The House That Jack Built (2018) - Lars von Trier

He dejado de escribir una semana, y es que he estado muy metido en otras cosas, pero ya estoy aquí una vez más, ahora para comentar la más reciente película de Lars von Trier. Debo anticipar, que von  es uno de mis directores predilectos, de todo su trabajo, La Trilogía Europa (1984-1991), La Trilogía de los Corazones Dorados (1996-2000), su miniserie El Reino (1994-1997), Anticristo (2009), Melancholia (2011), etc. Polémico como pocos, por varias cuestiones, pero es un gran director, cuyo trabajo ha logrado tener un estilo propio, como sería el caso de Tarantino, ambos tiene estilos muy claros, reconocibles y propios.

Creo pertinente comentar que si bien he visto toda la filmografía, de su anterior trabajo, Ninfómana (2013), tan solo vi la primera parte, y no me interesó siquiera ver su segunda parte, pues si bien la película tenía sexo duro y pornografía como cartel de propaganda, propuesta ciertamente arriesgada pero atractiva al mismo tiempo, la película a mi no me dijo nada, salía ahí Stellan Skarsgaard, el actor sueco, comentando diversas cuestiones como 'el intervalo del diablo', o sobre cebos de pescar y cuestiones que el personaje iba relacionando con la vida sexual de la protagonista (Charlotte Gainsbourg), mucho palabreo y pocas nueces, no había la visceralidad de sus trabajos anteriores, en el cuál los sucesos hablaban por si solos.

Entonces después de la decepción de Ninfómana, pasaron casi 5 años y el año pasado ha vuelto a la palestra con The House That Jack Built, protagonizada nada menos que por Matt Dillon como un asesino en serie, o al menos a priori esa es la premisa, y pues con Lars von Trier ya he aprendido que nada es lo que parece, y menos hay que tomar lo que dice al pie de la letra.

Reconozco que tenía cierto miedo con la película, porque me temía que el señor fuera a repetir los excesos de Ninfómana, y cayera en cierto libertinaje cinematográfico y a metiera desnudos porque sí, y lo mismo que ya había hecho en detrimento de la profundidad de otros de sus mejores títulos como Los Idiotas o Dogville.

Sin embargo me he llevado una sorpresa con este film pues, precísamente si repite más o menos la fórmula de Ninfómana, más o menos hay varios de los elementos de aquel film. Una conversación entre dos personas que va estableciendo los hechos de la historia que se cuenta, la historia ha sucedido en el pasado, hay palabreo en el diálogo, y a que me refiero con esto, a que Lars von Trier recurre a metáforas para comparar diversos aspectos de la personalidad y conducta del protagonista con expresiones artísticas, conductas de la naturaleza, y en fin, lo mismo sucedía en Ninfómana pero esas comparativas las establecía Seligman, el personaje que acompañaba a Joe, mientras que aquí es el propio protagonista, Jack, quien se justifica o explica mediante estas metáforas.

Debo decir que la 'fórmula', en esta película si que funciona, y funciona a muchos niveles, funciona como 'película' de Lars von Trier, se ve su estilo, es palpable, reconocible, y con mayor notoriedad que en Ninfómana. La película funciona como una thriller psicológico que busca adentrarse en la mente del asesino, invitados nada menos que por el propio asesino. La película funciona también como obra de horror 'shockeante', si le quitamos el autoanálisis del protagonista y el palabreo. Y sobre todo lo anterior la película funciona como un autoanálisis del propio Lars von Trier y del trabajo de toda su carrera, el cuál compara con el trabajo de una asesino en serie, esa es la metáfora fundamental de la película.

La película nos cuenta la historia de Jack, un ingeniero con vocación de arquitecto que se ha planteado construir una casa en las afueras, a orillas de un lago, las motivaciones para construir una casa no se plantean de forma explícita, pero de alguna manera se puede establecer en relación a la creación de algo, al trabajo del artista que tanto se remite el protagonista.

La historia se va desarrollando en torno a una conversación entre Jack y un misterioso personaje, al cuál le va relatando una serie de sucesos, cinco en total, en los cuáles da detalles diversos sobre asesinatos que ocurren a lo largo de doce años. Al mismo tiempo se dan luces sobre su pasado, su niñez, su familia, la relación con su madre, etc.

A nivel técnico la película es más parecida a películas como Melancholia, Anticristo o Dancer in the Dark (2000), siempre con la cámara al hombro, pero ahora con insertos fijos, con una post producción un poco más elaborada, con cambios de velocidad de fotogramas, insertos de imágenes de documentales y de otros medios, incluso pintura animada, algo que no es nuevo y que se ha visto por ejemplo en Su documental 'Cinco obstrucciones' (2003).

La música de la película sirve como contrapeso pues añade cierto aroma de ironía, restando tensión, pero en pro de no tomar la película de forma tan literal como una mera película de serial killers, dando lugar a múltiples interpretaciones de lo que se ve, de hecho hay momentos en los que se escucha música muy dispar de lo que se ve en pantalla, incluyendo una sorpresita al final, o incluso cierto momento en el que suena Primavera de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, con clara intención cómica, pues esta obra es un cliché de la 'alta cultura', que hasta en programetes de televisión se pone en son de burla.

Me parece interesante recordar que en 2011, durante la conferencia de prensa de Melancholia en el Festival de Cannes, Lars von Trier hizo las ya míticas declaraciones de "Entiendo a Hitler", y años después en esta película aparecen imágenes de hitler, y de alguna manera a mi entender, von Trier compara el genocidio de muchos dictadores con la labor cinematográfica, establece un paralelismo entre el asesinato y la creación cinematográfica, de alguna manera von Trier se autoproclama un genocida del cine.

Ciertamente esta película, debe ser la más polémica de toda su carrera por el mensaje que deja entrever, más allá de las imágenes que se muestra, que por cierto incluye el asesinato de dos niños, pero a propósito de aquello, ni el propio Lars von Trier se ha atrevido a mostrar en cámara el asesinato de niños inocentes a sangre fría, algo que nada más han sido capaces de mostrar Luis Buñuel en L'Age d'Or (1930) y años después John Carpenter en Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976).

De todos modos recomiendo esta película, sobre todo a los fans de Lars von Trier que van a encontrar un film muy de Lars von Trier, con muchas lecturas, una película que fluye y que se ve claramente un intento por emular o parecerse al cine de Tarkovsky del cuál es devoto von Trier, tenemos por ejemplo el elemento más obvio en 'La lluvia', aquella que aparece en toda la filmografía del cineasta ruso.

A Star Is Born (2018) - Bradley Cooper

En un inicio, no me llamaba la atención para nada ver a Lady Gaga cantando en una película, lo único que tal vez me hubiera podido motivar a verla era que se trata de debut de Bradley Cooper dirigiendo, por otro lado sospechaba que probablemente estuviera nominada al Óscar por todo el barullo que hubo al respecto, razón por la que de todos modos iba a tener que verla para tenerla comentada aquí.

Cómo a priori no estaba muy animado para ver la película decidí hacer un ejercicio interesante y ver primero las 3 versiones predecesoras producidas en Estados Unidos (pues existe también una especie de adaptación india, pero que no es propiamente parte de esta 'saga' pues se trata de una secuela de otra película que toma elementos de la historia) y hacer una comparativa a través de los años y guardando las distancias de cada época, para hacerme una idea más justa de la película de Bradley Cooper.

Entonces llegamos a 2018 y tenemos que después de 42 años un nuevo remake de esta película, ya casi quemada, ha visto la luz. ¿Cómo se podía ofrecer algo nuevo y no visto antes? No lo sé y me quedaré sin saberlo tal vez, porque esta película está directamente relacionada con la versión del 76 y poco a nada tiene que ver ya con las dos primeras, pero sobre todo no ofrece mucho más que su antecesora, salvo algunos detalles que me han parecido acertadísimos.

Esta producción llevaba muchísimos años retrasándose una y otra vez en cierto momento se tenía como director nada menos que a Clint Eastwood, con Beyoncé de protagonista y barajándose varios nombres para el otro personaje como Christian Bale o Will Smith, pero nunca llegó a concretarse la producción, finalmente se contactó a Bradley Cooper para papel masculino, además de para dirigir el proyecto, algo sorprendente considerando que es un novato.

Algo que le reclamaba a las tres películas anteriores, sobre todo a la de 1976 era que no profundizaban en el personaje de Norman Maine/John Norman, y los origines y razones de su conducta autodestructiva que le han llevado a hacer añicos su carrera a través del alcohol. Aquí Bradley Cooper interpreta a Jackson Maine (ya no es Norman), un músico de Country Rock cuyo medio hermano, interpretado por Sam Elliott, lleva su carrera, y bueno lo mismo de siempre, luego de un concierto va a un bar de drag queens en el que se presenta Ally (Lady Gaga), quien trabaja como camarera en un restaurant.

No voy a ahondar en el resto de la historia pues ya se sabe como termina, pero lo más importante aquí es que Jack Maine tiene un conflicto muy interesante, pues el tipo tiene una enfermedad degenerativa que le está dejando sordo, sumado a eso tenemos que su relación con Bobby, su hermano y manager, no es la mejor, pues este vive con la herida de no haber sido cantante el mismo, a pesar de lo cuál es fiel a su hermano.

La narración de la película además está mejor equilibrada en esta versión, cada escena encaja en perfecta armonía unas con otras, no sentimos que la película se quede demasiado en un lugar, la historia es dinámica, incluso las secuencias musicales están muy bien colocadas y la película casi no se siente como un musical, si bien hay suficientes números como para considerarla un musical, las canciones están bien balanceadas con el progreso de la historia y están implicadas con determinados sucesos de la película.

A nivel de actuaciones debo decir que Bradley Cooper hace un señor papel, como ese cantante sureño imitando un poco ese acento que tiene por ejemplo Jeff Bridges, engrosando más la voz, la forma de caminar, la manera de interpretar los temas en el escenario, muy buena actuación. Lady Gaga cumple con su rol perfectamente, no voy a decir que es la mejor actriz del momento, pero está más que bien, sobre todo si consideramos que realmente ella no es actriz, aunque haya participado en algunas producciones. Cómo cereza en el pastel tenemos a un muy buen Sam Elliott, que interpreta con el corazón y los pocos minutos que aparece es muy conmovedor.

La banda sonora de la película es otro punto bastante positivo, las canciones no son muy de mi gusto pero van muy bien con la película, y tanto Cooper como Gaga potencian muy bien los temas, en especial me gustó el tema inicial, una especie de country rock estilo texas muy potente y como arranque está muy bueno. Un aspecto que no destaca especialmente pero es para tener en cuenta es la dirección de Bradley Cooper, ofrece un tratamiento muy moderno con diversos recursos, dolly, grúas, cámara al hombro, lo cuál facilita un montaje muy dinámico.

Luego de haber visto todas las películas debo decir que esta es la que más me ha convencido, y por supuesto que la recomiendo, no hagan caso a la gente que dice que si aburre, que si no vale, que si Lady Gaga esto o lo otro, la película está muy bien, el que no la valore será por otras cuestiones más subjetivas. Si tuviera que ordenar todas las películas de esta historia, esta la pondría como la mejor, definitivamente, luego colocaría a la versión de 1976, en tercer lugar al original y en cuarto lugar a la versión de 1954 dirigida por George Cukor.

La película, con un presupuesto de 36 millones de dólares ha recaudado un total aproximado de unos 400 millones de dólares en todo el mundo, por lo cuál no descartaría que volviéramos a ver en un futuro no muy lejano a Lady Gaga protagonizando otro musical o con algún otro papel importante en Hollywood, desde luego Bradley Cooper tiene una carrera asegurada como director, y como actor para mi ya ha demostrado que es un tipo que vale y puede hacer mucho más que comedias y payasadas.

A Star Is Born (1976) - Frank Pierson

Ya estoy aquí para comentar el segundo remake, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson en los . Esta tercera versión se distancia de las dos primeras buscando modernizar la historia y adaptarla a los tiempos del hipismo y de la contracultura, ya en decadencia en los años 70 enclaustrando la historia en el negocio de la música. La película fue producida por Jon Peters y Barbra Streisand.

Aquí ya nos olvidamos de Norman Maine y en su lugar tenemos a ¡John Norman Howard Speedway! (tremendo nombre ¿no?), una estrella de rock interpretada con gran acierto por Kris Kristofferson el famoso cantante de folk de aquellos años, leyenda de la música y el cine. La historia nos cuenta como esta estrella de rock perdida en el alcohol y las drogas llega por casualidad a un pequeño bar dónde ve interpretar a una joven cantante llamada Esther Hoffman (Streisand), más o menos lo mismo que las anteriores.

Esta producción es impecable, filmada muy al estilo documentario de los setentas, todas las escenas de conciertos recuerdan un poco a momentos de Woodstock. Los temas musicales son impecables y muy enérgicos, se siente la vibra de la película, que es mucho mayor que en las otras dos anteriores, por más que Judy Garland se haya dejado la vida en su momento.

Esta película en mi opinión tenía todo para ser muy superior a sus antecesoras, pero no termina de profundizar en el conflicto de Norman y el origen de sus problemas con el alcohol, el cuál terminan destruyendo su relación Esther. Hay varios detalles distintos en esta historia que responden a la necesidad de adaptar la historia a un contexto musical, lo cuál está bien pues le da personalidad propia a esta producción.

Los actores están bastante bien, tanto Kris Kristofferson y Barbra Streisand brillan en pantalla, lucen sus voces, y muestran mucha química y carisma. Como curiosidad habría que mencionar que al inicio aparece Robert Englund en un pequeño papel, el actor que interpretó a Freddy Krueger en las primeras películas de Pesadilla en la calle Elm.

Hay que destacar que esta película que Barbra Streisand fue la primera mujer nominada y ganadora de un Óscar como compositora, por el tema Evergreen, junto a Paul Williams, famoso compositor de los años setenta que trabajó con los Carpenters por ejemplo. También cabe mencionar que la película con un presupuesto de 6 millones de dólares recaudó 80 millones de dólares en cines de Estados Unidos, sobrepasando probablemente los 100 millones a nivel mundial.

Un gran éxito de taquilla, que la crítica no valoró de forma tan positiva más allá de reconocer el innegable talento de la señora Streisand. No está mal está película, si les gusta Barbra Streisand, Kris Kristofferson y el rock de los setenta, pues se lo van a pasar bien.

The Mule (2018) - Clint Eastwood

Vengo al cine luego de un buen tiempo. La última vez fui a ver A Quiet Place (2018). Debo reconocer que me lo he pasado bien a pesar de las circunstancias (estaba sentado en la segunda fila, hacia un costado). El plan original era ir a ver Glass (2019), la cuál pensaba comentar, y seguramente haré en un futuro cercano, pero las cosas no salen como uno las planea y no habían entradas, entonces de rebote hemos caído a ver la más reciente película de Clint Eastwood.

Creo que había visto algún momento de el trailer, pero no tenía ni idea del argumento de la película, así que he ido descubriendo la historia estando ahí en la sala. Algo que me llamó la atención es que Clint Eastwood no solo dirige si no que protagoniza la historia, recuerdo que hace unos años escuché que luego de Gran Torino (2008) se retiraba de la actuación, pero luego lo fui viendo una y otra vez en película tras película y hemos llegado al 2019 y el señor a puertas de los 89 años no para.

La película más o menos cuenta un hecho real. Leo Sharp fue un veterano de guerra que trabajó para el Cartel de Sinaloa como 'mula' durante 10 años, llegando a transportar más de 300 kilos de cocaína en un solo viaje a bordo de su camioneta Lincoln. A los 87 años, Sharp fue arrestado por la DEA y procesado por transportar droga para el Cartel, saliendo en libertad en 2015 por complicaciones en su salud y habiendo cumplido un año de sus sentencia.

Pero volviendo a la película, ¿es recomendable? Honestamente, la recomiendo para ir a ver con la familia o pasar un domingo por la tarde en casa, y poco más. No es de las mejores películas de Clint Eastwood, no cuenta la historia con profundidad, se limita a ofrecer una visión entretenida y amable de los hechos apoyándose únicamente en el mensaje de que la familia debe prevalecer por encima de cualquier actividad que realicemos en nuestra vida.

Llama la atención algunos nombres en el casting, como Laurence Fishburn, Dianne Wiest, Bradley Cooper, Michael Peña y Andy García. Ninguna actuación realmente convence, salvándose por mero carisma tanto Eastwood como el propio Andy García, quien en los pocos minutos que aparece convence y genera sonrisas por su despliegue tan escalofriante como simpático.

A nivel visual la película no ofrece nada impresionante, bonitos paisajes del sur de Estados Unidos, que vemos a bordo de la pickup de Earl Stone (Clint Eastwood), pero poco más, el trabajo de fotografía está bien, pero no mata. La banda sonora de la película cumple un rol muy pobre, intentando remarcar a la fuerza la intención emocional de ciertas escenas, que no funciona con la naturalidad que debería producto de un buen guion.

La película se hace larga por momentos y poco interesante, es más como un paseo con tu abuelito, pero realmente no está aburrida, como digo se hace entrañable el personaje de Earl, que apoyado en múltiples golpes de comedia logra generar sonrisas. La historia además nos ofrece un conflicto muy interesante, pues el señor Stone ha sido un padre y esposo ausente que ha dedicado más su tiempo al trabajo, esta idea es muy interesante, pero está muy desaprovechada en la película, pues empieza con esto, luego saltamos a los viajes, y al final se retoma de una manera muy pobre y apresurada. Hay cierto momento crucial de la historia, que podría haberse aprovechado temprano en la película como elemento para generar suspenso e interés y al mismo tiempo trabajar el conflicto principal de los personajes, pero llega muy tarde y de manera apresurada.

Realmente se trata de una película más que no recordaremos especialmente, no está al nivel del mejor Clint Eastwood, ni como actor y muchos menos como director, pero se puede tomar como una oportunidad para pasar un momento agradable en familia si dejamos a un lado las pretensiones y exigencia por el acabado de calidad y la profundidad narrativa, si así lo deciden vayan a verla.

A Star Is Born (1954) - George Cukor

Luego de haber comentado la versión original de A Star Is Born, estrenada en 1937 y producida por el legendario David O. Selznick, tuve que tomarme un descanso por mi cumpleaños, y ahora luego de una semana, regreso para comentar la segunda versión de esta clásica historia.

Básicamente, en 1952 se le propuso al experimentado George Cukor dirigir un remake (Si, ya existían en esos tiempos) de A Star Is Born (1937) protagonizado por la también legendaria Judy Garland (El mago de Oz), Cukor no estaba muy animado de trabajar con Garland quién en ese tiempo ya tenía fama de inestable y problemática, pero dado que el productor, Sidney Luft, entonces esposo de ella no iba a ceder, Cukor vio en esta película una oportunidad para dirigir su primer musical, además en color.

La película se estrenó en 1954, con Judy Garland y James Mason en los protagónicos. Lo primero que tengo que que nada más empezar es que el acabado visual de la película es infinitamente superior, pero no solo a nivel tecnológico, si no que más allá de compararla con el original, lo cuál sería injusto, la película a nivel de producción y de enfoque visual, se siente muy adelantada a su tiempo para haber sido filmada en 1953.

Las primeras diferencias en la historia, parten del punto de vista que esta película es un musical, por tanto Esther Blodgett/Vicki Lester (Judy Garland) en esta película va a ser una actriz de musicales. Esther trabaja como cantante de una orquesta que se dedica a viajar por el país, presentándose en cuanto lugar encuentran, en esta película dicha orquesta participan en un evento de Hollywood dónde Esther protagoniza un número musical interrumpido por un ebrio Norman Maine, es de este modo que se conocen nuestro personajes.

El primer acto acaba con la propuesta de Norman Maine a Esther para hacer un casting. De hecho los momentos esenciales del original están en este primer remake, las únicas diferencias recaen en el hecho de que al ser un musical y Esther un personaje que actúa en musicales, pues hay ciertos detalles que se tienen que adaptar para este tipo de historia, y lógicamente añadir los números musicales.

Hay un tema muy curioso con esta película y es que su metraje original fue de 196 minutos, luego reducido a 182 minutos para su estreno, llegando finalmente a un corte final de poco más de 150 minutos para distribución genera. Precisamente, tal vez la cosa más negativa que tenga esta película sea su versión "restaurada". En 1983 hubo cierta demanda para que se restaurara la película incluyendo varios números musicales, un poco a modo de recuerdo pues Judy Garland ya llevaba casi 15 años de fallecida.

Se recurrió a fotografías del rodaje para incluir secuencias cuyo metraje no apareció, pero del que sí se tenía registro de sonido. El resultado es, a mi modo de verlo, un completo desastre, en ese punto la película se me hizo confusa, además de estéticamente ser horrible el resultado, pues las fotografías no son muchas y son en blanco y negro, un verdadero despropósito que me dejó con la curiosidad de ver la versión de 154 minutos.

Los números musicales demuestra la destreza, energía y habilidad de Judy Garland y porque tiene el lugar que tiene en a historia del cine americano, hay un momento en concreto de una secuencia muy poco ortodoxa filmada en una especie de sala, dónde la mujer se da mil vueltas, mientras que va de un lado a otro y manteniendo siempre el personaje, realmente fue el momento musical que más me llamó la atención.

En general, esta película esta tan bien como la primera, evidentemente sin considerar las distancias del tiempo, lo único negativo es el detallito que comenté de la restauración, pero en general se mantiene el mismo esquema del original, funcionando como drama, como musical y como tragedia.

A Star Is Born (1937) - William A. Wellman

Estos meses de verano voy a estar comentando películas de la temporada de premios, más allá de mis intereses personales, siempre me doy el trabajo de ver las películas que se premian en Estados Unidos durante enero y febrero. A pesar que se le critica con más o menos razón, Hollywood es una de las referencias históricas y personalmente siempre me interesa ver que se hace y por dónde van los tiros.

Una de las películas que más ha resonado durante estas semanas ha sido la nueva versión de A Star Is Born (2018), por múltiples razones. Se trata del debut como director de Bradley Cooper, un actor con una carrera muy estimable, además la amada y odiada Lady Gaga estelariza la cinta. Este proyecto ha generado muchos premios y buenos comentarios.

Aunque la película no me llamaba la atención especialmente, tenía que verla de todos modos, por esto se me ocurrió hacer una excepción y comentar las 4 versiones americanas (existe una versión india de 2013) aquí para hacer una comparativa interesante y ver cuáles son mejores o peores en sus diversos aspectos y de acuerdo a los estándares de cada época.

Entonces tenemos que en 1937 se estrenó esta primera versión dirigida por William A. Wellman con Janet Gaynor como actriz principal, esta mujer fue la primera actriz de la historia en hacerse con el Oscar a la mejor interpretación femenina en 1929 por tres películas. Fredric March su co-protagonista también había ganado un Óscar a mejor actor principal en 1932 por su doble papel Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1931) y repetiría el plato por The Best Years Of Our Lives (1946).

La película nos cuenta la historia de Esther Blodgett, una jovencita que vive en las afueras y sueña con ser una actriz de éxito en Hollywood. Al llegar conoce a Norman Maine, un reconocido actor cuyo problema con la bebida lo va llevando cuesta abajo, pero que ve en ella condiciones para la actuación y la ayuda a conseguir su primer contrato.

Hay que ver la película "con ojos de la época", evidentemente le han pasado los años y narrativamente es bastante básica, Luego del primer acto la película decae un poquito en interés profundizando en el romance, pero luego lo retoma cuando la historia da un giro y la novel actriz se ve en cierta encrucijada. De las pocas películas de los años 30 que he visto esta es quizá la más sólida.

Es interesante que aunque la película se llama 'Ha nacido una estrella' en referencia a la protagonista, a la par que ella va ascendiendo en su carrera, su marido va en picado hacia la nada, ahí es dónde entra en conflicto Esther y debe decidir entre cuidar de su esposo o consagrarse como estrella de cine, ella en un acto de gran compasión se decide por lo primero.

Esta historia me ha dejado con muchas ganas de ver las demás versiones, qué variaciones se han empleado, como se han trabajado los conflictos o que conflictos nuevos se han trabajado o cómo se ha modificado la historia, en especial la versión de 1954 me llama la atención pues la dirige George Cukor, un director muy de la era del Hollywood clásico.

Recomiendo A Star Is Born con seguridad, es una película bonita, con sus conflictos, no tan profundos como el cine posterior, pero para la época está muy bien, hay que tener en cuenta que en su día la crítica se rindió ante la película, cosechó 8 nominaciones al Óscar de 1938 incluyendo mejor director, mejor actriz, mejor actor y mejor guion, pero solo se llevó el galardón a mejor argumento, premio que ya no existe hoy en día.

Boy Erased (2018) - Joel Edgerton

Hacía meses que tenía ganas de ver esta película, ni sabía de que trataba, aunque el título es muy sugerente, pero lo que si sabía y me entusiasmaba es que se trata nada menos que de la nueva película de Joel Edgerton, quién 'apareció' en 2015 con The Gift, un thriller que estaba bastante bien y que mostraba a un sorprendente Jason Bateman en el protagónico, además de Rebecca Hall y el propio Edgerton como secundario.

Entonces estamos hablando de un director relativamente nuevo, que ya ha mostrado cierto talento dirigiendo, además también escribiendo pues ha escrito ambas películas. Tenemos también que Lucas Hedges (Manchester frente al mar) es el protagonista de esta película, con Nicole Kidman y Russell Crowe haciendo de sus padres. Es evidente que con esos actores el presupuesto ha sido más elevado.

La película se basa en una novela sobre la experiencia real de Garrard Conley y su sufrimiento por ser homosexual y como sus padres lo enviaron a instituciones para que lo 'sanaran'. En el film, Jared Eamons es un joven cuyos padres lo inscriben en un programa privado de reconversión sexual, en el cuál vemos como un grupo de muchachos, mayoritariamente hombres y una que otra mujer, son sometidos a una serie de "tratamientos" para revertir su condición.

Pero no solo es el tema de la homosexualidad y como 'curarla', además el punto aquí es que este tipo de instituciones están apoyadas o basan toda su parafernalia en la fe cristiana. Y en la película nos cuentan que hay un tipo que aparentemente es un pastor que es el que conduce estas sesiones de 'cura', siempre enfocándolo todo en nombre dios, y que dios te quiere y todo ese cuento.

Lo que más resalta de la película son las interpretaciones, todos los actores están a un nivel excelente, desde Lucas Hedges, que fue nominado al Globo de Oro por su papel como Jared Eamons, que además ya ha estado nominado al Óscar hace un par de años, Nicole Kidman está muy bien, la verdad yo no recuerdo que ofreciera semejantes actuaciones de joven, Joel Edgerton está muy bien, como el director de la institución 'Love in Action' y sobre todo Russell Crowe hace un papel impresionante como el Sr. Eamons, realmente de lo mejor que ha hecho en su carrera. Cómo curiosidad también aparecen los no menos importantes Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers) y el laureado cineasta canadiense Xavier Dolan, ambos en unos papeles bastante curiosos e inquietantes.

El principal mensaje de la película es que sobre cualquier creencia lo que siempre debe primar es el amor y el respeto, a los hijos hay que aceptarlos como son, con sus gustos y sus intereses, porque de lo contrario solo se les aleja. La película no trata tanto sobre la homosexualidad en sí, si no en el querer modificar conductas ajenas en nombre de la fe y sobre aceptar renunciar a uno mismo para complacer a otras personas, lo cuál nunca nos va a llevar a la felicidad.

En general, la película está muy recomendable, animo a todo aquel que esté por aquí a que la vea. Joel Edgerton es un director con muchísima proyección que aun no ha mostrado su mejor trabajo, le tengo bastante fe y desde ya espero con ansias su siguiente proyecto. De cara a los Óscar es probable que se cuelen nominaciones para Hedges, Russell Crowe y Nicole Kidman, como actor principal y secundarios respectivamente, incluso que Crowe se llevara el galardón no me molestaría, aunque Mahershalla Ali viene fuerte al haber arrasado con todo mundo, por su papel de chófer en Green Book (2018).