Violent Cop (1989) - Takeshi Kitano

Han pasado casi 13 meses desde la última publicación que realicé en el blog, la razón de la para ha sido principalmente un cambio que Facebook hizo en su interfaz a la hora de compartir contenido en páginas y grupos, lo cuál me impedía compartir mis artículos con facilidad, eventualmente perdí el interés en seguir escribiendo, pero tras toparme con la filmografía al completo de Takeshi Kitano, he decidido comentar todas y cada una de sus películas, omitiendo claro está Brother (2000), la cuál ya se encuentra publicada en el blog.

Yendo a lo que nos interesa, he vuelto a ver esta película por segunda vez, luego de unos 3 o 4 años, llevaba ya tiempo con ganas de volver a verla. A veces uno cambia su opinión respecto a algún film según pasa el tiempo, para bien o para mal, y en este caso tenía ganas de darle un segundo visionado a este el debut de Takeshi Kitano.

Lo primero que quería comentar son las circunstancias en las que nace esta película, y con ella la carrera de Takeshi Kitano. Conocido originalmente como Beat Takeshi, Kitano tenía muchísimos años de carrera artística en japón, conocido principalmente por ser un comediante que alcanzó la fama junto a Kaneko Niro, mejor conocido como Beat Kiyoshi, y por ser una personalidad del mundo televisivo japonés, dentro del cuál es probablemente la celebridad más importante a día de hoy.

Kitano que había recibido buenos comentarios por su participación como el desquiciado Sargento Hara en Merry Christmas Mr. Lawrence (1983), y a pesar de haber actuado ya en varias películas, no tenía aun una reputación cimentada como actor de cine, en este contexto acepta el protagónico de Violent Cop, que originalmente iba a dirigir por Kinji Fukasaku (Tora Tora Tora!, Battle Royale), pero debido a conflictos con la agenda de Kitano y sus participaciones en televisión decidió abandonar el proyecto, el cuál los productores decidieron ofrecerle a Kitano, ocasionando así su inesperado debut como realizador.

Hay que tener en cuenta que la película original, como no podía ser de otra manera iba a ser una comedia, Kitano viendo que en ese momento tenía poder de decisión y en un intento de apostar por un papel más serio y quitarse el estigma de comediante, reescribió el guion casi en su totalidad para quitarle la comedia, transformando la historia en un drama policíaco con un tono más oscuro y hasta melancólico.

La historia de la película se centra en Azuma, un policía solitario que no tiene reparos en aplicar la violencia y cualquier método más que cuestionable para lograr sus objetivos, muy al estilo de Harry el Sucio. Básicamente Azuma se encuentra investigando junto a sus compañeros un asesinato relacionado al narcotráfico, debido a la personalidad del protagonista vamos viendo como el caso se va tornando más personal para él.

Lo primero a resaltar es el tono y estilo de la película, desde el inicio vemos un trato lúdico de la violencia, el protagonista muestra un rostro imperturbable en todo momento, salvo contados momentos en los que pierde los papeles, en todo momento se encuentra sosegado, pero todas las escenas donde hay intercambio de golpes o discusiones fuertes, tienen ese toque de humor seco, que es prácticamente un sello de Kitano.

Es curioso que siendo este su primera experiencia como director se ven casi todas las señas identificables de su cine; el uso y representación de la violencia como conducta natural del ser humano, el humor seco, los tiempos muertos, la propuesta minimalista de sus escenas, casi todas planteadas a uno o dos planos como máximo, y por supuesto la presencia del mar, el cuál casi siempre encuentra donde meter en todas sus películas.

Creo yo, que si bien esta película se puede hacer mas o menos entretenida, no da el nivel del mejor Takeshi Kitano, es más sencillo apreciarla si vienes ya de ver sus mejores películas como Hana-Bi, Sonatine o Brother, pero si ves esta película por primera vez sin saber quien es Takeshi Kitano ni nada, te podría resultar un tanto sosa, aunque se hace muy interesante los momentos en que aparece el protagonista por su comportamiento, cuando no está se le extraña mucho y eso habla en contra del guion, que no desarrolla tan bien la historia de narcotráfico alrededor de nuestro protagonista, Azuma.

Cómo comentario final, y aquí voy a hacer un SPOILER inmenso, así que si no la han visto y desean hacerlo, pueden detenerse aquí e ir a verla si no desean que les joda la película.

Quería referirme en especial al final de la película, que opta por una solución realmente sorprendente, aunque bastante lógica en cierto sentido y es que al final de la película Azuma va a rescatar a su hermana de la manos del asesino Kiyohiro, pero al verla convertida en una yonqui, directamente decide dispararle y matarla, pero ahí no queda la cosa, si no que al dejar la escena del crimen, caminando, es acribillado por el segundo al mando del Jefe mafioso que momentos antes había sido asesinado por Azuma.

Es decir, al final opta por un final bastante nihilista, en el que el protagonista ve como su vida realmente ya no tiene sentido, porque en un inicio el poco sentido que tenía era cuidar de su hermana, esto se evidencia en una escena en la que va a visitar a la hermana y ve que ha pasado la noche con uno que conoció en la discoteca la noche anterior, y Azuma le dice que debe comprometerse, es decir desea que asegurarle su futuro, pero al ver que han convertido a su hermana en un deshecho humano, decide dispararle a sangre fría, luego de haber sido baleado por el asesino, para segundos después terminar muerto, un final que se puede comparar un poco con el de Scarface (1983).

Solo eso por ahora, muy buena película, interesante ver el primer trabajo de este gran director y la recomiendo sobre todo si te interesa el cine japonés, o ya has visto algunas otras películas de Kitano, no te puedes perder esta.

Sleeping with the enemy (1991) - Joseph Ruben

Hace unos días me animé a ver esta película con cuyo afiche promocional me topé en internet y que me causó curiosidad al tratarse de una película bastante antigua. No tengo mucha idea, pero me parece que en su tiempo fue una película bastante comentada y taquillera, de hecho recaudó 174 millones de dólares (equivalente a 324 millones actuales) con un presupuesto de 19 US$ y que claramente viene a cuento hoy en día, pues la premisa básica es la de una mujer que sufre el maltrato de su esposo.

La  película está dirigida por Joseph Ruben, realizador que gozó de cierto caché durante los noventa, que entre otras cosas dirigió aquel thriller psicológico con Macaulay Culkin y Elijah Wood, El ángel malvado (1993), la cuál tuve oportunidad de ver siendo niño, y que sospecho no debe ser muy buena, al igual que en este caso, Durmiendo con el enemigo me ha parecido una película muy mecánica y obvia.

La historia, como ya adelanté, nos pone en la piel de Laura Burney (Julia Roberts) una mujer que al inicio parece estar disfrutando de un idílico descanso en la playa, de pronto aparece su esposo Martin (Patrick Bergin) con un ramo de rosas, pidiendo perdón por 'algo', que no sabemos qué es, pero por el título uno intuye de que se trata, además de que Manolito tuvo la 'cortesía' de adelantarme el tema de la violencia intrafamilar.

La verdad es que la película, si bien fue estrenada en 1991, cae en varios clichés del thriller moderno, el personaje que es loco porque si, los cambios de identidad, los planes super elaborados de un protagonista que parece ser ex agente de la CIA, en fin, mecanismo del guionista para hacer progresar la historia que hacen que uno no se la tome tan en serio, similar al caso de Pacific Heights (1991), película de John Schlesinger.

Laura que en un principio parece confiar en Martin, realmente tiene un plan para escapar, pues la película nos muestra que el marido es un tipo con trastorno obsesivo compulsivo (TOC) que reacciona con una violencia incontrolable cuando algo no se hace con la perfección que el requiere, como la forma de colocar las toallas en el baño, además de otras cosas que Laura no está dispuesta a seguir soportando, por lo cuál ha hecho creer varias mentiras a su esposo.

Realmente la película no es nada del otro mundo, para un espectador poco exigente si que puede resultar entretenida y emocionante, de hecho creo que los mejores momentos son aquellos que retratan la condición mental de Martin y el maltrato que sufre Laura por parte de este, pero poco más puede ofrecer, Laura se escapa, su esposo va detrás gracias a una desafortunada llamada, y luego lo que tenemos es el típico argumento del stalker moderno, la verdad no la recomiendo, a menos que tengas curiosidad, como digo en su día causo sensación en parte gracias a Julia Roberts que luego de Pretty Woman (1990) se había convertido en una sensación.

La Prisonnière/Woman in Chains/La Prisionera (1968) - Henri-Georges Clouzot

Hace unos días no tenía ni idea del cine de Henri George Clouzot, aunque el nombre si que me sonaba de algún lado. Tengo entendido que su película más conocida, recordada o comentada es Les Diabolique (1955), pero no la pude conseguir, en lugar de aquello di con otras películas, todas con un arte promocional muy interesante, como pueden comprobar, en lo personal suelo llevarme por los carteles para ver una película de la cuál no tengo mayor información.

Total que curiosamente la primera película que he podido ver, ha sido su trabajo final, además de su única película en color, y debo decir que no me esperaba lo que he visto, y que me ha sorprendido agradablemente. Tenía en mente ver algo más o menos clásico, pero esta película ciertamente podría considerarse pionera o adelantada, tanto por los temas que toca, como por el enfoque del director, con un estilo muy psicológico, bien aplicado a este drama romántico.

La película además tiene un componente muy interesante, pues la historia involucra un poco el mundillo del arte. Tenemos a Stan (Laurent Terzief), un galerista que está proponiendo tendencias 'novedosas', basadas en propuestas 'conceptuales' que su amigo, el diseñador Gilbert (Bernard Fresson) se encarga de plasmar a través de instalaciones móviles y coloridas. Gilbert vive con una joven llamada José, con la que lleva una relación bastante libre, ella trabaja en la galería con ellos. un día José acompaña a Stan y descubre su afición, tomar fotografías de mujeres amarradas de corte BDSM.

El conflicto de la película radica en la extraña atracción que experimenta José al saber del pasatiempo de Stan, pues una de las características de la relación que mantiene con Gilbert, consiste en avisarse mutuamente si van a salir o a involucrarse momentáneamente con otra persona, cosa que en este caso José incumple, cuando comienza a ocultar sus encuentros con Stan.

Lo llamativo de la película es que la relación que establecen José y Stan no es de amor inicialmente, si no de sumisa y dominador, en la cuál José con temor al inicio busca complacer a Stan, para lo cuál debe aceptar con totalidad todas las peticiones de este, pero lo curioso es que no se trata de una relación sexual, si no que todo se remite a las fotografías que realiza el galerista, haciendo más extraña aun la relación que se desarrolla entre ellos.

La película tiene un enfoque de drama psicológico, en el cuál vemos a una José que se debate entre complacer a Stan y ser leal al acuerdo que mantiene con Gilbert, al mismo tiempo vemos como se va a desarrollando la historia en clave de triángulo amoroso, pues Gilbert empieza a notar cambios en la conducta de José y posteriormente la relación que ella mantiene con Stan ya se torna más cálida y romántica.

No voy a decir más respecto a la historia, solo recomendar la película a cualquiera que quiera ver algo bastante atípico para su época, tiene muchos detalles interesantes, el desarrollo de los personajes es bastante bueno, todos conectados por distintas razones, una historia de amor bastante inusual a la cuál recurrir para salir de lo mismo de siempre.

The Sisters Brothers (2018) - Jacques Audiard

Ya comenté anteriormente una película de Jacques Audiard, De latir mi corazón se ha parado (2005), y de hecho he visto otras películas de este gran director francés, que en algún momento traeré aquí al blog. Ayer decidí darle un vistazo a su trabajo más reciente, The Sisters Brothers, un western.

La película protagonizada por John C. Riley y Joaquin Phoenix como los hermanos Sisters (Eli y Charlie respectivamente), se ubica en 1851, son dos caza recompensas que trabajan para un hombre conocido como El Commodore (Rutger Hauer), quién les encarga rastrear a un hombre llamado Hermann Harm (Riz Ahmed), con la ayuda de John Morris (Jake Gyllenhal), el objetivo es sonsacarle a base de torturas una formula química, que hace brillar el oro para extraerlo de los ríos con facilidad, luego de lo cuál deben matarlo.

Total que Morris, que no es un asesino ni un hombre violento, simplemente un scout o un stalker, en el concepto original de la palabra, termina sintiendo compasión por Harm tras escuchar los planes que tienen para él, luego de lo cuál huye con él para ayudarle a lograr su cometido, razón por la cuál está buscando oro, para fundar una especie de comunidad dónde cultivar determinados valores que van en contra del modo de vida americano de ese tiempo, en donde todo se basa en dinero.

Debo decir que la película no me ha generado lo mismo que las anteriores de Audiard, como que visualmente ha cambiado un poco, hay momentos de panorámicas, propias del western claro está, pero me parece que no vemos la identidad del cine de este director, evidentemente está haciendo una película de género un poco más estilo clásico, pero bueno, puede ser cuestión mía.

Lo más resaltante en mi opinión, son las actuaciones, tenemos a un muy buen Joaquin Phoenix y a un John C. Reilly que hace muy bien el contrapunto, Jake Gyllenhal, bueno que vamos a decir de Gyllenhal, siempre está muy bien. La historia la verdad es que por momentos va y viene, como que pierde interés para recuperarlo inmediatamente.

Uno de los temas principales es el de la familia, se ve claramente en la relación de hermanos, como aparentemente Charlie no tiene el mismo apego por su hermano Eli, que busca ya abandonar la vida inmersa en la violencia que llevan, y que los obliga a estar en constante huida. También se evidencia en la relación que tuvieron con su padre y en como esta terminó, en la forma que han salido de su casa, en los problemas que John Morris ha tenido con su propia familia. Por otro lado la iniciativa de Hermann Harm, de construir un falansterio también responde a la necesidad de establecer una comunidad que conviva como una familia, en paz.

Creo que no hay mucho más que comentar sobre la película, tiene suficiente acción, una historia muy interesante, actuaciones que enganchan, tal vez flaquea un poco en la profundidad de los temas, pero como entretenimiento, salvando algunos momentos, está bastante bien, animo a que le den un vistazo.

The Clovehitch Killer (2018) - Duncan Skiles

Revisando material para continuar viendo películas sobre asesinos notorios de la historia, me topé con esta interesante película estrenada el año pasado, que a golpe de vista me llamó la atención el arte de su póster, que muestra a un hombre encapuchado, claramente invadiendo una casa ajena, según el director la historia está inspirado en el caso de Dennis Rader, mejor conocido como BTK, siglas de Bind, Torture, Kill (atar, torturar, matar).

No me voy a referir con mucho detalle al caso de Dennis Rader, fue un prolífico asesino serial que operó entre 1974 y 1991, y que destacaba especialmente por la planificación con la que cometía sus ataques con un modus operandi bastante similar al de Israel Keyes o Joseph DeAngelo (conocido como East Area Rapist, Diamond Knot Killer, Original Night Stalker y Golden State Killer), todos personas con una gran capacidad de anticipación y de estudio de las condiciones en las que atacarían a sus victimas. Al igual que con el caso de DeAngelo, Rader se mantuvo en la sombra durante muchos años, hasta que en 2004 empezó nuevamente a 'coquetear' con la prensa enviando cartas, hasta que fue arrestado en 2005 y condenado finalmente a 175 años de prisión.

Esta película se trata del debut cinematográfico de Duncan Skiles, quien ya ha trabajado en varias producciones televisivas, además de haber realizado múltiples labores como Productor, Editor, Director de Fotografía o incluso Cámara, es importante mencionar esto, porque a la hora de evaluar una cinta hay que tener en cuenta la cantidad de experiencia que tiene un director o la calidad de su trabajo anterior, como comenté en la review de Todos lo Saben (2018), donde comenté que si se hubiera tratado de una opera prima, sería una maravilla, pero al venir de un director experimentado y que ya ha logrado películas de altísimo nivel, resulta decepcionante.

Clovehitch es el seudónimo con el que se le conoce al asesino serial de la pelícua, cuyo modus operandi incluye el uso del 'ballestrinque' (clove hitch en inglés), un tipo de nudo especialmente usado en náutica, detalle importante en la concepción de la historia. La historia comienza con una ceremonia in memoriam en honor a las diez mujeres fallecidas a manos de Clovehitch, quien lleva diez años en hiato y de quién nunca se ha tenido mayor pista que su forma de operar. Otro detalle es que el contexto de la historia se establece en una de aquellas típicas comunidades cristianas, sectarias.

Antes me he referido a la importancia del nudo clove hitch, pues resulta que nuestro protagonista es Tyler Burnside (Charlie Plummer), un muchacho miembro de una asociación de boy scouts, cuyo padre es el líder. Aquí para mi la película comete, no se si un error, pero tal vez una ligereza en su planteamiento, pues durante los años setenta en el caso del 'Violador de la Zona Este' (Joseph DeAngelo) cuando empezó a cometer asesinatos a finales de la década, siempre hubieron sospechas de que se tratara de alguien entrenado en tácticas de supervivencia al aire libre, y resultó ser un policía, veterano de Vietnam.

En esta historia vemos un grupo de boy scouts, quienes obviamente son expertos en técnicas de supervivencia y todo ese rollo, por lo que claramente el asesino de la película va a tener que ser uno de ellos, sin embargo aquí el planteamiento no consiste en adivinar quién es el asesino a la manera clásica. En general la película me ha entusiasmado al inicio, pero finalmente me resulta muy mecánica, y aquí es dónde voy a entrar en spoilers para profundizar en este concepto.

Para mi ha sido bastante obvio que el Padre es el asesino, y esta sospecha se convierte en una realidad cuando al empezar la película, Tyler sale a media noche con la camioneta de su padre a verse con una chica, estando dentro esta descubre una fotografía de una mujer semidesnuda atada en plan BDSM, hecho bastante 'incriminatorio' a nivel narrativo, pues no existen otros personajes que encajen en el tema del nudo, característica definitiva del asesino en cuestión.

Tyler queda totalmente perturbado al encontrar la fotografía, la cual evidentemente no es suya, y por cuya razón sus ojos viran hacia la conducta de su padre. En ese momento he pensado que es muy rápido para que se mostraran sugerencias al respecto de la identidad de un asesino que lleva desaparecido 20 años, por lo que algo más debe haber y entonces cabe comprender aquí, que la película no trata de adivinar quién es el asesino, si no de la sensación que siente alguien al estar directamente relacionado con el asesino.

A todo esto, hay un personaje que es casi un adorno, y en el cuál he encontrado la clave del siguiente plot point pues al saber que el Donald Burnside, muy presumiblemente sea el asesino, la película va a necesitar desviar esta presunción más adelante  y para ello aparece desde un inicio el 'personaje adorno' del Tío Rudy, quien para coincidencia es un hombre que ha sobrevivido a un accidente automovilístico, pero a coste de perder el habla y la capacidad de interacción. Como anticipé, cuando Tyler confronta a su Padre respecto a las fotografías que encuentra, Donald le hecha la culpa a su hermano Rudy, pues este no puede desmentirlo.

Luego de esta confrontación, Tyler le da un ultimátum a su padre o entregan al Tío Rudy o destruyen las pruebas (esto último con motivo de 'proteger' a su familia y evitarle el disgusto y vergüenza a su madre), esta decisión también nos dice claramente que el Padre sigue siendo el asesino pues las evidencias las había estado guardando él, podría haberlas quemado mucho tiempo atrás, pero decide hacerlo ahora que ha conseguido desviar la atención del hijo.

Además de estos dos personajes hay un tercer personaje que es central en el desarrollo de la trama, Kassi, una chica 'extraña' ajena al pueblo, atea además, a la cuál tachan de enferma, por estar obsesionada con el 'Asesino del nudo ballestrinque', al entrarle las sospechas a Tyler de que su padre podría ser este personaje, decide pedir ayuda a Kassi para probar o descartar esta posibilidad, ella evidentemente se muestra interesada, pues podría servirle para resolver el caso.

El tramo final de la película me ha generado sensaciones encontradas. A nivel de ejecución me ha parecido un tanto torpe, pues a un hombre tan inteligente como hemos visto que es el padre, siempre a un paso antes que su hijo, logran engañarlo con un supuesto viaje que Tyler hace hacia un campamento de liderazgo y tal... poco creíble la verdad, ¿cómo es posible que un prolífico asesino que ha podido desaparecer durante diez años del radar de la policía pueda ser engañado por unos niños a los que ha burlado durante toda la película?

Podríamos decir que en un momento de debilidad el padre se confió y cometió ese error, tal vez... pues al final, cuando Tyler viaja, propone a su mujer que vaya a visitar a su madre junto a su hija menor, para luego darles el alcance. Y aquí la película pone en evidencia lo obvio, que Donald Burnside es Clovehitch, aprovechando su soledad decide embarcarse en un nuevo 'proyecto' y prepara el asesinato de una mujer a la que se cruza en el supermercado. Finalmente Tyler y Kassi que han estado siguiendo a Donald, lo sorprenden e impiden (aparentemente) que termine de asesinar a la mujer.

El final es lo más curioso del filme, tras un salto temporal, vemos que el Padre lleva desaparecido un tiempo, hasta que aparece muerto, la causa de muerte se establece como accidente por mal manejo de un arma de fuego. La película termina con un discurso de Tyler, durante una ceremonia en la que asume como nuevo líder del mentado grupo de boy scouts, en la cuál además se rinde homenaje a su padre por sus labores comunitarias y como líder de dicho grupo y sobre quién da un discurso muy generoso, la película deja sin respuesta la pregunta de si fue Tyler quién mató a su padre o si el propio ha cometido suicidio de forma obligada tras haber intentado disparar a quemarropa a su hijo durante la confrontación final.

En general si recomendaría esta película al público en general, está interesante la historia de Clovehitch, el pueblo, la relación padre e hijo, la tensión que se genera, pero tal vez a un espectador experimentado le puede parecer una película bastante común, está muy bien filmada, pero de mi parte poco más puedo decir, no tiene escenas memorables, no tiene una música muy llamativa, visualmente no es que sea muy lograda, a nivel de planos es bastante común, en fin, cabe destacar que la actuación de Dylan McDermott es bastante destacada, pero hasta ahí.

In the Light of the Moon/Ed Gein (2000) - Chuck Parello

Luego de publicar la reseña anterior, me puse a recordar que casos me faltaban revisar para incluirlos aquí en esta antología de películas sobre serial killers, recordé el caso de Ed Gein, la prominencia que tuvo a nivel mediático y la influencia que ha tenido en tanto en cine como literatura en incluso en la música.

Edward Gein es uno de los personajes más aterradores en la historia de la humanidad, basta con mencionar que fue la inspiración y base de Norman Bates (Psicosis, 1960), Leatherface (La matanza de Texas, 1974) y Buffalo Bill (El silencio de los inocentes, 1990). Conocido como 'El carnicero de Plainfield', Gein fue internado en 1957 en el Instituto de Salud Mental Mendota, en Madison, Wisconsin. Tras de comprobarse su responsabilidad en un asesinato, se procedió a registrar su casa, durante esta inspección se encontró una serie de objetos, utensilios y 'prendas' de vestir fabricadas a partir de restos humanos, además de huesos humanos, cabezas disecadas, miembros conservados, etc.

Sin embargo más allá de las películas que se sirvieron de la historia de Ed Gein como inspiración, también hubieron películas que contaban su verdadera historia, tal es el caso de esta, una modesta producción que se estrenó en el festival de Sitges del año 2000 y que posteriormente tuvo un estreno limitado en salas de Estados Unidos para luego pasar a VHS y más tarde a DVD. Partamos del hecho de que es una película de presupuesto bajísimo, casi un telefilm.

La película comienza con algunos fragmentos de entrevistas de la época hechas a gente del pueblo, luego nos trasladamos al cementerio de Plainfield, dónde una pareja busca soledad para besarse, cuando vemos a Ed desenterrando un ataúd, el de su madre, luego vemos que con la intención de 'revivirla' y es que aquí entramos en un punto importante de esta historia, la relación madre-hijo. La Madre de Ed Gein tuvo una gran influencia sobre él, basando su educación en la lectura de la biblia y en violencia, verbal por parte de ella, y física por parte de el padre.

La verdad es que si bien, he comentado en las reseñas anteriores que este tipo de personajes casi siempre acarrean una 'narrativa del personaje', es decir que no hay un conflicto establecido per sé, si no que vamos siendo testigos de las conductas del protagonista, construyendo el personaje a través de su conducta, decisiones, y en este caso también de su pasado, el cuál vemos a través de flashbacks que se presentan en determinados momentos, en los que Ed reconoce a su madre en situaciones cotidianas.

La verdad es que la película es bastante poca cosa y aburridita, tal vez se hace un poco más interesante si conoces el caso de Ed y tienes morbo de ver las cosas que hizo y todo aquello, pero lo cierto es que hay que poner bastante de tu parte, los actores son de medio pelo, pero dentro de lo que cabe cumplen, la calidad de la película es bastante de telefilm, como una película de esas que pasan un domingo en el canal más frío de todos.

Cómo puntos positivos cabe mencionar que la historia es bastante fiel a los hechos reales, así que tiene cierto valor documental, además la fotografía está bastante bien, aunque claro con un planteamiento visual sencillo, muy televisivo, pero bueno, realmente no se si recomendaría esta película, tal vez si no eres muy exigente y te interesa mucho ver cualquier material relacionado a Ed Gein, pues puede ser. Cómo curiosidad cabe añadir que la música de la película corre por cuenta de Robert McNaughton, el mismo que hizo la genial música de Henry, retrato de un asesino (1986).

Henry: Portrait of a Serial Killer (1986) - John McNaughton

Finalmente le ha tocado el turno a Henry. Esta película la he visto ya varias veces desde que comencé a profundizar en el cine, desde la primera vez me maravilló la construcción del personaje, como aquel asesino despiadado, sumamente inteligente y calculador. El guion, de manera similar a como hizo David Cronenberg en La Mosca (1986), se ciñe a tres personajes y los conflictos que se desarrollan a partir de la convivencia, recurso que muchas películas pequeñas han usado con gran acierto.

Hay varias cosas para comentar sobre esta cinta, quizá podría empezar por referir que esta película es una excepción en la lista, porque si bien se inspira de hechos reales y de un asesino serial real, Henry Lee Lucas, la historia que cuenta es una versión libre de los hechos que rodearon a Lucas y a su compinche Otis Toole, por tanto no es una película sobre una historia real, si no una reimaginación de la historia de Henry Lee Lucas, plasmada en una película de terror.

Para un comentar un poco sobre el Henry real, nació en 1936, y durante toda su infancia fue maltratado por su madre, una mujer que se dedicaba a la prostitución y traía a sus clientes a la casa, así durante años, en ocasiones incluso le obligaba a ver todo lo que hacían. A los diez años Lucas perdió un ojo producto de una herida que se le infectó, porque su madre se negó a llevarlo al hospital, de niño no fue bien alimentado, estaba desnutrido, se dice que su madre hasta llegó a abusar sexualmente de él.

La historia cambia para Henry cuando en 1960 asesina a su madre de una puñalada, según él solo la quiso empujar para evitar recibir un golpe, pero al tener una navaja en su mano terminó hiriéndola, al tratar de incorporarla luego de la caída notó que estaba ensangrentada, razón por la que huyó de la escena, fue condenado a diez años de prisión siendo liberado en 1970. En 1975 conoce a Otis Toole, con cuya sobrina de 13 años, llamada Becky, inicia una relación sentimental, posteriormente se van a vivir vagando por carreteras, hasta que la asesinó también en 1983.

He comentado ciertos detalles de la vida de Henry Lee Lucas porque son algunos de los que están referidos en la película. La cinta nos muestra a un Henry que está en constante movimiento, desde el inicio nos muestran como va regando cadáveres a su paso, algo que no es totalmente preciso con la realidad, pues aquí parece que el personaje vive para matar, cuando en la realidad no fue tanto así el caso.

La historia empieza cuando Otis (Tom Towles) recoge a su hermana Becky (Tracy Arnold) del aeropuerto, recordemos que la verdadera Becky era sobrina del Otis real. Más tarde, ya instalada en el departamento, Becky conoce a Henry (Michael Rooker) con el cuál llega a establecer cierta afinidad. Cómo he mencionado al inicio la película está construida sobre la base de este tridente, por una parte nos muestran el 'día a día' de un Henry que parece vivir para matar, al mismo tiempo nos muestran como es la adaptación de Becky a la rutina de Otis y Henry, los conflictos que surgen por ejemplo cuando Otis pone en evidencia una conducta abusiva sobre su hermana Becky, momento en el que también vemos como Henry funge de protector de esta.

En internet leí que alguien, con mucho acierto decía, que esta era una "película de horror de John Cassavetes", porque ciertamente tiene las características de un film de Cassavetes, como cuando vemos la interacción que tienen los personajes en Faces (1968) o Una mujer bajo la influencia (1974). En Henry, retrato de un asesino, por una parte tenemos los asesinatos que sirven como 'muestra' de lo que es capaz de hacer Henry, y por otro vemos como la tensión que existe en el departamento va llevando a los personajes a desmoronar lo que en un inicio parecía una familia que vive en armonía, hasta aquel final tan brutal.

En este planteamiento tan sencillo, pero acertado John McNaughton logra conjugar una película que tiene de todo, escenas memorables, que por lo menos hay unas tres, personajes interesantes, una música que calza como anillo al dedo, interpretaciones más que buenas, todos los actores cumplen perfectísimamente con su rol, evidentemente Michael Rooker es la estrella, que hasta ese entonces no había trabajado en ninguna película, aquí lo hace de maravilla, por momentos me recuerda a Robert De Niro en Taxi Driver (1976), con esas miradas vacías pero que en el fondo apuntan hacia algún lado.

Me gustaría hablar un poco sobre el final, que tal vez para muchos pueda parecer obvio, pero a mi siempre me ha quedado la duda, porque vemos a Henry abandonar solo el motel donde se había hospedado con Becky, sale con un maletín, sube al auto y se va, al final vemos que para en mitad de la carretera y baja una maleta ensangrentada y la deja en el camino, pero nunca nos muestran si mata o no a Becky, aunque resulta obvio pensar que la chica es un cabo suelto que no puede dejar pasar.

En resumen esta es una gran película, que con pocos medios logra mucho, entretiene, interesa y sobre todo logra perturbar porque a diferencia de otras películas de terror, aquí estamos ante un personaje de carne y hueso, de hecho la película tuvo muchas dificultades para encontrar distribución en 1986 debido a su clasificación X, y estuvo pasando de festival en festival hasta 1990 que pudo tener un estreno limitado, y aun así recaudó 600 mil dólares por sus 100 mil de presupuesto. ALTAMENTE RECOMENDABLE.