Green Book (2018) - Peter Farrelly

Ayer domingo 24 de febrero, Green Book ganó el Óscar a la mejor película del 2018. Lamentablemente no pude ver todas las películas antes de la ceremonia, y además de la flamante ganadora, tampoco pude ver Vice (2018) de Adam McKay. El punto es que ahora acabo de ver la película de Peter Farrelly, conocido por El tonto y el más tonto (1994) y Loco por Mary (1998).

La pregunta cae por su propio peso, ¿Ha merecido Green Book el Óscar a mejor película? Lo pienso rápidamente y la respuesta es no. Más allá de la que la terna de esta gala ha sido de las más lamentables que se hayan visto en los últimos años, metiendo a la fuerza a una película de superhéroes que ni de broma ha sido la mejor del año pasado (en su género), y que no da la talla para luchar por la estatuilla, creo que solo BlacKKKlansman, La Favorita y tal vez Vice (porque no la vi) eran películas de nivel Óscar.

Tenemos en los protagónicos al ya dos veces laureado Mahershala Ali y al nominado Viggo Mortensen, empezando desde ahí ya hay un tema de controversia, porque innegablemente Ali se ha merecido el galardón en esta ocasión, porque en mi opinión la primera fue un regalo bastante extraño porque Michael Shannon y Jeff Bridges estaban bastante mejor, mientras que el personaje de Ali tenía una aparición breve, pero además desaparecía de forma desconcertante de la película sin ningún tipo de explicación, razón por la que además considero que le regalaron el Óscar a Mejor Guion y Mejor Película.

Y entonces tenemos que Mahershala Ali ya tiene dos nominaciones y dos premios y Viggo Mortensen con la carrera que lleva en Hollywood e innumerables papelazos que ha dado no tiene ningún premio, eso para mi es como mínimo sospechoso. De cualquier modo ambos actores están soberbios, Viggo Mortensen clavando el acento italoamericano de Nueva York además de interpretando en italiano en varios momentos, y Mahershala Ali ni que decir, habla además del inglés, ruso e italiano, y aunque aparece en cámara tocando el piano bien podría ser esto un truco de CGI como aquel que en el que vimos a Carrie Fisher rejuvenecida en Rogue One (2016).

Realmente la película está bastante bien, cuenta la historia de Tony Lip (Mortensen) un segurata del Copacabana, legendario cabaret neoyorquino operado por Joe Gallo (miembro de la familia Colombo) en su día, y que era habitualmente concurrido por múltiples miembros de distintas familias de la mafia, de hecho la película hace una ligera alusión a este hecho mostrado a líderes del crimen organizado asistiendo a este local. El hecho es que Tony se queda sin trabajo y se ve forzado (ya que es claramente racista) a aceptar un trabajo como chofer de un pianista negro llamado Don Shirley (Ali).

La historia a priori es la típica en la que alguien (generalmente blanco) racista se ve forzado por las circunstancias a interactuar con un afrodescendiente, y mediante esa experiencia logra superar su conducta racista y discriminadora, aceptando la diferencia y convirtiéndose en alguien distinto, historias de este tipo hemos visto millones, sin ir muy lejos tenemos las películas de 2016 Hidden Figures y Hell or High Water que estuvieron nominadas al Óscar hace un par de años, ya tenían este concepto en ellas, y muchas veces antes, otro ejemplo sería Al calor de la noche (1967) en la que Rod Steiger (el blanco sureño racista) termina aceptando a Sidney Poitier (el afroamericano) como excelente policía, ser humano e incluso amigo, dicha película por cierto ganó el Óscar a mejor película en 1968, entre otros premios.

Entonces la historia de la película no cuenta nada nuevo, las mismas que ya en tiempos de la  segregación (y ahí si que representaban una necesidad de ser contadas) habían sido introducidas y que a lo largo de las décadas posteriores se han ido representando una y otra vez en pantalla. Hoy en día han resurgido este tipo de historias en Hollywood con el tema de la 'inclusión' y tenemos cineastas como Barry Jenkins, Jordan Peele, el propio Spike Lee que sigue dando lata con más de 30 años de carrera, todos ellos grandes realizadores pero que utilizan el cine como tribuna para refregar el tema del racismo y discriminación.

Digo todo esto, porque la película, si bien está muy bien realizada y tiene grandes interpretaciones realmente no es nada del otro mundo, es una película correcta, entretenida, bonita si queremos, deja enseñanzas, aunque un tanto cansinas, pero están. Pero si vamos a otras películas de la terna de este año, es que van mucho más allá artísticamente, por ejemplo La Favorita de Yorgos Lanthimos, solo en el acabado visual ya le da tres mil vueltas a Green Book, incluso en temática da luces sobre la forma de relacionarse de estas mujeres a inicios de 1700 y como "sobreviven" a la realidad que les toca vivir.

Green Book es una película predecible, que incluso en determinado momento y esto es un pequeño spoiler nos muestran que el personaje del Doc Shirley es un homosexual reprimido, pero la película no desarrolla este aspecto, lo dejan ahí, sin abordar el tema, se presenta como película reivindicadora pero luego se tira para atrás a la hora de reafirmar su posición.

Honestamente, la película está bien, pero no mata. Si la recomiendo, se pasa un buen rato, está entretenida, graciosa, ambos actores tienen mucha química, y deja el buen mensaje de aceptar a los demás por encima de diferencias sociales, sean raciales, políticas o religiosas por mencionar algunos aspectos, como dije antes este mensaje ya está más que quemado tenemos años luchando contra la discriminación, así que en ese sentido la película es redundante, pero no deja de valer la pena verla aunque sea una vez.

The Favourite (2018) - Yorgos Lanthimos

Hace poco más de una semana decidí retomar el cine de Yorgos Lanthimos, el cineasta griego que apareció en el panorama cinematográfico mundial con Dogtooth (2009). Tras ver La Langosta (2015) y The Killing of a Sacred Deer (2017) a manera de preámbulo, finalmente ha tocado el turno de ver La Favorita, su más reciente trabajo.

Lo primero digno de mencionar es que se trata de su película más grande, en cuanto a producción y a premios obtenidos. El acabado técnico y artístico es apabullante, tanto en el diseño de producción, los ambientes, decorados, atuendos, todo desarrollado al más mínimo detalle, la dirección de fotografía es IMPRESIONANTE, me ha dado la sensación de que han utilizado técnicas similares a las de Stanley Kubrick en Barry Lyndon (1975), además de una diversidad de lentes super angulares, ojos de pez, etc.

Las tres actrices principales, Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone, ofrecen sendos PAPELONES, llama la atención el salto de calidad que ha dado Emma Stone en su calidad interpretativa, escogiendo mejores proyectos para su carrera. Rachel Weisz es una actriz de amplia trayectoria cuya valía ya he demostrado múltiples veces en todo tipo de películas, y Olivia Colman, a quien había visto en La Langosta, pues hace un señor papel como la Reina Anne de Gran Bretaña.

Esta historia toma detalles de la realidad y de cierta época del siglo XVIII en Inglaterra, pero condimentándolo con ficción pura y dura, es decir los personajes de la película se basan en personajes históricos que existieron, pero las situaciones que vemos en la cinta son totalmente ficcionadas.

El guion data del año 1998, que fue cuando Deborah Davis hizo el primer borrador de La Favorita, pero fue incapaz de conseguir financiación en aquellos años, habría que mencionar aquí que la película tiene contenido lésbico en cierta medida y es comprensible que a finales de los 90, una película de este tipo no llegara a realizarse, primero porque el tema era controversial en aquel momento y solo podría llegar a hacerse en una producción de bajo presupuesto, algo que se contrapone totalmente con la ambientación que requiere el contexto histórico de la película.

Para hablar ya de la historia, pues tenemos a la Reina Anne de Gran Bretaña, que a inicios del siglo XVIII se encuentra en guerra contra el Imperio Francés, y junto con su 'ayudante' Lady Marlborough (Rachel Weisz) van tomando decisiones concernientes a la guerra, en ese contexto llega Abigail Hill (Emma Stone) al palacio a buscar trabajo de lo que sea, ya que es prima de Lady Marlborough, en un inicio Abigail empieza fregando pisos en la cocina, pero luego se atreve a buscar unas hierbas para curar la pierna herida de la Reina Anne, en un inicio Lady Marlborough la castiga por atrevida, pero rápidamente se ve obligada a perdonarla y tenerla cerca de ella y de la Reina.

La historia nos cuenta como estas tres mujeres buscan por todos los medios sobrevivir en el mundo que les toca vivir, de hecho la película nos dice que Abigail Hill, en algún momento tuvo una posición digna como Lady, pero ahora ha perdido sus privilegios, por lo que busca 'ascender' a través de la lealtad que intenta demostrarle a la Reina Anne, algo muy similar a lo que ha hecho Lady Marlborough, que ha conseguido luego de muchos años ser cercana a la Reina a quien conoce desde que eran jóvenes, e influir en ella a tal punto que incluso se da atribuciones que no le corresponden tomando decisiones de estado.

No quiero revelar mucho más, pero la película si bien en un inicio (y esto si que se lo recrimino), se hace un poco pesada porque como es obvio el lenguaje del siglo XVIII era muy distinto al actual, por tanto cuesta un poquito seguir el hilo, sobre todo si no tienes costumbre de leer novelas de aquella época o ver películas ambientadas en contextos históricos similares, y no solo eso, si no que además los personajes están atiborrados de parlamentos en el inicio de la película que realmente puede abrumar al espectador, pero conforme avanza la película, esto disminuye ligeramente y se puede llevar el ritmo perfectamente bien, una película que recomiendo totalmente, de una exquisitez y valor cinematográficos altísimos.

The Old Man & the Gun (2018) - David Lowery

El último domingo me senté con mi padre a ver una película, "la última de Robert Redford" me dijo, inmediatamente intuí de qué película se trataba y efectivamente era The Old Man & the Gun. Había leído el título por ahí, y su póster de carácter retro, que me recordaba ligeramente al de The Sting (1973), precisamente también con Robert Redford.

Al ver la película lo primero que me llamó la atención es que está filmada en celuloide, al igual que First Man (2018) de Damien Chazelle, y no solo eso, si no que utiliza una paleta de colores muy de los años setenta, cada que veo esto pienso en por qué diablos la industria ha estandarizado el formato digital cuando nada supera a la película y la fotografía química.

La historia que aquí nos cuentan es la de Forrest Tucker, un asaltante de bancos con un prontuariado extenso que data desde los años 30, por cierto, la película está ambientada en 1981, es decir tenemos aquí otro producto de la nostalgia, pero aquí se justifica con el hecho de que está inspirada en una historia real, sobre una asaltante de nombre Tucker que se llegó a escapar 18 veces de prisión.

En el elenco tenemos por supuesto a Robert Redford como Forrest Tucker, además de Sissy Spacek, Danny Glover, Tom Waits, Elizabeth Moss y Casey Affleck. Todo los actores cumplen muy bien, ninguno destaca especialmente, Redford mantiene el carisma que lo ha caracterizado toda su carrera y que en este caso especial le va perfecto al personaje, al que definen en la película como "un caballero".

La película cuenta una historia bastante sencilla, pero con mucho estilo. Forrest Tucker está dando una serie de 'golpes' junto a dos compinches, uno es Danny Glover, el otro Tom Waits, sin embargo estos dos parecen estar cansados o aburridos y buscan 'retirarse', para lo cuál deciden hacer un atraco más grande, pues todos los robos habían sido pequeños hasta ese momento, sin embargo el atraco sale mal y Redford se va por su cuenta para evitar ser capturado por la policía.

La historia de la película que se basa en un romance entre Tucker y Jewel (Sissy Spacek) no termina de ser convincente, hay momentos en que se siente un poco pesada y descompensada, por momentos gana más interés pero luego lo pierde, realmente la historia no es nada del otro mundo, pero tiene cierto encanto en los personajes, en los planos que se utilizan, los colores, la edición, técnicamente está muy bien.

Hay un bonito homenaje sobre el final, cuando Jewel visita a Tucker a la cárcel, este le comenta sobre sus distintos escapes en el pasado, mientras la película incluye una secuencia que recopila escenas de distintas películas carcelarias, entre ellas Escape de Alcatraz (1979) o Un condenado a muerte ha escapado (1956).

En general es una película simpática, con estilo, atractiva, por momentos un tanto pesada, pero termina satisfaciendo al espectador, si que la recomiendo para ver una domingo. Los actores cumplen, tiene un buen aspecto y la historia cumple su cometido, entretener.

The killing of a sacred deer (2017) - Yorgos Lanthimos

Hace unos días decidí retomar después de varios años, el trabajo del director griego Yorgos Lanthimos, a quién conocí gracias a Dogtooth (2009) como ya había adelantado en la entrada anterior. Dado que está nominado al Óscar este año por La Favorita (2018), me pareció propicio abordar sus trabajos en habla inglesa, a manera de poder hacerme perspectiva de su trabajo más reciente y ver la película con un poco más de luz. 

He empezado con The Lobster (2015) que ya está comentada en el blog, y por consiguiente tocaba hablar de The killing of a sacred deer (2017), su segunda película filmada en inglés, que tiene una vez más a Colin Farrell como protagonista, acompañado ahora por Nicole Kidman. En algún futuro hablaré de sus tres primeras películas filmadas en Grecia.

Luego de la reseña anterior algunas personas me comentaron que habían disfrutado más de este film que de La Langosta, y ya en ese momento me quedé con la mosca en la oreja, así que me predispuso a ver la película con sumo interés y atención.

Esta historia toma ideas de la tragedia de Eurípides, Ifigenia en Áulide (409 AC) en la que Agamenón decide sacrificar a su hija Ifigenia debido a su que un oráculo le ha dicho que solo de esa manera vendrán tiempos mejores. En la película tenemos al Dr. Murphy (Colin Farrell) cuya extraña relación con un jovencito llamado Martin, sirve como hilo conductor de esta historia tan desconcertante.

Tenemos que El Dr. Steven Murphy vive con su esposa y sus hijos en una lujosa mansión en las afueras de la ciudad, el es cardiólogo y su esposa oftalmóloga. Al inicio de la película vemos como el doctor Murphy se reune de forma secreta con Martin, dando a entender (al menos a mi), que se trata de un hijo fuera del matrimonio, esa es sensación que da el arranque de la película un hombre maduro que recibe visitas secretas y muy bien coordinadas de un muchacho, al que lleva a almorzar y da regalos como si de un padre ausente se tratara, pero rápidamente la película nos muestra que no es así, que hay algo más.

La historia sigue avanzando, pausadamente pero sin perder interés, este tipo de ritmos en el cine suele ser recibidos por el público masivo de forma de negativa, que requiere estímulos rápidamente, pero en esta cinta el director nos va jalando a través de la curiosidad y el querer saber que hay más allá de esta relación, y efectivamente hay algo, pero para esto tendría que entrar en spoilers.

La película está muy bien filmada, tiene un aspecto bastante grisáceo, urbano, de hospital, etc. Una paleta de colores opaca que funciona muy bien con el clima enrarecido que construye la película, aquí ya no tenemos el tono deadpan de La Langosta, esta es una película que se toma en serio y que busca meter al espectador en un estado de tensión respecto de lo que va viendo en la historia.

Yorgos Lanthimos evidencia una gran admiración hacia Stanley Kubrick al que referencia de múltiples maneras, por ejemplo en aquellos trackings en reversa que solía ejecutar Kubrick por medio de dollys y steadicam, o también la aplicación del zoom in/zoom out en diversas tomas para enfatizar la observación de diversas conductas de los personajes, otro claro ejemplo es el tempo pausado de los diálogos, en el que además ningún personaje interrumpe las lineas del otro, detalle que Kubrick utiliza en gran parte de su filmografía imprimiendo una atmósfera de bastante incomodidad, que luego por ejemplo Lynch ha utilizado en su cine más maduro.

Para retomar la historia, solo si ya han visto la película, cabe mencionar que, y ahora si entro a spoilers, que las cartas empiezan a revelarse cuando el Dr. Murphy decide llevar a Martin a su casa, algo que me recordó a aquel concepto que introdujo Pier Paolo Pasolini en Teorema (1968), con el extraño que llega a una casa ajena y reconfigura el funcionamiento de aquella familia, algo que también usó Takashi Miike en Visitor Q (2001).

Luego de visitar la casa del doctor, Martin lo invita a su casa a cenar junto con su madre, ahí la madre intenta sin éxito acostarse con el doctor, pero este se retira aparentemente ofendido o incómodo. Luego de eso Martin empieza a frecuentar a Kim, la hija del doctor, enseñándole a fumar y demás, estos desarrollan una extraña relación amorosa, luego de lo cuál Bob, el hijo menor del doctor, despierta un día sin poder caminar.

La principal jugada de la película es que de alguna manera Martin tiene la capacidad de afectar a la familia del doctor Murphy ya que le responsabiliza de la muerte de su padre, razón por la cuál Murphy se portaba tan bien con Martin, pero con cierta sequedad y rechazo. Martin exige al Doctor que mate a uno de los miembros de su familia para pagar sus culpas y de ese modo su deuda estará saneada, de lo contrario uno a uno irán muriendo sus hijos, su esposa y luego él.

Curioso planteamiento de Lanthimos, que luego de haber cocinado lentamente su historia, presentando a los personajes y su situación nos revela la carta final construyendo momentos de mucha tensión y un final no menos brutal. La película nunca da explicaciones lógicas de como es que Martin tiene estos poderes, lo cuál puede ser tomado como una debilidad, pero por una parte está bien, porque es entrar en terreno pantanoso y en algo que no cuadre la película se cae. Por el contrario hay cierto momento que sugiere que Martin es un ser sobrenatural.

La película está muy bien realmente, una gran opción para salir de la parafernalia 'hollywoodense' a la que estamos sometidos. Con pocos medios, aunque grandes actores eso sí, Yorgos Lanthimos consigue un producto de altísimo valor narrativo, que deja mucha tela que cortar a la hora de analizar la historia y los conceptos que deja luego del final en el que la familia se reencuentra nuevamente en el restaurant al que iban a comer Martin y el Dr. Steven Murphy, para ver que Bob no se encuentra con ellos, por lo que siendo el menor ha sido sacrificado.

¡Totalmente recomendable!

The Lobster (2015) - Yorgos Lanthimos

Conocí a Yorgos Lanthimos hace varios años a través de su película Dogtooth (2009), la cual estuvo nominada al Óscar a la mejor película extranjera en 2011, compartiendo terna nada menos que con Incendies de Denis Villeneuve, Biutiful de Alejandro Gonzalez Iñárritu y con In a better world de Sussane Bier que finalmente se terminó llevando el premio de la academia.

Al ver aquella película inmediatamente uno nota que se trata de algo especial, más allá de ser una producción de presupuesto corto y de apenas 5 actores principales, claramente la historia se distancia totalmente de cualquier película minimalista de similares características por la historia que plantea, la de una familia cuyos hijos no conocen el mundo fuera del muro que rodea su casa.

Dicha película filmada en Grecia supuso la puerta de entrada de Lanthimos al mundo occidental del cine, debutando con una producción de habla inglesa en 2015 titulada en español La Langosta, título tan misterioso como poco atractivo (para mi), que por alguna razón nunca me llevó a ver la película protagonizada por Colin Farrell.

Lamentablemente no puedo seguir profundizando en la película y sobre todo explicar la naturaleza del título sin revelar detalles importantísimos que es mejor recibir directamente viendo la película, así que si no la has visto, ándate a verla ya mismo y luego regresas por aquí si así lo deseas, si no pues prosigo con la idea.

La película empieza con una desconcertante escena en la que una mujer conduce por una carretera hasta que se detiene para bajar del automóvil y matar a balazos a una animal que está pastando fuera de la autopista, ese comienzo no dice mucho pero luego toma cierto sentido cuando es revelado el concepto de la película.

Colin Farrell es un sujeto que se marcha de su casa luego de, aparentemente, haber sido victima de la infdelidad de su esposa, y se instala en un hotel situado en medio de un bosque. Resulta que dicho hotel acoge a personas solitarias que van a buscar el amor, pero ahí no queda la cosa, tienen 45 días para enamorarse sinceramente de alguien, de lo contrario serán convertidos en cualquier animal que ellos escojan (el protagonista elige una langosta, de ahí el título). ¿Original no? Además cada huésped puede 'ganar' días adicionales durante una especie de cacería en la que capturan a fugitivos solitarios que viven en el bosque mediante dardos sedantes.

La película está filmada de forma muy minimalista, algo que ya se había visto en el trabajo anterior de Lanthimos, en Dogtooth por ejemplo, pero que además y aquí en mi opinión se nota mejor, potencia muy bien la comedia que plantea la película, un humor muy seco, por momentos un poco más obvio, pero siempre elegante que impone La Langosta. El bigotito de Farrell y su expresión (muy en deuda con Buster Keaton) es impagable.

Tenemos una fotografía fría que utiliza un poco tonos azulados y pasteles, pero que contrapone con algunos matices rojos que resaltan la ligera violencia que tiene la película, los colores de la película funcionan muy bien, ayudan a mantener la atmósfera absurda y de falsa seriedad que tiene la película, algo que funciona en conjunto con la banda sonora cuyo leitmotiv parece sacado de alguna partitura de suspenso pero que funciona para redundar en la ridiculés de algunas escenas.

No voy a mentir, esta película no es para todo mundo, tanto por la historia, la premisa, el humor y el ritmo, pero si se le da una oportunidad y esto ya depende de cada uno, sentarse a verla detenidamente, creo yo que no deja insatisfecho al espectador. Es una película hecha con talento que ofrece un concepto bastante alejado de lo común, si estás habituado al cine menos convencional esta película no te va a decepcionar.

La recomiendo con total seguridad, cine de calidad, cine atípico que busca refrescar el panorama actual entre tanto bodrio y repetición cansina de ideas del pasado, vale la pena descansar un rato de la maquinaria y darse un aire fresco. Por cierto el final de la película es bastante interesante, va a dejar pensando a más de uno.

Widows (2018) - Steve McQueen

Steve McQueen es un director británico que apareció hace ya varios años de la mano con Michael  en Hunger (2008), película que se basaba en un hecho histórico, aquel sobre los prisioneros irlandeses de principios de los 80 que encadenaron una serie de huelgas de hambre durante meses para lograr su liberación.

Posteriormente logro mayor notoriedad con Shame (2011), un drama también con Fassbender como protagonista, que cuenta la historia de un hombre cuya adicción compulsiva al sexo empieza a conducirlo por una espiral de autodestrucción. En 2013 estrenó 12 años de esclavitud que ya puso a Steve McQueen en primera plana, con una película que toca el sensible tema del racismo en Estados Unidos, logrando el Óscar a la mejor película, y por cierto uno también para Lupita N'yongo como actriz de reparto.

Han pasado 5 años de aquella cinta y el realizador inglés ha regresado con Widows, un drama que intenta mezclar con elementos del cine de mafias o de conspiración política, que tiene un gran elenco liderado por mujeres básicamente, con hombres como secundarios, algo muy de los tiempos actuales. Entre las protagonistas están Viola Davis y Michelle Rodriguez, mientras que como soporte tenemos a Colin Farrell, Liam Neeson y al octogenario Robert Duvall.

La película cuenta la historia de cuatro atracadores que son abatidos en un almacén por agentes de la policía tras haber robado 2 millones de dólares que pertenecen y son para la campaña de Jamal Manning (Brian Tyree Henry), candidato afroamericano a concejal del pueblo, rival de Jack Mulligan (Colin Farrell) quien aparentemente está involucrado en ese robo. Las viudas de los asaltantes fallecidos deciden unirse comandadas por Veronica Rawlings (Viola Davis) para 'recuperar' el dinero, obligadas por Manning y su hermano (Daniel Kaluuya).

La historia en sí misma es atractiva y tiene bastante personalidad a nivel visual, McQueen demuestra gran destreza con la cámara y buen manejo de las atmósferas, pero la historia me resulta un tanto inverosímil para tratarse de un drama serio, no es creíble que tres amas de casa asalten un local de campaña y se lleven 5 millones de dólares, pero a pesar de eso la película funciona bien y se hace creíble gracias a sus muy buenas actuaciones.

La música, a pesar de estar a cargo de Hans Zimmer, no destaca especialmente, pero la fotografía si que imprime ese aspecto decadente y descolorido propio de las historias negras, muy similar a Hunger por ejemplo. De hecho, el guion está a cargo de Gillian Flynn, prolífica novelista y guionista que trabajó en la adaptación de su novela Perdida (2014), evidencia del carácter de la historia.

En general las actuaciones son las que destacan por sobre todo, Colin Farrell, Robert Duvall, Viola Davis están muy bien, y en especial me llamó la atención el trabajo de Cynthia Erivo, novata actriz británica que aquí hace un excelente papel de madre soltera, peluquera y niñera, que en determinado momento asume un papel crucial en el atraco final de la película.

La verdad, es que si recomiendo la película, se pasa un buen rato, pero me parece que no es lo mejor que he visto de Steve McQueen, al final hay un giro interesante en la historia que vale la pena descubrir, pero más allá del drama y profundidad que se intenta imprimir a la historia no deja de ser una historia de asaltantes que busca ir más allá, pero termina quedando un poco en tierra de nadie, a pesar de lo cuál no deja de estar bien la película.

Bohemian Rhapsody (2018) - Bryan Singer

Ayer he podido ver esta película tan comentada, y no podía ser de otra manera pues se trata de un biopic, el primero si no me equivoco, sobre la vida y carrera de Freddie Mercury, el mítico cantante y compositor de la banda Queen. No soy especialmente fanático de la banda, pero si me gusta, me refiero a que no conozco con exactitud ni la historia ni la discografía de la banda, pero disfruto de su música.

No me quiero extender mucho, porque realmente no tengo mucho que comentar al respecto, Bryan Singer es un director muy irregular, lo cuál para nada me daba confianza con esta película más allá de que su protagonista, Rami Malek ha arrasado en esta temporada de premios y probablemente se lleve el Óscar a mejor actor. Sospechosos comunes (1995) es una gran película, X-men, días del futuro pasado (2014) es una maravilla, pero también es cierto que con X-men: Apocalipsis (2016) la cagó.

Entonces tenemos una película que se basa en la nostalgia, algo que sospechosamente está muy de moda en estos tiempos, a cada rato vemos películas ambientadas en los años ochenta, pero no por cuestiones de que la historia lo requiera, si no simplemente porque sí, y digo "sospechosamente" porque para mi no es casualidad que la gente haya agarrado la tendencia de ambientar todo en el pasado, lo cierto es que la realidad actual y la tecnología boicotean el uso de ciertos mecanismos narrativos universales. ¿A que me refiero con este rollo?, a que por ejemplo si antiguamente se podía incluir una escena donde un personaje se olvida algo, ahora ya no funciona siempre pues, existen los teléfonos y la comunicación inmediata, así nació por ejemplo el cliché moderno del "celular sin batería".

Pero bueno, me dejo de cuentos y hablemos de la película. La historia evidentemente es la de Queen, como se inicia la banda, sus primeros logros, el éxito y caída de su líder. Básicamente lo primero que puedo comentar es que la película se toma un sinnúmero de licencias respecto a la historia oficial, hay muchos detalles que medio mundo no ha pasado por alto y le han achacado a la película por imprecisa. Evidentemente cuando se adapta una historia hay que modificar los hechos en beneficio del desarrollo dramático, pero aquí hay detalles que se podían haber considerado y se han pasado por alto, perjudicando el deleite del fan, como el hecho de que Freddie tiene ojos claros en la película, cuando en la realidad sus ojos eran oscuros.

Dentro de las cosas positivas que tiene la película, están en principio Queen, me refiero a que la banda y Freddie Mercury se impone por sobre la película y sus cualidades como tal, da igual sea mala o buena, pues cada tanto te ponen algún tema de Queen, incluyendo la secuencia final del Live Aid (1985) que está bien recreada y es el momento más emotivo de la película por la trascendencia de aquel hecho histórico.

Rami Malek hace un trabajo muy bueno imitando y recreando a Freddie Mercury, pero en mi opinión no se llega sentir fuerza en el papel, el resto de actores cumple. La estética visual de la película me ha parecido horrible, es en exceso colorida, chirriante, no lo sé tal vez han querido imprimir en ese apartado la personalidad del personaje, pero para mi gusto se les ha ido la mano, Además que el aspecto de la película es marcadamente digital, de hecho la secuencia de Live Aid se ve claramente que está repleta de retoques digitales, algo muy molesto que al menos en mi caso, te saca de la película.

La película tiene un defecto, muy común en este tipo de historias que abarcan muchos años, y es que el paso del tiempo está muy torpemente delimitado, todo sucede muy rápido, la banda firma su primer contrato, sale en televisión, ya está de gira, y a la siguiente escena ya está grabando A night at the opera (1975), es todo muy rápido, intrascendente y no deja huella en el espectador, esto en conjunto con los detalles que he mencionado anteriormente muestran un desarrollo temporal que se hace ligeramente confuso y poco interesante.

Como cuestión final debo mencionar que la película cuenta la historia de forma muy amable y manipuladora, a esto me refería al inicio cuando decía que apelaba a la nostalgia, simplemente se trata de ir a escuchar la música de Queen a un cine, evidentemente si te gusta su música, y es mi caso, pues te lo pasas bien, pero estamos ante una película perfectamente olvidable, no veo realmente nada que destacar en sí misma, por esto referí que lo mejor de la película es que se trata de Queen, si se tratara de una banda que ha empezado a tocar ayer, nadie daría ni un duro por ella.

Yo no se hasta cuando vamos a seguir con esto de recurrir al pasado para llevar a la gente al cine, ejemplos hay muchos esta Bohemian Rhapsody, Stranger Things (2017), X-men days of future past (2014), Mid90s (2018), etc. Pronto empezarán a revivir íconos de los noventa, que ya empiezan a quedar muy en el pasado, y no me extrañaría que tras el éxito de esta cinta, empiece una oleada de películas sobre otras bandas, algo que nunca está de más, pero ojalá con un mejor trabajo de guion, para que no quede en anécdota.

The House That Jack Built (2018) - Lars von Trier

He dejado de escribir una semana, y es que he estado muy metido en otras cosas, pero ya estoy aquí una vez más, ahora para comentar la más reciente película de Lars von Trier. Debo anticipar, que von  es uno de mis directores predilectos, de todo su trabajo, La Trilogía Europa (1984-1991), La Trilogía de los Corazones Dorados (1996-2000), su miniserie El Reino (1994-1997), Anticristo (2009), Melancholia (2011), etc. Polémico como pocos, por varias cuestiones, pero es un gran director, cuyo trabajo ha logrado tener un estilo propio, como sería el caso de Tarantino, ambos tiene estilos muy claros, reconocibles y propios.

Creo pertinente comentar que si bien he visto toda la filmografía, de su anterior trabajo, Ninfómana (2013), tan solo vi la primera parte, y no me interesó siquiera ver su segunda parte, pues si bien la película tenía sexo duro y pornografía como cartel de propaganda, propuesta ciertamente arriesgada pero atractiva al mismo tiempo, la película a mi no me dijo nada, salía ahí Stellan Skarsgaard, el actor sueco, comentando diversas cuestiones como 'el intervalo del diablo', o sobre cebos de pescar y cuestiones que el personaje iba relacionando con la vida sexual de la protagonista (Charlotte Gainsbourg), mucho palabreo y pocas nueces, no había la visceralidad de sus trabajos anteriores, en el cuál los sucesos hablaban por si solos.

Entonces después de la decepción de Ninfómana, pasaron casi 5 años y el año pasado ha vuelto a la palestra con The House That Jack Built, protagonizada nada menos que por Matt Dillon como un asesino en serie, o al menos a priori esa es la premisa, y pues con Lars von Trier ya he aprendido que nada es lo que parece, y menos hay que tomar lo que dice al pie de la letra.

Reconozco que tenía cierto miedo con la película, porque me temía que el señor fuera a repetir los excesos de Ninfómana, y cayera en cierto libertinaje cinematográfico y a metiera desnudos porque sí, y lo mismo que ya había hecho en detrimento de la profundidad de otros de sus mejores títulos como Los Idiotas o Dogville.

Sin embargo me he llevado una sorpresa con este film pues, precísamente si repite más o menos la fórmula de Ninfómana, más o menos hay varios de los elementos de aquel film. Una conversación entre dos personas que va estableciendo los hechos de la historia que se cuenta, la historia ha sucedido en el pasado, hay palabreo en el diálogo, y a que me refiero con esto, a que Lars von Trier recurre a metáforas para comparar diversos aspectos de la personalidad y conducta del protagonista con expresiones artísticas, conductas de la naturaleza, y en fin, lo mismo sucedía en Ninfómana pero esas comparativas las establecía Seligman, el personaje que acompañaba a Joe, mientras que aquí es el propio protagonista, Jack, quien se justifica o explica mediante estas metáforas.

Debo decir que la 'fórmula', en esta película si que funciona, y funciona a muchos niveles, funciona como 'película' de Lars von Trier, se ve su estilo, es palpable, reconocible, y con mayor notoriedad que en Ninfómana. La película funciona como una thriller psicológico que busca adentrarse en la mente del asesino, invitados nada menos que por el propio asesino. La película funciona también como obra de horror 'shockeante', si le quitamos el autoanálisis del protagonista y el palabreo. Y sobre todo lo anterior la película funciona como un autoanálisis del propio Lars von Trier y del trabajo de toda su carrera, el cuál compara con el trabajo de una asesino en serie, esa es la metáfora fundamental de la película.

La película nos cuenta la historia de Jack, un ingeniero con vocación de arquitecto que se ha planteado construir una casa en las afueras, a orillas de un lago, las motivaciones para construir una casa no se plantean de forma explícita, pero de alguna manera se puede establecer en relación a la creación de algo, al trabajo del artista que tanto se remite el protagonista.

La historia se va desarrollando en torno a una conversación entre Jack y un misterioso personaje, al cuál le va relatando una serie de sucesos, cinco en total, en los cuáles da detalles diversos sobre asesinatos que ocurren a lo largo de doce años. Al mismo tiempo se dan luces sobre su pasado, su niñez, su familia, la relación con su madre, etc.

A nivel técnico la película es más parecida a películas como Melancholia, Anticristo o Dancer in the Dark (2000), siempre con la cámara al hombro, pero ahora con insertos fijos, con una post producción un poco más elaborada, con cambios de velocidad de fotogramas, insertos de imágenes de documentales y de otros medios, incluso pintura animada, algo que no es nuevo y que se ha visto por ejemplo en Su documental 'Cinco obstrucciones' (2003).

La música de la película sirve como contrapeso pues añade cierto aroma de ironía, restando tensión, pero en pro de no tomar la película de forma tan literal como una mera película de serial killers, dando lugar a múltiples interpretaciones de lo que se ve, de hecho hay momentos en los que se escucha música muy dispar de lo que se ve en pantalla, incluyendo una sorpresita al final, o incluso cierto momento en el que suena Primavera de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, con clara intención cómica, pues esta obra es un cliché de la 'alta cultura', que hasta en programetes de televisión se pone en son de burla.

Me parece interesante recordar que en 2011, durante la conferencia de prensa de Melancholia en el Festival de Cannes, Lars von Trier hizo las ya míticas declaraciones de "Entiendo a Hitler", y años después en esta película aparecen imágenes de hitler, y de alguna manera a mi entender, von Trier compara el genocidio de muchos dictadores con la labor cinematográfica, establece un paralelismo entre el asesinato y la creación cinematográfica, de alguna manera von Trier se autoproclama un genocida del cine.

Ciertamente esta película, debe ser la más polémica de toda su carrera por el mensaje que deja entrever, más allá de las imágenes que se muestra, que por cierto incluye el asesinato de dos niños, pero a propósito de aquello, ni el propio Lars von Trier se ha atrevido a mostrar en cámara el asesinato de niños inocentes a sangre fría, algo que nada más han sido capaces de mostrar Luis Buñuel en L'Age d'Or (1930) y años después John Carpenter en Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976).

De todos modos recomiendo esta película, sobre todo a los fans de Lars von Trier que van a encontrar un film muy de Lars von Trier, con muchas lecturas, una película que fluye y que se ve claramente un intento por emular o parecerse al cine de Tarkovsky del cuál es devoto von Trier, tenemos por ejemplo el elemento más obvio en 'La lluvia', aquella que aparece en toda la filmografía del cineasta ruso.