un matrimonio celebrado en las afueras de la ciudad. Premisas bastante similares.

Entonces Asghar Farhadi dedica muchos minutos de la película a presentarnos muchos personajes pertenecientes a una realidad que no es la suya y con la que el mundo (sobre todo de habla hispana) está bastante más familiarizado, razón por la que se hace un poco extenso e innecesario, a diferencia de sus películas anteriores pues la realidad iraní es bastante más obscura para el espectador occidental. El resultado es una arranque ralentizado y poco matizado por los personajes, los cuales el director suele aprovechar para adelantar ciertos conflictos internos generando interés en el espectador.

El segundo problema que tiene la película es que indudablemente repite conceptos del pasado, especialmente en el caso de Sobre Elly, el incidente incitador es tal cuál, el mismo recurso dramático. Otro concepto, que además es usual en la filmografía de este creador, es el de la 'mujer problema', en muchas de sus películas las acciones de la mujer desencadenan toda la historia, o entorpecen los objetivos de los protagonistas. Pero en esta película se repiten muchas ideas de Sobre Elly.

Las actuaciones son otro punto decepcionante, cumplen, pero no destacan, y lo más lamentable es que tenemos a tres pesos pesados de la interpretación, pero que aquí están desperdiciados, el peor caso es el de Darín, que tiene un personaje bastante desdibujado que no le da oportunidad a mostrar sus mejores registros. Javier Bardem está un poquito mejor, pero sin destacar, y Penelope Cruz está bastante mejor que ambos, pero tampoco da para mucho.

La historia es otro punto flojo, pues en determinado momento se hace predecible y eso es algo que a este señor no se le puede perdonar, no se le puede perdonar, por el talento descomunal que ha mostrado en entregas previas, es por esto que la película es decepcionante para mi, y para muchos otros.

Ahora, ¿se trata de una mala película? Pensándolo pues realmente no lo es, si se tratase de una ópera prima, diría que se trata de una gran película (ni así da para "obra maestra"), pues tendría mucho mérito el haber conseguido todo aquello siendo un director novel, pero en el caso de Asghar Farhadi es increíble que haya cometido semejante despropósito.

En términos de la propia película, realmente es interesante, pero no deja de tener un arranque lento, tiene muchos giros que generan interés, pero no deja de tener una resolución floja y predecible. El apartado visual está muy conseguido y es muy agradable a la vista, pero las actuaciones no convencen, en conclusión estamos ante una película mediocre, yo lo siento mucho pero tengo que decir las cosas como son, tal vez alguien que la haya visto y no conozca el trabajo de Asghar Farhadi, pensará que estoy equivocado que exagero, pero yo digo que no, las fallas están ahí, cuando vez películas como La Separación o El pasado, ves una potencia en sus conceptos que aquí no están ni por asomo, y menos con la originalidad que si tienen las otras.

Para terminar, debo decir que si eres alguien que está comenzando a ver cine de calidad, cine independiente, cine europeo, extranjero, etc. pues esta película si está bien para ver una vez, pero lo cierto es que se trata de un tropiezo para su director, el cuál espero que se tome su tiempo para idear una nueva historia que tenga la fuerza y una pizca de originalidad y consiga la tan ansiada Palma de Oro por la que ya ha competido en varias ocasiones y le ha sido esquiva.

Por cierto, el título es malísimo, depedaza la trama.

De latir, mi corazón se ha parado (2005) - Jacques Audiard

Hace un año me topé con un ranking del British Film Institute que como título llavaba "10 Great gangster films", entre las diez películas que se mostraban había un par de Jean Pierre Melville (no podía faltar) y algunos clásicos como Rififi (1955). Dentro de todo la que más llamó mi atención fue uno de los títulos más recientes, The beat that my heart skipped. Ni siquiera leí el breve comentario que se hacía sobre la misma, la fotografía que acompañaba el texto había capturado mi interés.

La conseguí inmediatamente para verla y quedé muy satisfecho, sobretodo además interesado en la filmografía de su director: Jacques Audiard. Si bien Francia ha sido un país históricamente muy importante en la historia del cine y tuvo un apogeo maravilloso entre mediados de los 50 e inicios de los 70, lo cierto es que actualmente no es que aporte muchos nombres a la industria, lo mismo con el cine italiano.

La película es una especie de remake de Fingers (1978), estelarizada por Harvey Keitel y Michael V. Gazzo, en la cuál interpretan a un padre y un hijo imbuidos en el mundo de la mafia neoyorquina a pesar de que el hijo tiene talento para el piano. En este caso, no se trata tanto de mafia, pero si está el piano y la relación padre-hijo.

Tom (Romain Duris) trabaja junto a sus socios en el ámbito inmobiliario, aunque mas bien se dedican a sembrar plagas para desocupar edificios y revenderlos rápidamente a constructoras. Su padre es una especie de prestamista con conexiones 'oscuras'. En cierto momento de la película Tom se reencuentra con un representante de músicos que revive varias cosas de su pasado, entre ellas a su fallecida madre.

La película se sostiene muy bien en su protagonista, un personaje con varios matices y capas, que si bien lleva un negocio cuestionable, por otra parte intenta preocuparse por su padre con el cuál tiene un conflicto muy fuerte por la forma en que se comportó con tu madre, además de todo en la historia recupera la pasión y el interés por el piano.

La música no es muy prominente, pero acompaña perfectamente cada momento, en especial destaca la Toccata en Mi menor de Bach, interpretada por Caroline Duris, hermana de Romain Duris que además ayudó a prepararlo para que interpretara los temas el mismo en las escenas. Además la pieza de Bach funge de leitmotiv como tema que une a Tom con el recuerdo de su madre, pues ella misma interpretaba aquel tema.

Recomiendo totalmente esta película, es un drama muy interesante, con pinceladas de cine de mafias, pero en realidad con varios conflictos que se contraponen convirtiéndola en una experiencia enriquecedora. No digo mucho más porque espero que alguien aquí sienta el interés de verla y la busque para darle una oportunidad seria.